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viernes, 30 de diciembre de 2016

POR UN PUÑADO DE DÓLARES (Per un pugno di dolari 1964)

Yo diría que es una película señera, aunque lo políticamente correcto sería decir de culto. En realidad son tres películas: Por un puñado de dólares (1964 Per un pugno di dollari), La muerte tenía un precio (1965 Per cualche dollaro in piú) y El bueno, el feo y el malo (1966 Il buono, il brutto, il cattivo). Sin la primera no hubieran existido las otras pero el éxito de taquilla propició la continuidad.
La madre de los westerns hechos en Europa, antes había habido algunas abuelas francamente olvidables, surgió del innovador Sergio Leone que no salió de la nada. Con poco recorrido como director se había curtido en películas de serie B italianas, pero también fue director de la 2ª Unidad en películas americanas de gran presupuesto rodadas en Europa: Quo Vadis, Helena de Troya, Ben Hur, Sodoma y Gomorra... Una gran experiencia y decidió devolver la pelota a los americanos, si ellos rodaban películas de romanos el dirigiría en Europa películas de indios.
Para por Un puñado de dolares eligió un truco que antes había funcionado en Los siete magníficos, fusilar una película del japonés Akira Kurosawa. El truco salió bien a medias, acabó en los juzgados y hubo que indemnizar a Kurosawa cuya película se titulaba Yojimbo.
Leone tenía la formula y contrató a un actor poco conocido entonces, Clint Eastwood, curtido en los westerns de la Televisión americana. Lo caracterizó con un poncho, un sombrero, un puro (al parecer Eastwood no fumaba) y una parquedad de vocabulario atronadora. Estas características las mantendría durante todo el ciclo. Claro que es el nexo entre él, porque mejoró en presupuesto, y los actores hispanos del reparto original perfectamente reconocibles fueron sustituidos por actores americanos de más alto caché. Eastwood prolongaría el arquetipo de su personaje en algunos westerns sin relación con la trilogía que lo hizo famoso, un toque aquí, una pose allá... 


                                    FREELANCE

El otro nexo es el compositor Ennio Morricone que con silbidos, punteo de guitarras, campanas de muerte, trompetas, coros e incluso el sonido de los disparos fue creador de un tipo de banda sonora que identificó a todo un subgénero.
https://youtu.be/u9s9V_aV0VY


El equipo de Leone, ya sin Eastwood, rodó una cuarta película Hasta que llegó su hora (1968 C'era una volta in West) con un reparto plagado de estrellas y rodada en exteriores en España, Estado Unidos y Méjico e interiores en Italia. Remataría su breve carrera como director con una obra maestra Érase una vez en América (1984 Once Upon a Time in America) esta ya rodada en Estados Unidos e interiores en Italia, como devolución de visita. Un digno final para una carrera corta como director pero que creó un estilo y dignificó un subgénero. Morricone y Eastwood prolongarían el éxtasis en varias películas y temas más, pero ya no era lo mismo. Loor a la Trilogía.


lunes, 12 de diciembre de 2016

MARY POPPINS (1964)

Mary Poppins es una película típica de una época de los Estudios Disney. Los Estudios Disney comenzaron casi con el cine con unos modestísimos cortos de animación hasta que dieron con un personaje emblemático que los catapultó a la fama: Mickey Mouse. A partir de ahí ha habido multitud de cambios: cosas, empresas, personas y avatares. Ha habido fusiones y absorciones: Miramax y Pixar entre otras, personas: Steve Jobs entre otros, creación de canales de Televisión, diversificación del negocio: los parques de atracciones...Poco queda de la idea inicial que ya comenzó a evolucionar en 1950 con su primera producción que no eran dibujos animados: La isla del tesoro. Disney no abandonó la animación: Blancanieves, La dama y el vagabundo, La bella durmiente, 101 dálmatas, etc.
Un paso más fue Mary Poppins, una mezcla de personajes reales y animación. La productora llevaba años de duras negociaciones con la autora australiana P.L.Travers (es un seudónimo) que había creado el personaje de cuentos infantiles y al final llegaron a un acuerdo. Travers obtuvo ciertas cautelas y estuvo encima del rodaje pero no quedó satisfecha por la inclusión de la animación y el limado de aristas del personaje de la niñera que no era, en su obra, tan edulcorado. Al parecer también intervino en la extraña relación entre el personaje del deshollinador y la niñera. La cuestión se planteó cuando la empresa quiso adquirir los derechos de otros relatos para futuras películas y la Travers se negó categóricamente. Parte de esta historia se cuenta en la película Al encuentro de Mister Banks (2013) en la que Tom Hanks es Walt Disney y Emma Thompson la Travers. También aparecen  los compositores, hermanos Sherman, y otros personajes del entorno de la película.
La película acabó teniendo todas las características de la marca Disney: Una película blanca para toda la familia, los momentos mágicos son positivos y luminosos, los personajes son empáticos y alegres con alguna excepción que se caricaturiza, el mensaje es optimista...
                                      FAMILIAR
La película fue un éxito. Su música pertenece al acervo musical de toda una generación; canciones como Con un poco de azúcar..., Chim, Chim, Cheri..., Supercalifragilistico espiralidoso, o algo así, son la banda sonora de una época. Pertenecen a los hermanos Sherman que musicaron muchas de las películas de Disney.
El director Robert Stevenson está ligado a muchas de las películas del Estudio: La bruja novata, Mi amigo el fantasma, Ahí va ese bolido, etc.
                                       MAGIA
Queda el reparto. Julie Andrews es gran parte del éxito de la película aunque fue doblada en las canciones. Debutaba en el cine y luego remató la faena con Sonrisas y lágrimas otra niñera, para Hitchcock Cortina rasgada, para su marido Blake Edwards La semilla del tamarindo.
El es Dick Van Dyke un producto de la Televisión que ya se había dejado ver en Un beso para Birdie. Después de Mary Poppins donde interpreta dos personajes dispares, intentó repetir el sortilegio en Chitty Chitty Bang Bang, pero este, junto con Julie Andrews se había perdido por el camino. Ha vuelto con mucha asiduidad a la Televisión donde ademas de muchas intervenciones como estrella invitada, ha tenido una serie propia como médico/detective, que es una combinación muy cinematográfica.
Para sentirse joven:
https://www.youtube.com/watch?v=paW9Inml4a0
https://www.youtube.com/watch?v=UsYOuZ01lMg
P.D. Si alguien está interesado, el resto de los relatos de P.L.Travers sobre Mary Poppins están en Internet. Algunos relatos están en inglés.

sábado, 12 de noviembre de 2016

LA COSTILLA DE ADÁN (Adam´s Rib 1949)


El título que se barajó durante el rodaje fue Man and Wife, sin embargo creo que el juego de palabras en español, traducido del inglés, por una vez es bastante acertado.

El director fue George Cukor, uno de los buenos y del que siempre se ha dicho que era el favorito de las actrices. Cukor tuvo una larga carrera que comenzó en 1930 y que aparte de su participación en el rodaje de Lo que el viento se llevó, tiene títulos tan recordados como Historias de Filadelfia o Luz que agoniza. A nivel popular su película insignia siempre será My Fair Lady.
Gran parte del mérito de la película son los diálogos escritos por sus guionistas Ruth Gordon y Garson Kanin. Eran dos cineastas y lo digo porque el matrimonio, que lo era, eran también actores. Ella aparece, entre muchas, en el reparto maléfico de  La semilla del diablo. El dirigió varias películas y también fue actor. De la película salió una serie de Televisión y Gordon/Kanin  escribieron alguno de los capítulos.


                                      TRIÁNGULO

Katherine Hepburn no lo tuvo fácil, era más alta, más inteligente que la mayoría y muy independiente, todo ello se llevaba mal en aquellos tiempos. Su unión con Tracy reavivó sus problemas que ya había tenido con John Ford, otro macho-alfa católico durante el rodaje de María Estuardo o María, Reina de Escocia.
Spencer Tracy hizo de todo en el cine, desde sacerdote hasta westerns pasando por político corrupto. Su unión sentimental con Katherine Hepburn siendo católico le supuso muchos problemas a ambos a nivel personal.
De esta unión o sinergia o feeling salieron nada menos que nueve películas incluida la que ahora nos ocupa y que culminarían en el tiempo con Adivina quien viene esta noche, que Tracy apenas pudo terminar.
El resto del reparto es una caja de sorpresas. Comenzando por Tom Ewell que aquí es el marido adultero del juicio. Era un actor de reparto muy eficaz. Fue el afortunado vecino de abajo en La tentación vive arriba. En esta película alcanzó la inmortalidad por el hecho de aparecer en los fotogramas de Marilyn Monroe y su vestido blanco en el respiradero del Metro. Una escena icónica donde las haya.


                        QUE MALO ERA BILLY WILDER

La esposa engañada, que defiende a su familia con las armas en la mano y muy mala puntería, Judy Holliday, fue una actriz cómica con un repertorio muy peculiar que falleció prematuramente. Su momento cumbre Un cadillac de oro macizo.
La otra fue Jean Hagen en su primer papel en el cine. Alcanzaría su gloria particular interpretando a la actriz/cantante con voz de falsete de Cantando bajo la lluvia. Luego se dedicaría a las series de televisión.
Y hablando de series de televisión, David Wayne apareció prácticamente en todas, y en muchas, gracias a su talento musical . Aquí, es el vecino-pelmazo pianista.
Queda Hope Emerson la mujer forzuda testigo de la Hepburn. Tenía un físico imponente y esto limitó su repertorio. Aparece en un papel a su medida en Caravana de mujeres.
El compositor de la película, Miklós Rósza es también el de películas muy afamadas: El Cid, Rey de Reyes, Ben Hur...¿Alguien es capaz de recordar el tema principal de la banda sonora de alguna de ellas? Supongo que no, pero sin embargo muchos aficionados pueden tararear Mi dulce Amanda: Sic transit gloria mundi o algo así.
Resumiendo una película sobre la guerra de sexos escrita por una pareja de guionistas que eran matrimonio. Sabían de lo que escribían. Todo se resume en una frase: Vive la difference!
P.D. No he encontrado traducción al inglés de los términos Pocholin y Pocholina. Evidente la mayor riqueza del idioma español.

sábado, 29 de octubre de 2016

LA VENTANA INDISCRETA (Rear Window, 1954)

Alfred Hitchcock tenía fama de mirón o dicho más finamente en francés de voyeur. Si fuese cierto, esta sería su película favorita: un inválido temporal con un potente visor y un patio de vecindad al alcance, durante el tedioso tiempo que durase su invalidez. Es el argumento de La ventana indiscreta. Está basado en un relato corto de Cornell Woolrich novelista americano que en ocasiones firmaba como William Irish.
Lo de corto no era nuevo para Hitchcock: otra de sus películas más famosas, Los pájaros, también está tomada de un relato corto y basada en uno de los trucos mas utilizados por el maestro, un McGuffin, un desencadenante que no se explica. Volviendo a Woolrich, era un favorito de los lectores del género thriller y acabó siendo de los aficionados al noir. Cineastas franceses y americanos se encargaron de que así fuese, llevando a la pantalla sus relatos tanto en cine como en televisión. Además de la que nos ocupa, entre las más conocidas, La sirena del Mississippi, La novia vestía de negro, Mil ojos tiene la noche, etc. El noir a ambos lados del Atlántico le debe mucho.
Hitchcock en La ventana, fue a lo seguro, un reparto breve pero de confianza. James Stewart, un habitual del director: Vértigo, La soga, El hombre que sabía demasiado y La ventana indiscreta. Hitchcock saca lo mejor de él. Lo mismo hace con el personaje de Grace Kelly que es obra de D. Alfred, no está en el relato original, pero pocas veces la han fotografiado mejor. El vestuario suyo es Edith Head. Sabida es la debilidad del director por las rubias, cómo no iba a haber una de bandera. 


   Dos debilidades de Hitchcock
        
La otra variante sobre el original: en la película el personaje masculino del sirviente de Stewart que Hitchcock convierte en femenino, Thelma Ritter seguramente la mejor gruñona de la historia de Hollywood. Otro acierto en la cuenta de Hitchcock. Menos importante en aquel momento el actor que interpreta el papel del malo, Raymond Burr, pero con el tiempo se convirtió en el protagonista de dos de las series de televisión mas vistas del canal único Perry Mason habitualmente un abogado de causas criminales perdidas e Ironside un detective parapléjico. Posiblemente su popularidad se debió a la falta de competencia.


                              De la nada a lo inolvidable

El final tampoco es el del relato, que no desvelo por si alguien tiene interés en leerlo.
La película tiene un cierto aire cálido y romántico del que carece el relato, totalmente frío e impersonal.
También sale Hitchcok donde tampoco desvelo para que sus fans lo encuentren. Según él lo hacia para ahorrar en extras.
El compositor es Frank Waxman que también colaboró con Hitchcock en Rebeca, Sospecha y El proceso Paradine, aunque su compositor favorito era Bernard Herrman.
Como es natural ha sido remakeada, además de repetidas series de televisión. Quizás la versión más conocida es La ventana de enfrente (1998) en la que el papel de James Stewart lo interpretó Christopher Reeve (Superman) afectado por una tetraplejía debido a una caída de caballo.

martes, 11 de octubre de 2016

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS (Seven Brides for Seven Brothers 1954)


Amable, creo que es la palabra que mejor define Siete novias para siete hermanos. Los canales de televisión suelen emitirla en la fiestas navideñas en horarios familiares: la vuelven a ver los mayores y los mas jóvenes, incluidos los que no les gustan las películas musicales. Es una de las cumbres del musical americano, en el que los números musicales no están insertados, sino que forman parte del devenir de la acción. Intrínsecamente reúne las mejores características del género: la música, el baile, el reparto, el vestuario, el colorido, en resumen y como dijo un critico "un homenaje a la alegría de vivir". Está basada en un libro de Stephen Vincent Benet titulado "The Sobbin Women" que a su vez se inspira en una leyenda que fue Trending Topic en la Antigüedad sobre el rapto de las Sabinas por los Romanos.
                                INOLVIDABLE

Poco que decir del director Stanley Donen del que ya hablamos en la entrada de Charada. Junto a Gene Kelly hizo varios de los mejores títulos del musical: Cantando bajo la lluvia, Un día en Nueva York y Siempre hace buen tiempo. Cuando pasó la época dorada del musical, realizó comedias inolvidables, la ya citada Charada, Volverás a mi donde descubrió la vena histriónica de Yul Brynner, Página en blanco donde hizo lo que pudo con Robert Mitchum, Arabesco...
Aquí el reparto lo encabeza un habitual de los musicales Howard Keel que, con una agradable voz de barítono y una planta envidiable, había triunfado en Magnolia y en La fierecilla domada, basada en una obra de Shakespeare. Ella es Jane Powell otra habitual del género, cantaba, bailaba y tenía una presencia agradable. El más pequeño de los hermanos es Russ Tamblyn; su aspecto juvenil es habitual desde entonces hasta hoy (Aparece en Django desencadenado 2012) en noventa películas, pero su cumbre fue, aprovechando sus condiciones de bailarín, West Side Story.



RUSS y JANE




                                                         RUSS en WEST

La trastienda de la película es muy importante. La coreografía, inolvidable, es de Michael Kidd coreógrafo, bailarín y actor. Aparece con sus tres habilidades en Siempre hace buen tiempo, pero seguramente pasará a la historia del musical por los bailables de Siete novias para siete hermanos.
Y un inmortal: Johnny Mercer, compositor, letrista y arreglista en más de ochocientas (800) películas. Algunas se siguen y se seguirán escuchando, lo que prueba la inmortalidad de un artista. ¿Quién no recuerda en Tener y no tener la canción de Lauren Bacall? o Las hojas muertas de la película del mismo titulo, o el Moon River de Desayuno con diamantes, o la banda sonora de Charada, o la parte de La pantera rosa que no es de Henry Mancini, ¿La carrera del siglo? Lo dicho, inmortal.

https://www.youtube.com/watch?v=MKJRGfYOHzE

https://www.youtube.com/watch?v=Q7SI7N22k_A
P.D. Se está rodando una secuela, que no remake, de Blade Runner. Es una de las películas futuristas con más admiradores. Hay que suponer que ese futuro ya ha llegado y hay que futurear más. Participan el director, no como tal, Ridley Scott y Harrison Ford.
P.D.2.-Ha fallecido Andrzej Wajda, para los aficionados mayores un director polaco rebelde, cuando ser rebelde era duro y se pagaba caro.

lunes, 3 de octubre de 2016

MOBY DICK (1956) y EN EL CORAZÓN DEL MAR (2015)

No sé jugar al póker, pero evidentemente nos encontramos ante un póker de ases: John Huston, Herman Melville, Ray Bradbury y Gregory Peck = Moby Dick.
La película tiene el sello de John Huston, un director muy personal que también fue guionista y actor como antes había sido boxeador (campeón), periodista, militar y un largo etc. Con un claro antecedente cinematográfico -su padre, Walter Huston, era un gran actor- John se inclinó finalmente por el cine y su debut fue glorioso: El halcón maltés. Él y Humphrey Bogart cogieron impulso que se prolongaría en otras películas. 
Ponemos en su haber como director El tesoro de Sierra Madre, La jungla de asfalto, La Reina de África, Vidas rebeldes, El hombre que pudo reinar, etc. Intervino como actor en algunas películas sobre todo en el último tramo de su vida.
Herman Melville, el autor de la novela original, es otro as. Como otros autores de la época,  Jack London y Joseph Conrad por ejemplo, tuvo una vida aventurera que luego plasmó en su obra. Durante algún tiempo trabajó en un ballenero y posiblemente allí oyó hablar del episodio del cachalote que embistió al ballenero Essex y luego noveló en Moby Dick y el ballenero Pequod. Son personajes suyos también llevados repetidamente al cine y la televisión Billy Budd  y Bartleby.
Casi no haría falta hablar del tercer as, Ray Bradbury el guionista. Precisar que, aunque normalmente se le encasilla en la Ciencia Ficción por su conocida obra Crónicas Marcianas, fue más bien un poeta en prosa al que el cine le debe entre otras muchas Farenheit 451. Estaba en posesión de todos los premios de literatura fantástica y Ciencia Ficción.
Y Gregory Peck, un actor capaz de hacer creíbles al abogado integérrimo de Matar a un ruiseñor, al tenorio de Vacaciones en Roma, al científico de Arabesco, al pistolero de Duelo al sol, al capitán Hornblower de El hidalgo de los mares... Y una curiosidad: en una de las versiones para Televisión de Moby Dick interpretó el personaje del predicador que en la película interpretaba Orson Welles.
                Gregory Peck/ Capitán Ahab

Podríamos hablar de un repóker puesto que en la película también está Orson Welles en uno de esos breves personajes que ocasionalmente hacía para otros directores y con cuya remuneración sobrevivía hasta la próxima. En esta ocasión es el Predicador que al principio sermonea a los pescadores desde un púlpito/mascarón de proa. Tampoco sé inglés: daría un autógrafo de Almodóvar por hablarlo y entenderlo, y por poder apreciar en su versión original y la voz de Welles, su parlamento tonante.
https://www.youtube.com/watch?v=SxVD9wOpe3Y  con un poco de paciencia.
En el corazón del mar el director trata el mismo episodio del cachalote contra el ballenero Essex que al parecer sí ocurrió, desde otro punto de vista. Es tan correcto y emocionante como un capítulo del National Geographic.
Yo sigo fiel a la máxima de John Ford: Imprime la leyenda.
P.D. Están remakeando Solo ante el peligro. Son insaciables.


martes, 20 de septiembre de 2016

CAMPANADAS A MEDIANOCHE (Chimes at Midnigth 1965)

Esta entrada no es aconsejable para hippies, yuppies, frikis, hipsters... Está escrita para amantes del Cine y del Teatro del grado 33. Porque vamos a tratar de una película, Campanadas a medianoche, perseguida por la mala suerte. Orson Welles como director era indiscutible, el British Film Institute lo escogió como el mejor director de la historia del cine, pero el cine es una industria y ahí patinaba bastante: sus películas cara a la taquilla dejaban mucho que desear y los productores no querían arriesgar su dinero con él.  Al igual que a los hermanos Marx, le costó encontrar un caballo blanco, cosa que finalmente sucedió en España. Una vez rodada la película, lo peor estaba por venir: blanco y negro, de época, una cultura y unos personajes extraños que hablaban de una forma extraña y una crítica  que la puso a los pies de los caballos. Un desastre. Por si faltaba algo, unos problemas legales dificultaron su distribución y, hasta hace poco, ha sido difícil verla.
Con cincuenta  años de retraso  la crítica la coloca, en algunas clasificaciones, entre las diez mejores películas de la historia. ¿Dónde estarán  los críticos  de antaño? Silencio sepulcral, nunca mejor dicho.
Se escuchan nítidamente las campanas y las ideas de Shakespeare sobre  la amistad,  el honor,  la fidelidad y el sentido de  Estado, hoy conceptos  totalmente en desuso.
La película se rodó  prácticamente en España, concretamente en Catalañazor y alrededores. Varias ciudades se disputan la localización del hayedo donde se rodó una de las escenas más emblemáticas de la película.
  Por una casualidad al mismo  tiempo y en las proximidades se rodaba Doctor Zhivago. Cuenta la leyenda que en alguna ocasión y después de alguna confraternización gastronómica y alcohólica,  ambos equipos se dedicaron al envejecimiento del decorado principal. También   cuenta  la leyenda que este era un boceto del propio Welles, lo mismo que el vestuario principal. Todo esto debido a que el caballo blanco iba sobrecargado   como también, según  cuenta la leyenda, el resto del vestuario y atrezzo provenían de los rodajes de El Cid y La caída del Imperio Romano.

Esta penuria provocó un sistema de rodaje que Welles utilizó en otras películas: secuencias en las que parte de los protagonistas están de espaldas a la cámara. Al no poder contar con los actores, los sustituía por figurantes para no interrumpir el rodaje ya que nunca podía contar con todos al mismo tiempo.
En este sentido es muy conocida la anécdota de que por falta de recursos y para un película Shakesperiana tuvo que contratar actores escoceses. Podemos imaginarnos una película andaluza con actores gallegos. Un desastre.
Pero Welles hacía de estos problemas virtud. Para la batalla de Campanadas a medianoche apenas contó con algo más de un centenar de figurantes y sin embargo ha pasado a la historia del cine como una de las batallas mejor rodadas. Solo como anécdota, Fernando Fernán Gómez  había rodado en La venganza de Don Mendo, el mismo efecto unos años antes en plan bufo: unos escasos figurantes pasando una y otra vez delante de la cámara pero sin querer engañar a nadie.
La base literaria de la película son varias obras teatrales de William Shakespeare que durante treinta años Welles refundió y utilizó en obras teatrales, monólogos,  performances etc. Todo ello culminaría en Campanadas a medianoche que, por cierto, es un extracto de una cita de la obra, aquella que comienza "La de cosas que hemos visto".
El compositor recibió como pago, al no haber cash, los derechos de la banda sonora.
Y los intérpretes: muchos y muy buenos actores españoles en el reparto. De los Shakesperianos  resaltar a John Gielgud, el Rey. Siempre se ha dicho que el número uno era Lawrence Olivier. Para mí, no. Al inefable Kenneth Brannagh y su alegre muchachada, ni los nombro.
Queda Wells/Falstaff. No hay separación posible, a lo largo del tiempo Orson fue creando un personaje y un físico a su medida. Estaría orgulloso  de su logro. Para él,  esta fue su mejor película. 
P.D. Orson  Welles  fue un enamorado de España. Por deseo propio sus restos están enterrados en la finca de un torero amigo suyo. Grande, enorme, entre los más grandes.