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viernes, 30 de diciembre de 2016

POR UN PUÑADO DE DÓLARES (Per un pugno di dolari 1964)

Yo diría que es una película señera, aunque lo políticamente correcto sería decir de culto. En realidad son tres películas: Por un puñado de dólares (1964 Per un pugno di dollari), La muerte tenía un precio (1965 Per cualche dollaro in piú) y El bueno, el feo y el malo (1966 Il buono, il brutto, il cattivo). Sin la primera no hubieran existido las otras pero el éxito de taquilla propició la continuidad.
La madre de los westerns hechos en Europa, antes había habido algunas abuelas francamente olvidables, surgió del innovador Sergio Leone que no salió de la nada. Con poco recorrido como director se había curtido en películas de serie B italianas, pero también fue director de la 2ª Unidad en películas americanas de gran presupuesto rodadas en Europa: Quo Vadis, Helena de Troya, Ben Hur, Sodoma y Gomorra... Una gran experiencia y decidió devolver la pelota a los americanos, si ellos rodaban películas de romanos el dirigiría en Europa películas de indios.
Para por Un puñado de dolares eligió un truco que antes había funcionado en Los siete magníficos, fusilar una película del japonés Akira Kurosawa. El truco salió bien a medias, acabó en los juzgados y hubo que indemnizar a Kurosawa cuya película se titulaba Yojimbo.
Leone tenía la formula y contrató a un actor poco conocido entonces, Clint Eastwood, curtido en los westerns de la Televisión americana. Lo caracterizó con un poncho, un sombrero, un puro (al parecer Eastwood no fumaba) y una parquedad de vocabulario atronadora. Estas características las mantendría durante todo el ciclo. Claro que es el nexo entre él, porque mejoró en presupuesto, y los actores hispanos del reparto original perfectamente reconocibles fueron sustituidos por actores americanos de más alto caché. Eastwood prolongaría el arquetipo de su personaje en algunos westerns sin relación con la trilogía que lo hizo famoso, un toque aquí, una pose allá... 


                                    FREELANCE

El otro nexo es el compositor Ennio Morricone que con silbidos, punteo de guitarras, campanas de muerte, trompetas, coros e incluso el sonido de los disparos fue creador de un tipo de banda sonora que identificó a todo un subgénero.
https://youtu.be/u9s9V_aV0VY


El equipo de Leone, ya sin Eastwood, rodó una cuarta película Hasta que llegó su hora (1968 C'era una volta in West) con un reparto plagado de estrellas y rodada en exteriores en España, Estado Unidos y Méjico e interiores en Italia. Remataría su breve carrera como director con una obra maestra Érase una vez en América (1984 Once Upon a Time in America) esta ya rodada en Estados Unidos e interiores en Italia, como devolución de visita. Un digno final para una carrera corta como director pero que creó un estilo y dignificó un subgénero. Morricone y Eastwood prolongarían el éxtasis en varias películas y temas más, pero ya no era lo mismo. Loor a la Trilogía.
PD. Quizás como homenaje Tarantino rueda una película en 2019 que también comienza como comienzan todos los cuentos: Erase una vez...en Hollywood.


lunes, 12 de diciembre de 2016

MARY POPPINS (1964)

Mary Poppins es una película típica de una época de los Estudios Disney. Los Estudios Disney comenzaron casi con el cine con unos modestísimos cortos de animación hasta que dieron con un personaje emblemático que los catapultó a la fama: Mickey Mouse. A partir de ahí ha habido multitud de cambios: cosas, empresas, personas y avatares. Ha habido fusiones y absorciones: Miramax y Pixar entre otras, personas: Steve Jobs entre otros, creación de canales de Televisión, diversificación del negocio: los parques de atracciones...Poco queda de la idea inicial que ya comenzó a evolucionar en 1950 con su primera producción que no eran dibujos animados: La isla del tesoro. Disney no abandonó la animación: Blancanieves, La dama y el vagabundo, La bella durmiente, 101 dálmatas, etc.
Un paso más fue Mary Poppins, una mezcla de personajes reales y animación. La productora llevaba años de duras negociaciones con la autora australiana P.L.Travers (es un seudónimo) que había creado el personaje de cuentos infantiles y al final llegaron a un acuerdo. Travers obtuvo ciertas cautelas y estuvo encima del rodaje pero no quedó satisfecha por la inclusión de la animación y el limado de aristas del personaje de la niñera que no era, en su obra, tan edulcorado. Al parecer también intervino en la extraña relación entre el personaje del deshollinador y la niñera. La cuestión se planteó cuando la empresa quiso adquirir los derechos de otros relatos para futuras películas y la Travers se negó categóricamente. Parte de esta historia se cuenta en la película Al encuentro de Mister Banks (2013) en la que Tom Hanks es Walt Disney y Emma Thompson la Travers. También aparecen  los compositores, hermanos Sherman, y otros personajes del entorno de la película.
La película acabó teniendo todas las características de la marca Disney: Una película blanca para toda la familia, los momentos mágicos son positivos y luminosos, los personajes son empáticos y alegres con alguna excepción que se caricaturiza, el mensaje es optimista...
                                      FAMILIAR
La película fue un éxito. Su música pertenece al acervo musical de toda una generación; canciones como Con un poco de azúcar..., Chim, Chim, Cheri..., Supercalifragilistico espiralidoso, o algo así, son la banda sonora de una época. Pertenecen a los hermanos Sherman que musicaron muchas de las películas de Disney.
El director Robert Stevenson está ligado a muchas de las películas del Estudio: La bruja novata, Mi amigo el fantasma, Ahí va ese bolido, etc.
                                       MAGIA
Queda el reparto. Julie Andrews es gran parte del éxito de la película aunque fue doblada en las canciones. Debutaba en el cine y luego remató la faena con Sonrisas y lágrimas otra niñera, para Hitchcock Cortina rasgada, para su marido Blake Edwards La semilla del tamarindo.
El es Dick Van Dyke un producto de la Televisión que ya se había dejado ver en Un beso para Birdie. Después de Mary Poppins donde interpreta dos personajes dispares, intentó repetir el sortilegio en Chitty Chitty Bang Bang, pero este, junto con Julie Andrews se había perdido por el camino. Ha vuelto con mucha asiduidad a la Televisión donde ademas de muchas intervenciones como estrella invitada, ha tenido una serie propia como médico/detective, que es una combinación muy cinematográfica.
Para sentirse joven:
https://www.youtube.com/watch?v=paW9Inml4a0
https://www.youtube.com/watch?v=UsYOuZ01lMg
P.D. Si alguien está interesado, el resto de los relatos de P.L.Travers sobre Mary Poppins están en Internet. Algunos relatos están en inglés.

sábado, 12 de noviembre de 2016

LA COSTILLA DE ADÁN (Adam´s Rib 1949)


El título que se barajó durante el rodaje fue Man and Wife, sin embargo creo que el juego de palabras en español, traducido del inglés, por una vez es bastante acertado.

El director fue George Cukor, uno de los buenos y del que siempre se ha dicho que era el favorito de las actrices. Cukor tuvo una larga carrera que comenzó en 1930 y que aparte de su participación en el rodaje de Lo que el viento se llevó, tiene títulos tan recordados como Historias de Filadelfia o Luz que agoniza. A nivel popular su película insignia siempre será My Fair Lady.
Gran parte del mérito de la película son los diálogos escritos por sus guionistas Ruth Gordon y Garson Kanin. Eran dos cineastas y lo digo porque el matrimonio, que lo era, eran también actores. Ella aparece, entre muchas, en el reparto maléfico de  La semilla del diablo. El dirigió varias películas y también fue actor. De la película salió una serie de Televisión y Gordon/Kanin  escribieron alguno de los capítulos.


                                      TRIÁNGULO

Katherine Hepburn no lo tuvo fácil, era más alta, más inteligente que la mayoría y muy independiente, todo ello se llevaba mal en aquellos tiempos. Su unión con Tracy reavivó sus problemas que ya había tenido con John Ford, otro macho-alfa católico durante el rodaje de María Estuardo o María, Reina de Escocia.
Spencer Tracy hizo de todo en el cine, desde sacerdote hasta westerns pasando por político corrupto. Su unión sentimental con Katherine Hepburn siendo católico le supuso muchos problemas a ambos a nivel personal.
De esta unión o sinergia o feeling salieron nada menos que nueve películas incluida la que ahora nos ocupa y que culminarían en el tiempo con Adivina quien viene esta noche, que Tracy apenas pudo terminar.
El resto del reparto es una caja de sorpresas. Comenzando por Tom Ewell que aquí es el marido adultero del juicio. Era un actor de reparto muy eficaz. Fue el afortunado vecino de abajo en La tentación vive arriba. En esta película alcanzó la inmortalidad por el hecho de aparecer en los fotogramas de Marilyn Monroe y su vestido blanco en el respiradero del Metro. Una escena icónica donde las haya.


                        QUE MALO ERA BILLY WILDER

La esposa engañada, que defiende a su familia con las armas en la mano y muy mala puntería, Judy Holliday, fue una actriz cómica con un repertorio muy peculiar que falleció prematuramente. Su momento cumbre Un cadillac de oro macizo.
La otra fue Jean Hagen en su primer papel en el cine. Alcanzaría su gloria particular interpretando a la actriz/cantante con voz de falsete de Cantando bajo la lluvia. Luego se dedicaría a las series de televisión.
Y hablando de series de televisión, David Wayne apareció prácticamente en todas, y en muchas, gracias a su talento musical . Aquí, es el vecino-pelmazo pianista.
Queda Hope Emerson la mujer forzuda testigo de la Hepburn. Tenía un físico imponente y esto limitó su repertorio. Aparece en un papel a su medida en Caravana de mujeres.
El compositor de la película, Miklós Rósza es también el de películas muy afamadas: El Cid, Rey de Reyes, Ben Hur...¿Alguien es capaz de recordar el tema principal de la banda sonora de alguna de ellas? Supongo que no, pero sin embargo muchos aficionados pueden tararear Mi dulce Amanda: Sic transit gloria mundi o algo así.
Resumiendo una película sobre la guerra de sexos escrita por una pareja de guionistas que eran matrimonio. Sabían de lo que escribían. Todo se resume en una frase: Vive la difference!
P.D. No he encontrado traducción al inglés de los términos Pocholin y Pocholina. Evidente la mayor riqueza del idioma español.

sábado, 29 de octubre de 2016

LA VENTANA INDISCRETA (Rear Window, 1954)

Alfred Hitchcock tenía fama de mirón o dicho más finamente en francés de voyeur. Si fuese cierto, esta sería su película favorita: un inválido temporal con un potente visor y un patio de vecindad al alcance, durante el tedioso tiempo que durase su invalidez. Es el argumento de La ventana indiscreta. Está basado en un relato corto de Cornell Woolrich novelista americano que en ocasiones firmaba como William Irish.
Lo de corto no era nuevo para Hitchcock: otra de sus películas más famosas, Los pájaros, también está tomada de un relato corto y basada en uno de los trucos mas utilizados por el maestro, un McGuffin, un desencadenante que no se explica. Volviendo a Woolrich, era un favorito de los lectores del género thriller y acabó siendo de los aficionados al noir. Cineastas franceses y americanos se encargaron de que así fuese, llevando a la pantalla sus relatos tanto en cine como en televisión. Además de la que nos ocupa, entre las más conocidas, La sirena del Mississippi, La novia vestía de negro, Mil ojos tiene la noche, etc. El noir a ambos lados del Atlántico le debe mucho.
Hitchcock en La ventana, fue a lo seguro, un reparto breve pero de confianza. James Stewart, un habitual del director: Vértigo, La soga, El hombre que sabía demasiado y La ventana indiscreta. Hitchcock saca lo mejor de él. Lo mismo hace con el personaje de Grace Kelly que es obra de D. Alfred, no está en el relato original, pero pocas veces la han fotografiado mejor. El vestuario suyo es Edith Head. Sabida es la debilidad del director por las rubias, cómo no iba a haber una de bandera. 


   Dos debilidades de Hitchcock
        
La otra variante sobre el original: en la película el personaje masculino del sirviente de Stewart que Hitchcock convierte en femenino, Thelma Ritter seguramente la mejor gruñona de la historia de Hollywood. Otro acierto en la cuenta de Hitchcock. Menos importante en aquel momento el actor que interpreta el papel del malo, Raymond Burr, pero con el tiempo se convirtió en el protagonista de dos de las series de televisión mas vistas del canal único Perry Mason habitualmente un abogado de causas criminales perdidas e Ironside un detective parapléjico. Posiblemente su popularidad se debió a la falta de competencia.


                              De la nada a lo inolvidable

El final tampoco es el del relato, que no desvelo por si alguien tiene interés en leerlo.
La película tiene un cierto aire cálido y romántico del que carece el relato, totalmente frío e impersonal.
También sale Hitchcok donde tampoco desvelo para que sus fans lo encuentren. Según él lo hacia para ahorrar en extras.
El compositor es Frank Waxman que también colaboró con Hitchcock en Rebeca, Sospecha y El proceso Paradine, aunque su compositor favorito era Bernard Herrman.
Como es natural ha sido remakeada, además de repetidas series de televisión. Quizás la versión más conocida es La ventana de enfrente (1998) en la que el papel de James Stewart lo interpretó Christopher Reeve (Superman) afectado por una tetraplejía debido a una caída de caballo.

martes, 11 de octubre de 2016

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS (Seven Brides for Seven Brothers 1954)


Amable, creo que es la palabra que mejor define Siete novias para siete hermanos. Los canales de televisión suelen emitirla en la fiestas navideñas en horarios familiares: la vuelven a ver los mayores y los mas jóvenes, incluidos los que no les gustan las películas musicales. Es una de las cumbres del musical americano, en el que los números musicales no están insertados, sino que forman parte del devenir de la acción. Intrínsecamente reúne las mejores características del género: la música, el baile, el reparto, el vestuario, el colorido, en resumen y como dijo un critico "un homenaje a la alegría de vivir". Está basada en un libro de Stephen Vincent Benet titulado "The Sobbin Women" que a su vez se inspira en una leyenda que fue Trending Topic en la Antigüedad sobre el rapto de las Sabinas por los Romanos.
                                INOLVIDABLE

Poco que decir del director Stanley Donen del que ya hablamos en la entrada de Charada. Junto a Gene Kelly hizo varios de los mejores títulos del musical: Cantando bajo la lluvia, Un día en Nueva York y Siempre hace buen tiempo. Cuando pasó la época dorada del musical, realizó comedias inolvidables, la ya citada Charada, Volverás a mi donde descubrió la vena histriónica de Yul Brynner, Página en blanco donde hizo lo que pudo con Robert Mitchum, Arabesco...
Aquí el reparto lo encabeza un habitual de los musicales Howard Keel que, con una agradable voz de barítono y una planta envidiable, había triunfado en Magnolia y en La fierecilla domada, basada en una obra de Shakespeare. Ella es Jane Powell otra habitual del género, cantaba, bailaba y tenía una presencia agradable. El más pequeño de los hermanos es Russ Tamblyn; su aspecto juvenil es habitual desde entonces hasta hoy (Aparece en Django desencadenado 2012) en noventa películas, pero su cumbre fue, aprovechando sus condiciones de bailarín, West Side Story.



RUSS y JANE




                                                         RUSS en WEST

La trastienda de la película es muy importante. La coreografía, inolvidable, es de Michael Kidd coreógrafo, bailarín y actor. Aparece con sus tres habilidades en Siempre hace buen tiempo, pero seguramente pasará a la historia del musical por los bailables de Siete novias para siete hermanos.
Y un inmortal: Johnny Mercer, compositor, letrista y arreglista en más de ochocientas (800) películas. Algunas se siguen y se seguirán escuchando, lo que prueba la inmortalidad de un artista. ¿Quién no recuerda en Tener y no tener la canción de Lauren Bacall? o Las hojas muertas de la película del mismo titulo, o el Moon River de Desayuno con diamantes, o la banda sonora de Charada, o la parte de La pantera rosa que no es de Henry Mancini, ¿La carrera del siglo? Lo dicho, inmortal.

https://www.youtube.com/watch?v=MKJRGfYOHzE

https://www.youtube.com/watch?v=Q7SI7N22k_A
P.D. Se está rodando una secuela, que no remake, de Blade Runner. Es una de las películas futuristas con más admiradores. Hay que suponer que ese futuro ya ha llegado y hay que futurear más. Participan el director, no como tal, Ridley Scott y Harrison Ford.
P.D.2.-Ha fallecido Andrzej Wajda, para los aficionados mayores un director polaco rebelde, cuando ser rebelde era duro y se pagaba caro.

lunes, 3 de octubre de 2016

MOBY DICK (1956) y EN EL CORAZÓN DEL MAR (2015)

No sé jugar al póker, pero evidentemente nos encontramos ante un póker de ases: John Huston, Herman Melville, Ray Bradbury y Gregory Peck = Moby Dick.
La película tiene el sello de John Huston, un director muy personal que también fue guionista y actor como antes había sido boxeador (campeón), periodista, militar y un largo etc. Con un claro antecedente cinematográfico -su padre, Walter Huston, era un gran actor- John se inclinó finalmente por el cine y su debut fue glorioso: El halcón maltés. Él y Humphrey Bogart cogieron impulso que se prolongaría en otras películas. 
Ponemos en su haber como director El tesoro de Sierra Madre, La jungla de asfalto, La Reina de África, Vidas rebeldes, El hombre que pudo reinar, etc. Intervino como actor en algunas películas sobre todo en el último tramo de su vida.
Herman Melville, el autor de la novela original, es otro as. Como otros autores de la época,  Jack London y Joseph Conrad por ejemplo, tuvo una vida aventurera que luego plasmó en su obra. Durante algún tiempo trabajó en un ballenero y posiblemente allí oyó hablar del episodio del cachalote que embistió al ballenero Essex y luego noveló en Moby Dick y el ballenero Pequod. Son personajes suyos también llevados repetidamente al cine y la televisión Billy Budd  y Bartleby.
Casi no haría falta hablar del tercer as, Ray Bradbury el guionista. Precisar que, aunque normalmente se le encasilla en la Ciencia Ficción por su conocida obra Crónicas Marcianas, fue más bien un poeta en prosa al que el cine le debe entre otras muchas Farenheit 451. Estaba en posesión de todos los premios de literatura fantástica y Ciencia Ficción.
Y Gregory Peck, un actor capaz de hacer creíbles al abogado integérrimo de Matar a un ruiseñor, al tenorio de Vacaciones en Roma, al científico de Arabesco, al pistolero de Duelo al sol, al capitán Hornblower de El hidalgo de los mares... Y una curiosidad: en una de las versiones para Televisión de Moby Dick interpretó el personaje del predicador que en la película interpretaba Orson Welles.
                Gregory Peck/ Capitán Ahab

Podríamos hablar de un repóker puesto que en la película también está Orson Welles en uno de esos breves personajes que ocasionalmente hacía para otros directores y con cuya remuneración sobrevivía hasta la próxima. En esta ocasión es el Predicador que al principio sermonea a los pescadores desde un púlpito/mascarón de proa. Tampoco sé inglés: daría un autógrafo de Almodóvar por hablarlo y entenderlo, y por poder apreciar en su versión original y la voz de Welles, su parlamento tonante.
https://www.youtube.com/watch?v=SxVD9wOpe3Y  con un poco de paciencia.
En el corazón del mar el director trata el mismo episodio del cachalote contra el ballenero Essex que al parecer sí ocurrió, desde otro punto de vista. Es tan correcto y emocionante como un capítulo del National Geographic.
Yo sigo fiel a la máxima de John Ford: Imprime la leyenda.
P.D. Están remakeando Solo ante el peligro. Son insaciables.


martes, 20 de septiembre de 2016

CAMPANADAS A MEDIANOCHE (Chimes at Midnigth 1965)

Esta entrada no es aconsejable para hippies, yuppies, frikis, hipsters... Está escrita para amantes del Cine y del Teatro del grado 33. Porque vamos a tratar de una película, Campanadas a medianoche, perseguida por la mala suerte. Orson Welles como director era indiscutible, el British Film Institute lo escogió como el mejor director de la historia del cine, pero el cine es una industria y ahí patinaba bastante: sus películas cara a la taquilla dejaban mucho que desear y los productores no querían arriesgar su dinero con él.  Al igual que a los hermanos Marx, le costó encontrar un caballo blanco, cosa que finalmente sucedió en España. Una vez rodada la película, lo peor estaba por venir: blanco y negro, de época, una cultura y unos personajes extraños que hablaban de una forma extraña y una crítica  que la puso a los pies de los caballos. Un desastre. Por si faltaba algo, unos problemas legales dificultaron su distribución y, hasta hace poco, ha sido difícil verla.
Con cincuenta  años de retraso  la crítica la coloca, en algunas clasificaciones, entre las diez mejores películas de la historia. ¿Dónde estarán  los críticos  de antaño? Silencio sepulcral, nunca mejor dicho.
Se escuchan nítidamente las campanas y las ideas de Shakespeare sobre  la amistad,  el honor,  la fidelidad y el sentido de  Estado, hoy conceptos  totalmente en desuso.
La película se rodó  prácticamente en España, concretamente en Catalañazor y alrededores. Varias ciudades se disputan la localización del hayedo donde se rodó una de las escenas más emblemáticas de la película.
  Por una casualidad al mismo  tiempo y en las proximidades se rodaba Doctor Zhivago. Cuenta la leyenda que en alguna ocasión y después de alguna confraternización gastronómica y alcohólica,  ambos equipos se dedicaron al envejecimiento del decorado principal. También   cuenta  la leyenda que este era un boceto del propio Welles, lo mismo que el vestuario principal. Todo esto debido a que el caballo blanco iba sobrecargado   como también, según  cuenta la leyenda, el resto del vestuario y atrezzo provenían de los rodajes de El Cid y La caída del Imperio Romano.

Esta penuria provocó un sistema de rodaje que Welles utilizó en otras películas: secuencias en las que parte de los protagonistas están de espaldas a la cámara. Al no poder contar con los actores, los sustituía por figurantes para no interrumpir el rodaje ya que nunca podía contar con todos al mismo tiempo.
En este sentido es muy conocida la anécdota de que por falta de recursos y para un película Shakesperiana tuvo que contratar actores escoceses. Podemos imaginarnos una película andaluza con actores gallegos. Un desastre.
Pero Welles hacía de estos problemas virtud. Para la batalla de Campanadas a medianoche apenas contó con algo más de un centenar de figurantes y sin embargo ha pasado a la historia del cine como una de las batallas mejor rodadas. Solo como anécdota, Fernando Fernán Gómez  había rodado en La venganza de Don Mendo, el mismo efecto unos años antes en plan bufo: unos escasos figurantes pasando una y otra vez delante de la cámara pero sin querer engañar a nadie.
La base literaria de la película son varias obras teatrales de William Shakespeare que durante treinta años Welles refundió y utilizó en obras teatrales, monólogos,  performances etc. Todo ello culminaría en Campanadas a medianoche que, por cierto, es un extracto de una cita de la obra, aquella que comienza "La de cosas que hemos visto".
El compositor recibió como pago, al no haber cash, los derechos de la banda sonora.
Y los intérpretes: muchos y muy buenos actores españoles en el reparto. De los Shakesperianos  resaltar a John Gielgud, el Rey. Siempre se ha dicho que el número uno era Lawrence Olivier. Para mí, no. Al inefable Kenneth Brannagh y su alegre muchachada, ni los nombro.
Queda Wells/Falstaff. No hay separación posible, a lo largo del tiempo Orson fue creando un personaje y un físico a su medida. Estaría orgulloso  de su logro. Para él,  esta fue su mejor película. 
P.D. Orson  Welles  fue un enamorado de España. Por deseo propio sus restos están enterrados en la finca de un torero amigo suyo. Grande, enorme, entre los más grandes.   

jueves, 1 de septiembre de 2016

CHARADA (Charade 1963)

Charada según el Diccionario de la Real Academia Española : Pasatiempo consistente en adivinar una palabra a partir de alguna pista. Pues eso, un pasatiempo, pero realizado por un gran director: Stanley Donen. Quizás a muchos lectores no les suene el nombre, pero Stanley Donen tuvo un comienzo fulgurante en la dirección, muchas veces con Gene Kelly, con títulos como Un día en Nueva York, Cantando bajo la lluvia, Siete novias para siete hermanos, Siempre hace buen tiempo... No está mal para un principiante. Donen era un buen tipo, mejor director y un innovador. Y había sido antes bailarín...
Y cuando paso la fiebre del musical, excelentes comedias que aún hoy se pueden ver con agrado: Indiscreta, Volverás a mí, Página en blanco, Charada, Arabesco (un experimento), Dos en la carretera y algunas otras menos memorables. Cinco películas Stanley Donen- Cary Grant que eran amigos legales. Entre ambos comenzaron a fabricar un truhán / un señor: seductor, elegante, algo misterioso que culminaría en el personaje de Grant en Charada. Audrey Hepburn aceptable actriz, andrógina, frágil, con unos ojos icónicos que Dios le dio y capaz de ponerse cualquier cosa que saliera de la, en aquellos tiempos, mítica alta costura francesa, en esta ocasión Givenchy.
                                El mayor y la menor
Stanley Donen fue acusado en la época de estar muy influido por el cine de Alfred Hitchcock; el tiempo pone las cosas en su sitio y está claro que tenía un estilo propio y un sentido del humor diferente al de Don Alfredo,  que también lo tenía. Quizás el asunto vendría por algunas colaboraciones del actor y el director, ambos británicos, en varias películas de temática romántica con toques de thriller, o al revés. 
El resto del reparto inmejorable, George Kennedy en uno de los dos tipos de personaje que le hicieron famoso, James Coburn de vaquero urbano y el excelente Walther Mathau, un actor curtido en la televisión, aquí antes de formar pareja estable con Jack Lemmon.
Y la música: el mejor Henry Mancini en su mejor época. Mancini declaró posteriormente que había escrito el tema en una hora de trabajo.
https://www.youtube.com/watch?v=NZ1ANlvn3rs

La  France, Oh,là, là!.
P.D. .- Charada fue remakeada con el título de La verdad sobre Charlie y, por decirlo suavemente, fue sobreseída por el público.

P.D.2.-Ha muerto R2-D2, en el siglo Kenny Baker. Con él se va una parte, pequeña, de la juventud de muchos aficionados. Supongo que lo enterrarán con su uniforma de trabajo ¡Que menos! No se si lloran los droides, caso de que así sea, C-3PO estará a estas horas hecho una chatarra herrumbrosa esperando encontrarse con él de nuevo en el Infinito que es donde van a parar los droides buenos. 

jueves, 28 de julio de 2016

UN CEMENTERIO INMORTAL

Hace ahora cincuenta años se rodaba en España El bueno, el feo y el malo, un western europeo dirigido por Sergio Leone. Para los aficionados al género, es una buena película con un final impactante: un duelo a tres de los protagonistas. Impactante el duelo y la escenografía, un cementerio militar. Los buenos aficionados se acuerdan de la escena, pero ha habido un grupo de westerners y amigos que, después de cincuenta años, han querido reconstruir el cementerio. Bien por ellos. Han constituido una sociedad con el nombre del cementerio, Sad Hill y están en ello. El sitio, el mismo del rodaje, es un páramo en la provincia de Burgos y cerca de Santo Domingo de Silos. Se trata de reconstruir el escenario en el mismo lugar y con la mayor propiedad posible. Inmediatamente de que se ha tenido noticia, multitud de aficionados - la mayor parte no habían nacido cuando se rodó la escena- se han sumado al proyecto. El proyecto se ha diversificado, se aceptan aportaciones e incluso existe la posibilidad de tener tumba propia nominal en el cementerio. El marketing va que vuela y ya hay proyectos de celebrar varias bodas y un funeral ; hay quien quiere que sus cenizas vayan a parar allí. Una locura de lo que comenzó como un proyecto ilusionado de unos amigos.




En realidad queda poco del equipo artístico  inicial: el feo, Eli Wallach, salió vivo del duelo pero al parecer murió tiroteado en El Padrino. Dicen los que están in situ que en ocasiones se escucha su risa socarrona. De el malo, Lee Van Cleef,  los habituales dicen que verlo no, pero que el olor del tabaco de su cachimba sí que se percibe. Y queda el único vivo, el bueno Clint Eastwood; por su edad ya no puede aparecer con su brioso caballo alazán, pero a veces va por allí en un Cadillac Rosa o en un Gran Torino.
El que no se ha separado de allí es el director, Sergio Leone, que a pesar de lo que crean algunos no ha muerto. Ese es un privilegio que tienen los genios, el permanecer siempre vivos. Para él, el compositor Ennio Morricone puntea la guitarra, los de atrezzo ponen sonidos de disparos, los coros afinan: viene el Jefe.
Queda una cuestión: dicen algunos privilegiados que algunas noches, sobre todo cuando hay tormenta, se ven jinetes en el cielo.

https://www.youtube.com/watch?v=OVAp258IPBY  
o
https://www.youtube.com/watch?v=j2klh2cTa_Q

P.D. Me entero a posteriori que Eastwood no fumaba y que a Cleef costaba verlo sobrio.

martes, 12 de julio de 2016

LOS SIETE MAGNÍFICOS (The magnificent seven 1960)


No son una mayoría los seguidores de esta lista aficionados al western pero también tienen su corazoncito. Con estas características, Los siete magníficos son una cita de libro.
Gozan del favor del público como se demuestra en sus secuelas declaradas: La ida de los siete...,La vuelta de los siete..., Los siete... se quedan a medio camino, etc. y, no es broma, un Siete magníficos...espacial. Las secuelas son, en general, malas y algunas peores. Además hay multitud de películas que copian el tema, la música, el color, los personajes se han repartido por multitud de westerns y sobre todo spaguetti-westerns. En fin que creó todo un subgénero.
El origen de Los siete magníficos está en una película japonesa anterior del maestro Akira Kurosawa titulada Los siete samuráis. Transcurre unos años antes en una sociedad rural, la acción es igual y el resultado también. Quizás el que vea y compare notará que en la película japonesa los samuráis están más definidos que los magníficos: cada uno representa un vicio o un valor  de forma mas nítida.
Su director, John Sturges, estaba por encima del termino medio de su profesión. Rodaba películas lineales de argumento, sin elipsis ni recovecos, bien contadas y con mucho oficio. No es raro que se encontrara cómodo con el western: Duelo de titanes, El último tren de Gun Hill, La hora de las pistolas... Pero probablemente, junto con Los siete... su película mas conocida es La gran evasión, para cuyo reparto contaría con parte de los magníficos.
La mayor cantera de actores de reparto que devendrían en protagonistas están en esta película: Steve McQueen, James Coburn, Charles Bronson, Horst Bucholtz, Robert Vaughn, Eli Wallach...Creo que solo perdió el tren Lee van Cleef que se equivocó y tomó el de Solo ante el peligro, aunque lo cogería mas adelante, en una de las secuelas. 
Por su parte el protagonista, Yul Brynner, ruso de nacimiento ya llevaba varios protagonistas propiciados por su look  exótico: El rey y yo, Los diez mandamientos, Los hermanos Karamazov, Volverás a mí, Salomon y la Reina de Saba... y como es natural, varios westerns más.
                                         Magníficos

Otro de los aspectos resaltables de Los siete magníficos es su música que se hizo tan popular que la adoptó una marca de cigarrillos para su publicidad:

https://www.youtube.com/watch?v=XeDZO2Wk8Rc

 Decir el nombre del autor de este famoso tema, Elmer Bernstein, es nombrar a un prolífico compositor y director de bandas sonorasBernstein esta detrás de la música de otras doscientas cincuenta películas, entre ellas: el resto de la saga, muchas series de televisión, y una gran variedad de películas de todos los temas.
Claro que Ennio Morricone compuso para quinientas veinte. Morricone era el compositor de Sergio Leone: sus características composiciones con rasgueos de guitarra, campanas, coros masivos etc. en la serie de westerns de Clint Eastwood: Por un puñado de dolares, La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo y un largo etcétera hicieron la competencia muy dura.
P.D. Me temo que también han remakeado a Los siete magníficos: mi reino por un buen guionista, malditos bastardos.

jueves, 23 de junio de 2016

EL QUINTETO DE LA MUERTE (The Ladykillers 1955 )

Dada la buena acogida de la entrada La escapada, volvemos al cine europeo. Antes una pequeña anotación no habitual; los Estudios Ealing eran unos estudios muy pequeños en Inglaterra casi como una cooperativa o una empresa de amiguetes. En lenguaje de hoy diríamos que producían películas low cost pero con mucho talento. Su máxima, reflejar con autenticidad la sociedad inglesa pero poniéndola en valor. El culmen de esta labor y su paradigma es El quinteto de la muerte. Una mezcla de la comedia negra tirando a macabra, una exhibición del humour inglés, un compendio de saber hacer y aprovechar unos medios escasos para un resultado excelente.
De lo dicho anteriormente lo tiene todo, comenzando por el bajo presupuesto y el gran talento. Las viejecitas son como las hemos imaginado siempre: impolutas, con un sombrerito con flores y sus gatos, pájaros, gardenias o lo que se tercie, defensoras de los animales. Y el omnipresente té.


                   England made me.

Los policemen orondos, serviciales y con bigotes y silbatos. Los gangsters: el clásico ex-militar británico que no quiere ensangrentarse las manos; un peso pesado sonado que es un pedazo de pan; Herbert Lom un asesino nato que ya comenzaba con sus tics y, que muchas películas mas adelante, sería el comisario del Inspector Clousseau, aquí Peter Sellers un delincuente de poca monta. Y Alec Guinnes, el hombre de las mil caras, en esta ocasión la mente pensante. Guinnes tenía una gran habilidad para las caracterizaciones y en algunas películas para la Ealing interpretó varios papeles al mismo tiempo como en la original Ocho sentencias de muerte.


                   Inglaterra, Arabia, las Galaxias...
La música, clásica, no molesta.
El guión es de William Rose, guionista habitual de Hollywood.
Tanto talento junto, necesita una aglutinante, el director Alexander Mackendrick del que estoy convencido que la mayoría de los lectores no había oído hablar nunca. Nacido en Estados Unidos pero de ascendencia escocesa dirigió una obra breve pero intensa. En total doce películas de las cuales todas son buenas y algunas muy buenas. La mejor, sin duda, Chantaje en Broadway que contiene ademas las mejores interpretaciones de sus carreras de Burt Lancaster y Tony Curtis. Lo cierto es que aparte de sus méritos la mas conocida sigue siendo El quinteto. Yo, desde mi vertiente de pediatra, me inclino por Viento en las velas y Sammy, huida hacia el sur. Contienen el mejor paso de la infancia a la adolescencia que yo he visto en le cine sin el obligado punto de inflexión a la vida sexual: son para todos los públicos. Spielberg lo intentaría a su vez en El Imperio del sol, que no voy a comentar.
Los cadáveres repartidos por toda Inglaterra en El quinteto  de la muerte, detalle macabro donde los haya, supongo que  inspirarían a Hitchcok  con una escena similar en una de sus películas rodadas en Londres. Hitchcock era un genio, pero también solía aprovechar detalles de otras películas, en ocasiones suyas. Canibalizar, lo llaman, cuando se trata de genios.
P.D. La película El quinteto de la muerte, todo un clásico y que aparece en todas las listas, ha sido remakeada hace unos años, con el titulo de The Ladykillers por los hermanos Coen con el gancho de Tom Hanks. Los aprecio mucho a todos, tampoco voy a comentarla.

martes, 31 de mayo de 2016

EL GUATEQUE (The Party 1968)

El Guateque es un alarde de buen hacer cinematográfico. No se puede decir que en conjunto sea una gran película, pero si es una buena comedia. Si fuera teatro, sería un entremés.
 Para los aficionados jóvenes, que seguramente no la han visto, la apertura de la película no es un gag , es un homenaje al final de una gran película del cine colonialista, mea culpa, que se titula Gunga Din. El mérito de la escena, que abunda en la filmografía de Blake Edwards, es repetirlo hasta el limite tolerable y antes de que se haga insoportable, cortarlo. El truco lo repite Edwards en la escena de la premura de Sellers para ir al lavabo, el papel higiénico... 
Inevitable encontrar una fiesta en las películas de Edwards, en las que suele introducir un animal, gato, tigre, pantera lo que sea, superandose esta vez con un elefante. Elefante a la moda de esos tiempos que era la cultura hippy, todo el mundo es bueno, haz el amor y no la guerra, paz en todos los formatos...También son típicos del cine de Edwards los camareros enrollados.

                             LOS PROTAGONISTAS
Según la leyenda, el guión obra del propio Edwards, apenas constaba de unas decenas de folios. El resto del metraje fue surgiendo según se rodaba. Todo comedia con un final falso, optimista, posiblemente de acuerdo con el estado de animo de Edwards en esos tiempos.
El mérito de Edwards lo comparte con Peter Sellers. Juntos habían compartido La pantera rosa, se conocían, se compenetraban y, al parecer según la leyenda, se odiaban. Pero la maestría de Edwards para la comedia conectaba bien con la versatilidad de Sellers que aquí interpreta a un hindú con el apoyo de un poco de maquillaje y, lo que en la cursilería rampante, se denomina ahora expresión corporal. Sellers rodó varias películas interpretando, al mismo tiempo, varios personajes: Un golpe de gracia, ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscu, Casino Royale, Camas blandas, batallas duras, El estrafalario prisionero de Zenda, El diabólico plan del Dr. Fu-Man-Chu. Era pues un experto en camaleonizaciones personales y en imposturas.
La pareja de Sellers en la película es la actriz francesa Claudine Longet. Tiene una doble carrera, aún trabaja, la cinematográfica casi exclusivamente en telefilms y la de cantante. Aquí si que es mas conocida y ha tenido mas éxito seguramente por su matrimonio con el singer/dinosaurio Andy Williams, un crooner importante en su época dorada a la altura de los mejores.

https://www.youtube.com/watch?v=NFLPu591sSk

Y Henry Mancini. Mancini, un músico italoamericano que comenzó en la orquesta de Benny Goodman , clarinetista, y siguió en la de Glenn Miller, trombonista y compositor. Dos grandes solistas que tuvieron orquestas propias big band, en aquellos tiempos se llevaba, y les imprimieron un estilo propio que las hizo muy populares. Luego coincidió con Blake Edwards y de ahí, a la eternidad.
P.D. Mancini había escrito en 1962 la música de la película Hatari
con un tema también dedicado al elefante que se hizo muy famoso y todavía hoy se escucha como fondo de diversos productos: El pequeño elefante 

https://www.youtube.com/watch?v=qiZ39D5CZhw

domingo, 22 de mayo de 2016

LA PANTERA ROSA (Adenda)


Cuando algún libro, película, etc. es considerado por algún critico como de culto, no hay que hacer mucho caso. En primer lugar hay que saber dónde ha obtenido esta persona el título de crítico. Luego hay que considerar el objeto considerado de culto: es posible que se trate de algo plúmbeo, ininteligible y que no haya visto casi nadie. A mí me ha ocurrido lo contrario con la entrada de La pantera rosa en este modesto blog. Han pasado semanas y sigue teniendo muchas entradas. La película es de 1963 y por lo tanto ha superado la prueba del tiempo, hay una generación de por medio. Posiblemente, diga la crítica lo que quiera, esta es una película de culto. ¿Hay muchos lectores capaces de nombrar alguna película de la movida que es coetánea? Y si lo son ¿serían capaces de volver a verla entera?
                              Aplausos para los espectadores

Dedicada a estos amables lectores va esta entrada con una referencia: Existe un pack de cinco CDs de la Metro Goldwyn Mayer con cinco películas de la serie, algunas infumables, pero con un pequeño tesoro: los extras. El aficionado encontrará tomas falsas, recopilaciones de Peter Sellers y sobre todo varias reveladoras entrevistas con el director Blake Edwards que explica muchas claves. Que lo disfrutéis.
P.D. Ha muerto hoy Cato, el sirviente karateca del inspector Clousseau. Era un santo.

lunes, 2 de mayo de 2016

LA ESCAPADA (Il sorpasso 1962)

Esta entrada no estaba prevista. En realidad se trata de un caso de oportunismo. Leyendo los diarios aparece constantemente la palabra sorpasso tratando con óptica política lo que parece un término deportivo. Quizás algún lector italiano nos lo desvele.

 Glorioso blanco y negro.

La película de marras, una buena película italiana de lo años sesenta, relata una escapada ocasional de los dos protagonistas en tono de comedia salvo el final que no desvelo. Vittorio Gassman, un gran actor de teatro italiano pasado al cine donde protagonizó más de ciento veinte películas entre ellas las que le lanzaron a la fama, Ana y Arroz amargo. Su último trabajo para el cine, ya fallecido, es como gran actor de teatro que era, recitar a Dante, en El infierno de Dante. Su papel en La escapada es un clásico en su filmografía, un vividor...
El otro interprete era un francés, Jean Louis Trintignant, al que sus rasgos juveniles le han dado larga vida cinematográfica y que será recordado, dentro de ella, por su interpretación de Un hombre y una mujer, en su momento una película icónica. Su papel en La escapada es el de un pardillo, variedad joven, que se ve arrastrado a la aventura por un experimentado Vitorio Gassman.
La película es una recreación del paisaje y el paisanaje italiano de la época, fiel, dirigida por un top del cine italiano Dino Risi. Risi fue también el director de Perfume de mujer (1974) con el mismo Vitorio Gassman que luego fue remakeada en Estados Unidos como Esencia de mujer (1992) con Al Pacino, que se marcó un tango memorable. Inolvidable también la música, es de un numero uno de la época Riz Ortolani. Su música en más de doscientas películas, aún llega a nosotros ya fallecido, a través de las últimas películas de Tarantino, gracias a la admiración que le profesa.
P.D. Para el que guste, hay un comentario in extenso de José Luis Garci a bote pronto, cuando se estrenó la película, en su libro Solo para mis ojos. A él le gustó. 







sábado, 23 de abril de 2016

E.T. El Extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial 1982)

Permíteme que te insista... con Steven Spielberg. El blog está dirigido a espectadores que han visto o pueden ver las películas que se comentan y, en este aspecto, Spielberg es un campeón, no en vano se ha ganado el sobrenombre de El rey Midas de Hollywood, película que hace se convierte en oro en la taquilla. Y no solo es la cuestión económica, ha ganado la mayor parte de los premios de cine. E.T. El Extraterrestre fue en su momento un fenómeno de masas. Pensada para un público infantil, este respondió de una forma masiva: no recuerdo niños de le época que no la vieran. Pero también atrajo a los adultos: un muñecajo a palo seco más bien repulsivo conquistó a los espectadores de toda edad.

Melissa Mathison era una habitual polivalente en los rodajes de Spielberg hasta que este le pidió que le escribiera un argumento con determinadas características. De ahí salió el guión de E.T. el extraterrestre en principio un cuento infantil y como tal fue lanzada. Pero... hay una segunda lectura: el argumento es la venida a la Tierra de un ser de otro mundo celestial que deja que los niños se acerquen a él, que obra prodigios, cura enfermos, resucita muertos, que constantemente evoca su origen, mi caaaasa, que es perseguido y que finalmente asciende al cielo. ¿A alguien le suena? Una pista: Está basado en uno de los libros mas leídos de todo los tiempos.
E.T., el personaje, es pura magia y el mago se llamaba Carlo Rambaldi. Era Rambaldi un mago italiano al que el cine de aquellos tiempos le debe mucho. Su magia está también en Encuentros en la tercera fase, Alien, King Kong 2, entre otras películas menos conocidas. La película que vemos hoy, no es exactamente la que vimos en su estreno. Al parecer, Spielberg modificó posteriormente en 2002 y por medios digitales algunas características de E.T.:Verdad. Lo cierto es que es muy dificil discriminar lo que es cierto de lo que propagan los diferente Gabinetes de Prensa de las productoras con el fin de atraer espectadores. En este sentido E.T. bate records. Que los ojos de E.T. están inspirados en los de Einstein: Leyenda. Que en determinadas secuencias hay actores de talla corta animando a E.T.: Verdad. Que todo está basado en la vida infantil de Spielberg: Leyenda. Que parte de la animación en la nueva versión es obra de la empresa de George Lucas; Verdad.
Los interpretes humanos (E.T. a veces lo parece) son, en los personajes infantiles, Henry Thomas con una carrera poco brillante sustentada en telefilmes y Drew Barrymore. Drew tiene un gran pedigrí que se remonta familiarmente a los principios del cine; generaciones de Barrymore han dejado una impronta muy importante en todo el cine y el teatro del siglo pasado. En cuanto a su propia carrera es muy prolífica y muy irregular y, en ocasiones, se ha visto afectada por su vida privada.
La música, como es habitual y es una suerte, es de John Williams el compositor de cabecera de Spielberg.


P.D.: Leo que la eliminación temprana de Alec Guinnes del papel de Obi-Wan-Kenobi en La Guerra de las Galaxias no estaba prevista en el devenir de la saga. Se produjo al parecer a petición de Guinnes porque estaba hasta los mismísimos asteroides de la vacuidad de su personaje. Las intenciones de la productora eran otras. Así se escribe la historia...del cine.

sábado, 9 de abril de 2016

TIBURÓN ( Jaws 1975)

Otra vez una película rompedora por muchos motivos. En el género catastrófico, subgénero monstruos marinos, hay un antes y un después de Tiburón. También la industria cinematográfica experimentó una nueva fuente de ingresos, el marketing que conduce al merchandising, que el propio Spielberg llevaría a la cumbre con Parque Jurásico y los dinosaurios. Ha habido toda una generación infantil de dynosauriers. Claro que hasta ahora es imbatible el record obtenido por Star Wars (1) la serie del dilecto amigo de Spielberg, George Lucas. Fue el punto de partida. A partir de Tiburón comenzó a funcionar el tandem Spielberg/Lucas. Spielberg sobre todo director a nuestros efectos Indiana Jones, Parque Jurásico, Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler... la mayoría éxitos y algún fracaso. Lucas también director pero menos, sobre todo escritor, productor y, lo que le ha dado su inmensa fortuna: encargado de la tramoya (Industrial Ligth & Magic) para sus películas y las de sus amigos. 
La industria cinematográfica languidecía victima de la Televisión. Con Tiburón comenzó a revitalizarse y también a recapitalizarse, en parte por el retorno del público a las salas y en parte por el auge del ya citado merchandising . Hubo una época previa en la que se decía que los locales de exhibición ganaban mas con la venta de palomitas que con las entradas.
Previo a esta edad de oro de de los efectos especiales, Tiburón, se rodó con unos trucos muy rudimentarios, era una película artesanal como correspondía a un principiante y como se puede apreciar en las fotos del rodaje. Se emplearon varios tiburones y el único verdadero destrozó la cabina de inmersión de las ultimas escenas.
                                 Tigre de papel
La idea de la película está tomada de un libro de escasas ventas, antes de la película, de Peter Benchley que había trabajado en National Geographic. Benchley escribió varios guiones para la película que no convencieron pero hizo méritos para aparecer en la filmación. Caso contrario el de Carl Gotlieb que hizo el guión definitivo y también logró aparecer en la pantalla. Spielberg también tuvo su minuto de gloria interpretando el clarinete en la la banda sonora.
El reparto, una vez descartado el dream team original, Robert Redford y Paul Newman, cumple bien. La tirantez previa al rodaje entre Roy Scheider, Richard Dreyfus y Robert Shaw se trasladó al rodaje y lo favoreció. El resto fue reclutado en la misma playa entre
los curiosos que asistían de mirones, su espontaneidad fue positiva.
Secuelas ,Tiburón 2, Tiburón 3, Tiburón contra... aún se siguen rodando, con variantes pero con tirón en taquilla para determinado tipo de aficionados al género.
La música, muy simple y muy efectiva, es de John Williams que escribió la partitura de la mayor parte de las películas de Spielberg. Como ocurrió en Encuentros en la Tercera Fase, una notas sin melodía dan la nota.
Tiburón fue un talismán para Spielberg que contó con Dreyfuss para Encuentros en la tercera fase y Always. También tituló una de sus películas Amistad: hay que suponer que en recuerdo de Amity. La película fue de las mas taquilleras en su época y para Spielberg de allí a la gloria y a la fama.
Curiosidad: El rodaje de las escenas de Amity se produjo en realidad en la localización de Martha's Vineyard de tanta importancia en el devenir de la política norteamericana.
(1) Se va a proyectar este año una precuela de las precuelas de Star Wars, el trailer está en las redes, ya rodada: A Star Wars Story, el robo de los planos de la Estrella de la Muerte. Hay que suponer que le seguirá el robo del micrófono de Darth Wader y la necesidad de usar uno defectuoso.

sábado, 26 de marzo de 2016

REBELDE SIN CAUSA (Rebel Without Cause 1955)

Rebelde sin causa fue, en su momento, una película mítica. Ha pasado el tiempo, mucho tiempo, y queda una muy buena película que ha perdido parte de su componente mítico. Parte del componente mítico se debía a su reparto: James Dean, que en realidad llego a la cima con solo tres películas y no era un gran actor, plasmó un prototipo del que desde su cazadora roja, sus gafas reflectantes, sus tejanos, su peinado, su indolencia impostada etc. se copió y veneró todo. En el lenguaje de hoy, diríamos que se hicieron virales. También contribuyó su muerte en accidente automovilístico después de acabar el rodaje y antes del estreno de Rebelde. Se cumplía así una de las máximas de la época que hizo suya: Vive deprisa, muere pronto y compondrás un bonito cadáver. Lo bordó. La intérprete femenina Natalie Wood que alcanzaría la inmortalidad con West Side Story falleció en otro oscuro accidente en un yate lleno de amigos. Sal Mineo, el otro actor, famoso por sus papeles aniñados de acuerdo con su físico, falleció en una oscura pelea en un aparcamiento nocturno. Por cierto Rebelde abriría la puerta de la eclosión de pandillas juveniles, cuchillos etc. Aunque es anterior a West Side Story, en la aparición de la pandilla subiendo al Planetario parecen escucharse compases y verse coreografía de esta.
                                Un mito del siglo pasado
Es la parte mítica de la película. Lo demás es obra del director Nicholas Ray. El guión es obra suya al parecer basado a su vez en la obra de un psiquiatra. En realidad la película está llena de síndromes clínicos expuestos de tal forma por Ray que son fácilmente reconocibles.Ya en la primera escena, en una filigrana cinematográfica, Ray presenta a los tres protagonistas en una misma secuencia e incluso, alguna vez, en un solo plano. Las familias, o lo que queda de ellas, también tienen una aparición temprana. Hoy se llamarían desestructuradas. En realidad todo el cine de Ray está lleno de este tipo de personajes.
Ray jugaba fuerte, siempre lo hizo excepto al final de su vida profesional en que cedió al diablo, Samuel Bronson, y dirigió en España Rey de Reyes y Cincuenta y cinco días en Pekín. Pero previamente había dirigido buenas películas y algunas muy buenas.
Por mencionar algunas En un lugar solitario en la que Humphrey Bogart interpreta a un trasunto del mismo Ray con el contrapunto de Gloria Grahame; Johnny Guitar un western atípico pero que hoy es una película de culto; Chicago año 30, más personajes típicos de Ray de difícil encaje: Robert Taylor y Cyd Charisse.
Al autor de la música no lo conozco.


martes, 1 de marzo de 2016

LOS PROFESIONALES (The Professionals 1966)

Hoy, un western, o mejor dicho un subgénero llamado western crepuscular. No es nada que conlleve demérito es solo la forma de denominar al western clásico cuando se cuentan sus años finales: han aparecido las ametralladoras, el telégrafo, los automóviles, los trenes llegan a su hora... Un momento triste para los que han vivido los tiempos difíciles, para ellos no llegan los tiempos modernos sino el final de su modo de vida de siempre. El paradigma de este subgénero es Duelo en la alta sierra o también podría serlo Grupo salvaje ambas de Sam Peckimpah.
Los profesionales es una película típica de este género. A cuatro especialistas en diversas habilidades se les ofrece un trabajo peligroso de acuerdo con ellas. No tienen nada que perder y es su último tren. Está basado en una novela de un tal O'Rourke que más parece el nombre de un personaje de Ford.
El resto es mérito del director Richard Brooks, posiblemente el director americano de Hollywood más culto. Suyas son: La última vez que vi París, de Scott Fitzgerald, Los hermanos Karamazov de Dostoyewski, La gata sobre el tejado de zinc y
Dulce pájaro de juventud ambas de Tennesse Williams, El fuego y la palabra de Sinclair Lewis, Lord Jim de Joseph Conrad y A sangre fría, de Truman Capote.
La película, aparte de otros méritos, está llena de citas memorables: graffitis de Viva Villa cuando Villa= Revolución. Frases P.¿Qué revolución? R. Solo hay una, siempre la misma. El problema es saber quiénes son los buenos y quiénes los malos. A la pregunta de qué tal es el personaje de Claudia Cardinale: Una mujer capaz de hacer de un niño un hombre y de un hombre un niño.

                          Los profesionales y un jarrón

El reparto es magnífico. El personaje de Lee Marvin respira autoridad, Burt Lancaster y Jack Palance se lo pasan como niños con sus papeles de aventureros, Robert Ryan y Woody Strode son el contrapunto: Taciturnos y silentes, Claudia Cardinale como jarrón chino.
El autor de la música es un grande: Maurice Jarre, Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago, Mad Max la cúpula del trueno, El hombre que pudo reinar...
Spoiler: Los profesionales acaban con el corasón partío. Al fin y al cabo, Raza=Revolución.

lunes, 22 de febrero de 2016

LA PANTERA ROSA (1963 The Pink Panther)


La Pantera rosa es una de mis películas favoritas. Cierto que ha envejecido un poco pero sigue siendo una buena película porque es el compendio del cine de humor que se hacía en aquellas fechas. 

Es la afortunada conjunción planetaria cósmica de dos personalidades irrepetibles: el director Blake Edwards y el actor Peter Sellers. Edwards ponía al día la clásica comedia de los primeros tiempos: carreras, golpes, malentendidos, puertas de pasillo que se abren y se cierran... Todo con fundamento. Miembro de una familia de cineastas, su padre dirigió películas de cine mudo, Edwards vivió muchos rodajes, participó en otros muchos como actor sin nombre y sin parlamentos, escribió muchos guiones y después de este rodaje cinematográfico comenzó a dirigir para la televisión. Tuvo pues, una escuela formidable. Su camino como director a pesar de proceder de los thrillers de la televisión está marcado por la comedia. Fue un maestro del tempo. En los gags, que en el lenguaje del cine hace mención de los chistes cortos, hay que sostener el que tiene gracia, pero sin pasarse. Edwards lo bordaba. Como ejemplo valga una de las escenas finales: la persecución automovilística alrededor de la fuente que el mismo había visto rodar siendo joven.
Sellers era un actor ingles procedente de esa gran fábrica que fue la Ealing: ya lo entrevemos en El quinteto de la muerte.  De ahí para arriba hasta que se encuentra con Edwards en una película, La pantera rosa, en cuyo reparto no figuraba al principio y en la que la cabecera de cartel eran David Niven, Claudia Cardinale y Capucine. Capucine no era actriz, era Top Model (*). Cardinale no era una gran actriz y Niven ponía su eterna imagen de gentleman y poco mas. Sellers llegó a interpretar en una misma película, Telefono Rojo, varios personajes como había hecho Alec Guinness en Ocho sentencias de muerte.
Surge la conjunción Edwards/Sellers y resulta el inspector Clouseau, que es una revelación, se come a la pantera rosa y al resto del reparto y aparece un mito rentable cinematográficamente: secuelas hasta decir basta. Edwards/Sellers no piensan que es casual y en medio ruedan otra desternillante película ajena al tema: El Guateque. Aquí la maestría de Edwards en el uso del tempo llega al máximo.
Ambos forzados por el tema económico rodaron varias secuelas pero, ya no era lo mismo.
La música es un punto y aparte. Henry Mancini compuso el famoso tema de La pantera rosa, pero también está en todas las películas de Edwards y por supuesto en las de la serie. Aunque también compuso para otros directores, el culmen de este simbiosis entre ambos está en el tema Moon River de la película Desayuno con diamantes.
(*) Posiblemente, Edwards la eligió para lucir los trajes de Yves Saint-Laurent que compraba con el magro sueldo de su marido, el inspector Clouseau. A Audrey Hepburn en Desayuno... la vistió Givenchy.
P.D. La marca de fabrica de Edwards en sus comedias está en el
rodaje de una fiesta o mas. Sucede también en La pantera rosa pero el record lo tiene con El Guateque en el que la fiesta ocupa toda la película. 
ADDENDA: Ha fallecido George Kennedy un grande en el cine y la televisión, casi doscientas películas.

miércoles, 10 de febrero de 2016

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939 Gone with the Wind)

La película de las películas. Aunque han pasado setenta años de su estreno, en el imaginario colectivo sigue siendo todo un hito de popularidad. Conforme con que no es la mejor película de la historia del cine, que ni siquiera está entre las primeras, pero ahí está, pasado todo este tiempo y su frecuente reposición en televisión no hace mas que aumentar el numero de seguidores. 
En conjunto queda como una gran leyenda formada por multitud de pequeñas leyendas. Es muy difícil con el paso de los años descubrir cuál de todas las leyendas es verdad: la mayoría de los protagonistas ya no existe.
Para empezar la obra base: el libro (todo un tocho) del mismo título Lo que el viento se llevó de la autora sureña residente en Atlanta Margaret Mitchell publicado en 1937. Lo interesante del caso es 
que la Mitchell, que era periodista, solo escribió ese libro que ganó el Premio Pulitzer de ese año. Es el mismo caso de otra autora sureña que acaba de fallecer, Harper Lee, que nada mas escribió un libro: Matar a un ruiseñor, que también recibió el Pulitzer de 1961 y se convirtió en una otra gran película. Para más coincidencia ambas de ambiente sureño. Comienza la leyenda, Margaret Mitchell falleció en las calles de Atlanta atropellada por un vehículo público, escena similar a la que le ocurre a la protagonista de la película.
Compró los derechos el productor David O`Selznick que estuvo dos años rumiando y poniendo en marcha diversos factores de la película y, ya empieza la leyenda, rodando partes de ella. Porque otra de las leyendas de la película es la presencia, no en lo créditos, de varios directores. Entre los más famosos, Sam Wood, George Cukor y Victor Fleming que fue el que al final, firmó la película. La leyenda dice que el productor O`Selznick en el interregno entre la firma de los derechos y el comienzo del rodaje, también filmó, eligió decorados, influyó en el reparto etc. Gran parte de la película lleva el sello de O`Selznick.
Otra de las leyendas es el reparto. Poco discusión en el papel de Clark Gable que prácticamente fue por aclamación, aunque no era el primero de los candidatos. Para el de Escarlata si que hubo problema: fueron probadas más de mil aspirantes entre ellas la mayor parte de las actrices de Hollywod ya consagradas.
                              MAGNOLIA DE ACERO
Finalmente por deseo de O`Selznick recayó en la poco conocida en aquellos momentos Vivien Leigh, nacida en la India y que tuvo que
usar una acento sureño. De aquí a la eternidad. Escarlata es una auténtica magnolia de acero a la que se opone en el reparto Olivia de Havilland, buena actriz, pero en la película ella y Leslie Howard parecen soft a su lado. Digo en la película porque el libro no he tenido pundonor para leerlo.
Del resto del extensísimo  reparto, Thomas Mitchell un secundario que normalmente le roba las escenas a los protagonistas, Ward Bond representándose a sí mismo y el doble de Clark Gable, y el mejor especialista que ha habido, Yakima Canutt que sobrevivió a ciento ochenta peligrosas películas en su haber.
Como película grandiosa, tiene varias escenas colosalistas, como el plano impactante de la estación de ferrocarril de Atlanta hecho con unos cuantos figurantes y mucho ingenio. O a celebérrima destrucción de la misma Atlanta que se rodó a costa de hacer arder los decorados de King Kong (1933).
Nada que ver la versión poco menos que idílica de la esclavitud que nos ofrece la película con la mas realista, un pelín cargada, de
Django desencadenado o la de los caballeros del Ku Kux Klan.
La música es del compositor austriaco Max Steiner que está de una forma u otra en la banda sonora de cuatrocientas películas, entre ellas King Kong (1933), Casablanca y Centauros del desierto. Aparte de su amistad con O'Selznick era toda una garantía para una superproducción.