LAURA (1944)

Mi primer contacto con el tema de Laura fue hace cincuenta años con mi llegada a la Universidad de Salamanca. Asistí, dando codazos, a un concierto de jazz en el Aula donde Fray Luis de León había pronunciado, siglos antes, su célebre: Decíamos ayer... Una experiencia mística. Ocurre aquí el caso contrario de la anterior entrada, La colina del adiós. Aquí lo que perdura es la película, en blanco y negro, poco presupuesto, protagonistas no taquilleros.. Aunque es difícil encasillarla, oscila entre el cine negro, el thriller, el drama romántico... La mayoría, y yo con ellos, nos inclinamos por el noir. La autora de la novela es la estadounidense Vera Caspary. Su obra más famosa es Laura, pero escribió muchas novelas, cuentos cortos, guiones de cine etc. Su filiación política hizo que utilizara un seudónimo. El director fue Otto Preminger otro de los emigrados centroeuropeos (austrohúngaro en concreto) que hizo fortuna en los Estados Unidos. Laura fue prácticamente su tarjeta de presentación, pero luego vendrían Río sin retorno, Carmen Jones, El hombre del brazo de oro, Anatomía de un asesinato, Éxodo... un buen director, que en Laura empleó un estilo de iluminación directamente traído de Europa. Uno de los platos fuertes de la película es el reparto. Gene Tierney tenía un nosequé indefinible(oxímoron a tope) que, como decía alguien, enamoraba a los hombres pero las mujeres la adoraban.

 








Dana Andrews estaba condicionado por su físico (la mayoría de los actores lo están con la excepción quizás del versátil John Malkovich). Tenía en aspecto de honrado, hombre de orden, honesto etc. Característicamente su peinado aparecía como recién hecho aún en las escenas de acción. (1)

El tercero en discordia es Clifton Webb que, cualquiera lo diría comenzó como bailarín, pero en Laura, su papel es el de Lidecker, se come al resto del reparto. La cuarta pata la compone, y bien, Vincent Price lejos aún de su 

                                   VINCENT PRICE
CLIFTON WEBB
superespecialización en películas de terror: faltaban casi veinte años para El péndulo de la muerte. Y no quiero olvidarme de Judith Anderson que se había revelado en su debut como la Sra. Danvers en Rebeca porque algún avispado lector me lo recordaría. El autor del tema central es David Raksin que está en los créditos de más de cien películas y series de televisión. El letrista, en este caso importante, es Johnny Mercer que firma las letras de más de setecientas (700) películas.
 Laura es para sentirla con la luz apagada y la lluvia repiqueteando en la ventana y un café en la mano. A mi modesto entender.
(1) Azorín, escritor y ocasionalmente crítico cinematográfico dijo de Gary Cooper: Tiene cara de labrador honrado. https://www.youtube.com/watch?v=vIdleI2SwPc

LA ESCOPETA NACIONAL (1978)

                           LA ESCOPETA NACIONAL

Atiendo una sugerencia, y lo hago con satisfacción por llevar un tiempo desatendiendo a este sector, el cine español. Y encima es una película que me gusta y representativa de un cierto cine. Su director, Luis García Berlanga, con una obra no demasiado extensa, alcanzó éxito de público y critica que culminó con El verdugo (1963). Después de años de sortear la censura a base de virtuosismo, simbolismos y mil trucos, con el cambio de esta encontró un estilo propio cerca del llamado cine fallero (Berlanga era y se sentía valenciano). Dio rienda, casi suelta, al erotismo (nunca pornografía) que hicieron de él un erotómano conocido a nivel mundial. De hecho dirigió el jurado de un premio literario titulado La sonrisa vertical. Se puede apreciar en La escopeta nacional que esta facultad no la adquirió a humo de pajas. La otra característica que exhibiría en sus películas es la habilidad para las

películas corales sin protagonista definido. Esto pudo hacerlo porque, como John Ford, reunió un elenco  propio de actores que

le acompañaban hasta su fallecimiento (el de los actores). Esto es importante porque según se decía les daba una gran libertad de improvisación, lo que unido al micrófono libre ofrecía una naturalidad inusual.

Con esta introducción Berlanga nos ofrece un relato verídico con una envoltura de farsa (dislate decía el director) . In illo tempore las cacerías de altos vuelos servían de todo, hasta para cazar. Era vox populi que eran punto de encuentro entre personajes y aspirantes a serlo.(1) O sea entre el conseguidor y los solicitantes: todos corruptos, como dice el célebre dicho, tan corrupto es el que da como el que toma. Por personalizar en alguien, escojo al organizador del evento: el marqués de Leguineche o dicho de otra forma Luis Escobar también marqués en la vida real. Berlanga lo cogió ya mayor y en torno a el vertebró la película que luego completaría, dado el éxito, con Patrimonio Nacional (1981) y Nacional III (1982). Junto a el,  Jose Luis López Vázquez como su rijoso y sexo adicto hijo. Luis Ciges, camarada de armas de Berlanga, es el lacayo rural y trujimán del hijo. José Sazatornil en una de sus mejores interpretaciones es el típico industrial catalán emprendedor con su secretaria/arreglo. Amparo Soler Leal como la esposa batalladora del hijo. Y un personaje entrañable, el de Agustín González que lo bordaba: un cura trabucaire que, en aquellos tiempos, solía estar adscrito a las grandes familias nobiliarias de rancio abolengo. Y Antonio Ferrandis, y Rafael Alonso, y Chus Lampreave, y Mónica Randal, y ...

Casi todos siguieron a Berlanga en las sucesivas entregas y hubo otras incorporaciones mas o menos afortunadas.

El guión, como de costumbre, está firmado por Berlanga y su colaborados habitual Rafael Azcona.

"La no inclusión de la música permite comprender y entender con más claridad a estos personajes"; Luis Deltell en una monografía de la Universidad Complutense. ¿Que no habíais echado en falta la música?

(1) Estas trapacerías, y posiblemente la corrupción al más alto nivel, se han trasladado en la actualidad a los palcos de los grandes equipos de fútbol. De las monterías apenas se habla, salvo que aparezca algún juez coincidiendo con algún político y sean pillados.

ANÉCDOTA: Tenía la costumbre Berlanga de introducir, con razón o sin ella, en sus películas la frase el Imperio Austrohúngaro
como una especie de patente, y en esta también lo hace; algo similar a lo que hacía Hitchcock apareciendo en un momento u otro en alguna secuencia de sus películas.

LA COLINA DEL ADIÓS (1955 Love is a Many-Splendored Thing)

La colina del adiós fue en su momento una película de éxito: un melodrama pasional con mucho amor y, en aquellos momentos, interracial. Hollywood apostó por ella: una gran producción a todo color, escenarios, paisajes, una cabecera de reparto impecable,un director Henry King con más de cien películas rodadas, un fotógrafo reconocido, Lyeon Shamroy, y un guión que se prestaba a lucimiento.

                              Paisaje desde la colina

El libro en que se basa la película lo firma Han Suyin, que como recordará quien haya visto la película es el nombre de la protagonista, en realidad un seudónimo literario. Hay pues que concederle un cierto grado de relato autobiográfíco. Se basa en el periodo de la guerra de Corea y el romance entre un periodista occidental y una doctora asiática. Apasionado (el romance). No cuento más.

Es una película hecha para el gran público: mucho amor, lacrimógena, visualmente muy atractiva, y que tuvo mucho éxito.

Los intérpretes principales, el resto del reparto flojea un poco,son William Holden y Jennifer Jones. Holden es un valor seguro en la cumbre de su filmografía que abarca El crepúsculo de los dioses,

Traidor en el infierno, Sabrina (un punto negro, un error de reparto), Picnic, su confirmación como star internacional, con Kim Novack, El puente sobre el río Kwai, y que culmina (aunque no acaba) con Grupo salvaje.

Jennifer Jones se reveló en La canción de Bernadette (preguntadle a los papás), triunfó en Duelo al sol (otro amor racial prohibido) y

otras películas de calidad pero menor relumbrón. Aquí como en Duelo interpreta al personaje exótico. 

Lo que mejor aguanta el paso del tiempo es el tema central de la banda sonora y que lleva el mismo titulo que el original de la película El amor es algo maravilloso. El autor es Alfred Newman, que está en los créditos de mas de doscientas películas, algunas tan conocidas como La tentación vive arriba, El Rey y yo, South Pacific, La túnica sagrada o El prisionero de Zenda. El tema ha llegado hasta nosotros porque lo incorporaron a su repertorio los mejores crooners de la época y fue un fijo para las grandes formaciones orquestales que, como los dinosaurios, se extinguieron. La versión mas popular sigue siendo la de Ray Connif. El amor es algo maravilloso es para escucharla a pleno sol y a toda pastilla. Sigue escuchándose mientras que la película en si, con el incordio de no coincidir el titulo español con el de la canción es solo para los muy  afortunados que la gozaron en su momento. Se sigue dejando ver y es un ejemplo de lo que hacían los grandes estudios cuando no invertían en efectos especiales.

https://www.youtube.com/watch?v=UiPaSc0QDr4

SKYFALL (2012)

Una debilidad:  he visto Skyfall, aprovechando su pase por televisión. Atendiendo a los pequeños detalles que hacen apreciable la película, los hay en abundancia, homenajeando otras películas: El tercer hombre, El Padrino, la series Indiana Jones, Swarzenegger, Stallones, Sin perdón, ...pero lo que mas relevancia tiene, para los que admiramos los primeros episodios de Bond que protagonizaba Sean Connery son los homenajes a estos tiempos. Por descontado cualquier alusión a Ian Fleming se ha borrado y ya no es John Barry el compositor aunque sus acordes originales sí suenan en las escenas finales de la película. También se homenajea, con todo merecimiento, a los automóviles Aston Martin que Bond ha destrozado a lo largo de sus películas. El protagonista actual ve impasible todo hasta que le tocan al Aston Martin. Todos los fans de los primeros tiempos sabíamos el truco de las ametralladoras del coche, el malo, no.

El reparto ha cambiado; la habitual Judi Dench, gran actriz cede en directo su papel habitual de M, de forma traumática a Ralph Fiennes otro gran actor; se pierde también a uno de los habituales Q personajes de película no de novela, que fabrica los gadgets que utiliza 007,  Lewellyn, Reese etc. por un joven Hippy o Hipster  o como se diga ahora, en todo caso posmoderno. En todo caso los gadgets escasean, sustituidos por la cibernética y algunos efectos especiales (otro de los puntos fuertes de la serie) dejan que desear. La también habitual y otoñal Monneypenny es ahora una actriz joven de color. Los tres parece que vienen  para quedarse, al menos figuran en el reparto de Spectre. Como secundario, es Kincaid el guardián de la casa solariega, actúa un gran Albert Finney en otra época un valor del free cinema inglés.

El director es Sam Mendes que también dirigió  Camino a la perdición y ha dirigido la siguiente de 007 Spectre 

En fin la película es entretenida, pero para mí, lo mejor es la parte reseñada, que posiblemente el publico joven que no ha podido ver

la primera parte de la serie, no pueda captar. Gracias Sam por tocarla otra vez.

P.D.: He echado en falta a la la emblemática chica-bond. Una lástima.

VIAJE ALUCINANTE ( Fantastic Voyage 1966)

Esta es una entrada entrañable para los aficionados a la Ciencia Ficción. Digo entrañable porque la película es nada menos que de

1966 cuando el género estaba por florecer con la llegada de efectos especiales, digitales etc.

Como es poco conocida, aunque naturalmente está en Internet, hago un pequeño resumen. Ante un accidente cerebro-vascular de un desertor, persona valiosa, y dados los limitados  medios de la época, hablamos de hace cincuenta años, se decide intervenirlo con un equipo científico miniaturizado así como los medios que los trasportan. La película consiste en el viaje del equipo con su nave ¨Proteus" a través del organismo, vasos, órganos, organismos, etc. hasta alcanzar el problema. El ingenio es abundante y la recreación, antes de los medios digitales, muy imaginativa hasta alcanzar un Óscar.

                                  Efectos Especiales

 El mérito se debe al director, Richard Fleischer , por encima del término medio del gremio. Fleischer había dirigido previamente "20.000 leguas de viaje submarino", una de las grandes obras de Julio Verne con la nave Nautilus. Aquí viene otra de las facetas de la película: como autores figuran en los créditos un desconocido Klement y un poco habitual Bixby relacionado con el cine fantástico. En la época hubo confusionismo por atribuirsela al muy conocido Isaac Asimov ganador de todos los premios que hay de Ciencia Ficción. El error viene por haberle encargado los propietarios de los derechos a Asimov que la novelara, cosa que hizo. El problema fue que la novela se publicó antes de que se estrenara la película, de ahí la confusión. Por cierto, Asimov no quedó contento y la volvió a escribir (Viaje alucinante II).

La protagonista era Raquel Welch, una actriz  que llegó al estrellato por su físico: Su apodo El cuerpo (The Body).Viaje alucinante le venía al pelo, un imaginativo atuendo ajustadísimo y una actuación limitadísima. 

                                
                                    Welch alucinante  

El protagonista es Stephen Boyd que pasará a la Historia del cine por interpretar al Mesala de Ben Hur. Actor especializado en papeles de duro y con poca cintura y aptitudes para otros géneros.

Chiste malo: Body/Boyd.

El resto del reparto es mejor sin esforzarse.

La música es de Leonard Rosenman un habitual de las series de Television, aunque también es el compositor de Rebelde sin causa y Al este del edén.

LEYENDA: Según se ha sabido la muerte de Asimov, uno de los escritores mas prolíficos (antes polígrafos) leídos y respetados de la Ciencia Ficción, fue debida al SIDA. Dado el carácter peyorativo de la enfermedad no se hizo publico en su momento. Lo cierto es que lo contrajo por una transfusión que le hicieron durante una intervención quirúrgica cuando aún no había medios para detectar la infección. Una lástima, sus lectores hemos perdido un maestro en varios géneros, muchas horas de inolvidables lecturas.

MAUREEN O'HARA

Innisfree está de luto. Maureen O'Hara ha muerto, según la leyenda, escuchando la banda sonora de "El hombre tranquilo". Ford, John Ford, la inmortalizó haciendo de ella el paradigma de la mujer celta: ojos verdes, pelirroja y brava, muy brava. Ni una palabra más, ni falta que hace.
La posada Jamaica.
¡Qué verde era mi valle!

Esta tierra es mía.

De ilusión también se vive.

Río Grande.

El hombre tranquilo.

Cuna de héroes.

Escrito bajo el sol.

Tu a Boston y yo a California.

Hasta sesenta y cinco...
He visto, que no lo había hecho antes, Tripoli. Parafraseando un antiguo dicho sobre la Selección Española ( Casillas y diez mas ) comentar : Maureen O'Hara y unos cuantos mas. El productor juega con la cabeza de cartel (John Payne y Maureen O'Hara) por si alguien se confunde, pero quia.

DJANGO DESENCADENADO (Django Unchained 2012)

¡Tarantino desatado! Django es un habitual de la memoria colectiva de los que vivimos en la época de los 60. En esa época se rodaron varias películas hispano-italianas (Spaghetti-Westerns) con ese personaje, e indudablemente a Tarantino le impactaron. Tanto es así que Franco Nero protagonizó la que dio nombre a la serie y Quentin lo homenajea con un cameo en esta película. También aparece en los créditos de la película un agradecimiento a Sergio Corbucci, el director. La música de fondo de la película es mayoritariamente de Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo; Por un puñado de dólares, Hasta que llegó su hora y...doscientas películas más). Su fraseo de guitarra y sus trompetas al límite se han hecho habituales en el género. Cristoph Waltz, que fue una revelación como alemán malo en Malditos bastardos del mismo Tarantino, reaparece aquí como alemán bueno y ya esta en la cabecera de los créditos de Spectre la próxima película de James Bond. Todo un carrerón.

                               EL DIABLO Y WALTZ Pero lo que caracteriza al cine de Tarantino,  ante su público es la herencia de su numen Sam Peckinpah: El rodaje de escenas con cámara lenta/sanguinolenta. Cualquier día veremos en el Guiness el tiroteo del salón de la plantación esclavista. Claro que en esta escena Django juega con ventaja: sus disparos atraviesan a sus enemigos, mata a dos de ellos de un solo disparo, la sangre hace de protagonista, mientras los proyectiles de sus enemigos se empotran en los cuerpos tras los que se protege.  A mi modo de ver, Tarantino, que también escribe sus argumentos y guiones, dirige en tres planos: uno para su público y sus fans que son muchísimos, otro para la crítica y enteradillos y el tercero para sí mismo, ahora que puede permitírselo (como la payasada del Ku- Klux-Klan y el resto de metraje antiesclavista, nada sutil por cierto). El mérito está en ensamblarlos a los tres. Tarantino como director, también tiene afición a hacer apariciones como actor, como algún  otro director que todos sabemos, y es un autodidacta. Es sabido que su primera juventud transcurrió en un videoclub donde pudo ver las veces que quiso el material que le gustaba. Otro de esta escuela, no tan polarizado es Spielberg. A los dos se les nota en sus películas: continuos cambios de estilo y referencias y guiños a otras películas. Coppola también estuvo mucho tiempo en cama siendo muy joven por una polio y le dio por ver películas. Django de Tarantino es una película del Sur con formato de western. El plácido y feliz Sur queda desmontado en esta cinta más que en cualquier otra pese a que lo que sobresalga no sea este ensayo, que al director le sale del alma, sino la vena espectacular del western. La honradez de Tarantino se manifiesta en los créditos de la película que parecen, de larga, la guía de teléfonos agradecimientos a: Sergio Corbucci (el del primitivo Django), Sergio Leone (el maestro) Eugenio Martin (un director español de spaghetti-westerns entre otras cosas), Anthony Mann (probablemente después de John Ford el mejor director de westerns), Robert Rodrigues (su cuate) etc. Aparte de los numerosos actores retro que tienen un personaje en la película: Samuel L. Jackson, Don Jhonson, Don Stroud, Russ Tamblyn, Robert Carradine, Bruce Dern, etc.  P.D. Tras su rostro aniñado y su gestualidad infantiloide, Quentin Tarantino tiene un coeficiente intelectual de 160, que ya quisiera yo para mí. Por cierto, está en marcha su última película, hasta el momento de escribir estas palabras, Los odiosos ocho, ambientada en la época y el  ambiente de Django. Repiten sus actores favoritos. ADENDA:  Según la prensa, la industria, perdón, el negocio cinematográfico, va a volver a rodar: Los siete magníficos. El hombre que mató a Liberty Valance Grupo salvaje. Ojalá vuelva el hombre que mató a Liberty Valance, reúna a los siete magníficos y liquide al grupo salvaje de peseteros.

LOS PUENTES DE MADISON (The Bridges of Madison County 1995)

 Fue una gran sorpresa. Creo que nadie esperaba esta película, en la doble faceta de director y actor, de la mano del prototipo de los directores y actores duros: Clint Eastwood. Verdaderamente sus antecedentes como el paradigma de los espaguetis/western y la serie de Harry el Sucio no hacían prever esta evolución.Y encima le sale una buena película refrendada por la crítica y el público: ¿Quién no la ha visto?.

                                                                    El BUENO

                                                                       EL FEO

                                    EL MALO
Está basada en la novela del mismo título del escritor estadounidense Robert James Waller. Es una historia real, (Francesca y Robert existieron) que fue contada por los hijos, que aparecen en la película, al autor del libro que la noveló. Eastwood sigue la parte gráfica de la novela y mediante sugerencias la discursiva. Waller es sobre todo un intelectual, un universitario entre cuyas habilidades figuran escribir y fotografiar.
Eastwod como director elije el sistema de los flash backs para explicarnos los antecedentes que llevan al final. El método es bueno cuando está bien utilizado, como ocurre aquí. Eastwood poco a poco nos va contando una historia de amor, efímera en el tiempo, pero duradera en la eternidad. El argumento no se debe revelar pues al estar contada por este método reventaríamos el final. Un final, por cierto, que constituye toda una lección de suspense que podrían figurar entre las mejores de este género. La película tiene algunos planos muy rebuscados, pero no artificiosos. Encontrar el porqué de ellos es un placer cinematográfico.
El género es el de llorar, también llamado melodrama. Fue habitual hace unos años con el cine en auge y la televisión en pañales. De llorar quiere decir de personas y sentimientos. El espectador buscaba espectáculos que le tocaran la fibra sensible y salía de las salas llorando a gusto. Perdón, me estaba secando una lágrima.
La película tiene en realidad dos intérpretes: Clint Eatswood en una faceta no habitual en él, sensible pero firme y con un atisbo de ternura que volveríamos a vislumbrar en Millon Dolar Baby. Ella es una buena actriz, Meryl Streep, con fama de ser una de las mejores lloronas de Hollywood. Los dos hacen creíble esta historia de amor, minimalista pero intensa.
Para mí,mejor la película que la novela.
P.D. De la película: Solo tengo una cosa que decir, una sola. Nunca volveré a decírsela a nadie.
Adenda: sólo para gente muy joven.
En el siglo pasado hubo una parte de la critica que dada la filosofía de sus personajes: pistolero con sarape y poncho, policía violento, duro y justiciero por cuenta propia, sargento de hierro, etc.  no tardaron en encasillar a Clint Eastwood como fascista. Han pasado los años y los directores, sus películas y Clint son ahora de culto. ¿Alguien ha oído un mea culpa ? Un respeto.

ATRACO A LAS TRES (BIS) CORAZONES DE ACERO

No quisiera que este modesto blog se convirtiera en un obituario, pero ha fallecido la última persona que quedaba viva del gran equipo del atraco. Nos habían dejado ese espléndido portero (aunque usara unas lentes especiales multifocales) que era Jose Orjas. Nos dejó una de las mejores defensa-escoba del mejor cine español, Gracita Morales. Y dos defensas muy buenos, uno, Alfredo Landa un chico que prometía y el otro Cassen que estaba de vuelta de todo. Como organizador en el medio campo distribuyendo juego, el director José María Forqué: ¡Qué bien que lo hacía! Claro que tenía a un lado a Agustín Gonzalez, uno de los mejores buenos/malos de nuestro cine. Al otro lado Manuel Aleixandre polivalente con garantías. Delante un peso pesado José Luis López Vázquez y a su lado, la recientemente fallecida Katia Loritz. Katia jugaba en su lugar natural: la delantera. Años después llegaría el destape pero aquí solo hacía de señora estupenda y López Vázquez le rendía homenaje en representación del patio de butacas: Un amigo, un admirador, un esclavo, un siervo.

PD: He visto recientemente una película que no tiene sitio en Cine Clasicón: Corazones de acero, pero no quiero dejar de señalar varios detalles. Aunque he leído algunas criticas con comentario abstrusos sobre la tripulación creo que el protagonista es el tanque

incluso la versión original se titula Fury. La escena final es un plano

cenital sobre el susodicho tanque y la matanza que ha provocado.

Dejando aparte las escenas de La guerra de las galaxias con sus proyectiles de colores (también aparecen en la serie Pacific de la televisión) vulgo trazadoras, un tanque calificado en la jerga militar como Ronson una marca de encendedores por la facilidad que tenían para incendiarse, resistiendo a todo una batallón de infantería...

LA SEMILLA DEL TAMARINDO(The Tamarind Seed 1974)

¿Alguien ha picado? Porque este es el enésimo comentario publicada hoy con motivo de la muerte de Omar Shariff.

Que en realidad no es que haya muerto del todo y aunque su vida en el cine comenzara mucho antes, él será uno de los Pilares de   Lawrence de Arabia siempre. Como más tarde, desmitificaría el prototipo del médico borrachín de las películas de Hollywood en la mismísima tierra del vodka. Hizo de todo en el cine desde general alemán hasta pistolero del oeste pasando por Julio Verne. Su personaje romántico por antonomasia, fue el protagonista del super drama de Mayerling, las enamoró a todas.
Continuó con multitud de películas, la mayoría fácilmente olvidables que solo perseguían tener su nombre el el reparto y,  como la mayoría de los actores camino del ocaso, en series de Televisión.

                            ¿CANADA O EL TIROL?
                    
Yo he querido con esta excusa recuperar una de sus películas, que está en internet, y que tiene varios ingredientes que la apartan del montón. Es una comedia romántica envuelta en un celofán de película de espías que no logra engañarnos. La protagonista es Julie Andrews en aquellas fechas casada con el director de la película Blake Edwards. Shariff es en la película la quintaesencia de lo que se espera de él; también aparece en su sempiterna interpretación de
Oficial de Inteligencia inglés Anthony Quailey que ya lo hacía en Lawrence. En fin una película aseadita, perfectamente previsible .
La música es de John Barry el compositor habitual de James Bond y su repetitivo leit motiv funciona.
¡Larga vida al Omar Shariff que cargó, al frente de sus bedús, en la llanura de Aqqaba!.
P.D. Omar Shariff y Peter O`Toole volvieron a coincidir en La noche de los generales. Falló la magia. Como mucho La noche de los capitanes. El Concierto de Varsovia se quedó en una simple Polka.
P.D. También ha fallecido Jose Sazatornil "SAZA" , un " 1 Fijo" en los repartos del Cine Español.

HA MUERTO (de momento) CHRISTOPHER LEE

No es una irreverencia, entra dentro de lo posible que, como ya ha hecho otras veces, se reencarne en otro de sus multiples personajes como ya nos tiene acostumbrados. Cierto que tenía ya noventa y tres años, pero ¿que son noventa y tres años para Drácula, un jefe de vampiros? Porque posiblemente pasará a la Historia del Cine como el mejor vampiro de todos los tiempos. Es cierto que los ha habido mas jóvenes, mas guapos e incluso de diseño, pero cuenta la leyenda que el propio Bram Stoker se levantó de su féretro y con gran trabajo señaló a Lee con su dedo huesudo y dijo: Ese.

                                     EL MEJOR

Pero también interpretó a La Criatura del Doctor Frankestein  con su otra mitad Peter Cushing dirigidos por Terence Fisher. Los tres desarrollaron gran parte de su primera filmografia con los Estudios Hammer, mucho ingenio y poco presupuesto.

Fué una de las mejores Momias de la serie, y posiblemente el mejor Fu Man Chu, uno de mis villanos favoritos. Nuevamente con Cushing y Fisher en El Perro de los Baskerville, puro Sherlock Holmes , el prototipo de la peliculas de la Hammer 

Pasada esta fase se dedicó a dar empaque a peliculas de sagas que en algún momento flaqueaban y había que reforzar con un suplemento garantizado: es un malo con clase en la serie de

Star Wars, malo a secas en la de Indiana Jones, y malo en Los tres Mosqueteros compitiendo con Charlton Heston. Tambien lo hemos visto con Los Hobbits, El Señor de los anillos.. Y muchos espectadores los continuarán viendo en sueños, o mejor, pesadillas.

CENTAUROS DEL DESIERTO (The Searchers 1955)

Se abre una puerta...

Era una entrada obligada. Dejando aparte mi afinidad personal, en los últimos años se han prodigado las listas de las mejores películas de la Historia del Cine en medios mediáticos. Entre los tres primeros lugares, y en algunos casos en el primero, ha estado Centauros del desierto. Tiene su mérito porque los críticos son poco proclives al western y el espectador medio no suele serlo. Grande es pues la hazaña de los centauros. Que no son centauros: el titulo original es The Searchers, en puridad Los buscadores, que tiene que ver mucho con el desarrollo de la película y poco con el titulo español, mas marchoso.

La película está inspirada en un relato de Alan Le May, autor también de Policía Montada del Canadá, San Antonio, Los que no perdonan... Digo inspirada porque Ford y sus guionistas la recondujeron, magnificando el papel de John Wayne, reduciendo otros, alterando la relación del indio y su cautiva, el final, puro cine pero no pura novela... En fin, que está basada. Pero es una gran novela, la obra de un erudito sobre el tema. Si alguien quiere leerla, yo lo he hecho, tendrá otra visión del tema. Le May incluye, en otro contexto, la declaración de principios de Mano Amarilla (Anthon Quinn) previa a su lucha con Buffalo Bill: Aunque yo haya muerto, el sol seguirá brillando, la hierba seguirá creciendo, el agua seguirá  corriendo. De oído.

Como es tradicional en su director, John Ford, gran parte del reparto lo copa lo que se dio en llamar la compañía estable de Ford. Ford era muy sensible a la amistad y a lo largo de los rodajes iba incorporando actores que luego volvían a ser llamados o no. Es fácil reconocerlos en uno u otro papel a lo largo de su filmografía. Tal era esa amistad que en ocasiones pedía a los guionistas que añadieran un pequeño papel para incluirlos en el rodaje. En el caso de Centauros hay dos actores a los que impuso Ford contra viento y marea: Jeffrey Hunter (Martin Pawley) y Natalie Wood (Debbie).

                                JEFFREY Y NATALIE

El resto son los habituales incluyendo a John Wayne. Nadie duda que el niño bonito de Ford era Wayne y desde luego el hacedor del personaje que este interpretaba. Hasta aquí. Trastocando el relato y
el carismático personaje, Ford / Wayne crearon un papel difícil, desagradable, nada risueño, cruel, muy alejado del arquetipo. Hay quien dice que la falta de éxito los primeros tiempos de la exhibición de la película, se debió a que el público no aceptaba al nuevo Wayne. Pero era la revelación de Wayne como un buen actor mientras que antes había sido un estereotipo.

                                  WAYNE AVIESO

En esta galería hay que nombrar también a los indios que los muy observadores pueden también reconocer en sucesivos western. Y es que siempre recurría Ford a una tribu de navajos, como recurría a los mismos escenarios de una localización llamada Monument Valley. La sintonía con los navajos fue tan estrecha que la tribu le concedió un titulo honorifico. 
El nombre del autor de la banda sonora, Max Steiner, está presente en trescientas ochenta (380) películas, eso sí muchas veces en letra muy pequeña.
Queda hablar del director: John Ford. Hablemos:
La patrulla perdida, El juez Priest, El delator, La diligencia, El joven Lincoln, ¡Que verde era mi valle!, Pasión de los fuertes,
Fort Apache, Tres padrinos, La legión invencible, Río Grande, El hombre tranquilo, Mogambo, Escrito bajo el sol, Misión de audaces, El sargento negro, Dos cabalgan juntos, El hombre que mató a Liberty Valance, La conquista del Oeste y así, hasta
ciento cuarenta y cinco (145)  películas.
Se cierra una puerta

CENTENARIO: ORSON WELLES

 Por fin un aniversario gozoso que celebrar. Se cumplen ahora cien años del nacimiento de Orson Welles.El cine no sería lo mismo sin él. Por descontado que ya existía cundo Welles se encontró con el, pero lo re-inventó con su primera película: Ciudadano Kane. Tiene  innovaciones, que solo los expertos aprecian, pero que hicieron evolucionar el arte cinmetográfico de una sola tacada. Antes había hecho evolucionar la radio con la emisión por sorpresa de La Guerra de los mundos. El niño prodigio había pasado a ser un genio. Reputado shakesperiano: Macbeth, Otelo, El mercader de Venecia (TV), Campanadas a medianoche, dirigió cine negro interpretando también con frecuencia .Su detective Quinlan de Sed de mal es un prototipo, como lo es también la escena inicial de la película que figura en todas las antologías como modelo del manejo de la cámara. Preguntado una vez por cuales eran los tres mejores directores de la Historia del Cine, contestó: John Ford, John Ford y John Ford.

                                 CIUDADANO KANE

Como no era un director rentable, tuvo que "prostituirse" artísticamente para conseguir presupuesto para sus películas personales. De ahí sus numerosas apariciones breves en películas deleznables de las que salvo: el inicio de Moby Dick, de Duelo al sol, la voz de narrador en muchas películas, el "asesoramiento" en otras...

                                 EL TERCER HOMBRE

Estuvo casado con Rita Hayworth, cosas mas raras se han visto.

Su última pasión, y era muy apasionado, fue España. Con dinero y equipo español rodó Campanadas a medianoche, un mix shakesperiano con lucimiento personal. Murió con una deuda a medias con España, una versión de Don Quijote con mucha leyenda a su alrededor.

                       CAMPANADAS A MEDIANOCHE

Según sus deseos aunque no falleció en España, sus cenizas están depositadas en la finca de un torero español del que fue amigo.

                                     SED DE MAL

Leyenda: Las leyendas sobre semejante personaje son incontables,

Por citar las cinematográficas su participación en El tercer hombre, la prueba  que hizo para poner voz a Darth Vader de La Guerra de las Galaxias, la prueba para el papel de Brando en Apocalypsis Now..

Y hablando de Apocalipsis, Premio Princesa de Asturias 2015 para Francis Ford Coppola. Suspiro de alivio porque después de lo del Cervantes...

DE AQUÍ A LA ETERNIDAD (From Here to Eternity 1953)

Decíamos ayer... los cincuenta años de Sonrisas y lágrimas, y hoy hablamos de los sesenta y tantos años de De aquí a la eternidad. Y pensar que en su estreno fue famosa, y piedra de escándalo, por el revolcón en la playa de Deborah Kerr y Burt Lancaster... Hoy esta escena no serviría ni para ilustrar una clase de Educación Sexual en Primaria.

                             El icono de la película


Menos mal que la película tiene otros valores.
Entre ellos su autor, el soldado-escritor James Jones. Jones fue primero soldado y estuvo presente en el ataque japonés a Pearl Harbor que relata y encuadra la novela del mismo titulo. A continuación siguió la campaña del Pacífico con su querida, e imaginaria, Compañia C que  había protagonizado De Aquí...
Porque tanto ella como sus secuelas son corales, la auténtica protagonista es la Compañia fijando su mirada en personajes puntuales. En esta los personajes interpretados por Burt Lancaster, Montgomery Clift, Frank Sinatra, Ernest Borgnine . De pasada hemos mencionado otro de los puntos fuertes de la película, el reparto. Lo completan los personajes femeninos, Deborah Kerr y Donna Reed.
Todos ellos componen un cuadro de relaciones que convergen en el momento del ataque aéreo y el desenlace. También componen un reparto dificilmente superable : los siempre seguros Lancaster y Kerr, el enigmático Clift con la enigmática Reed, el hombre de las mil caras Borgnine y Sinatra. 
Después del ataque vino el contraataque y allí estaba Jones con la Compañia C. El resultado fue una nueva novela La delgada linea roja que dió lugar a dos peliculas. La primera y menos conocida fue
El ataque duró siete dias (1964) dirigida por Andrew Marton, un habitual en dirigir la 2ª Unidad  y en la que repite el actor Jack Warden. Narra la batalla del Guadalcanal, sangrienta como pocas.
 La segunda, más conocida, lleva el mismo titulo que la novela : La delgada linea roja (1). Si existiera el género habría que encuadrarla en el místico-bélico, nada más lejos de la filosofía del soldado-escritor James Jones : sangre, sudor y lágrimas (2). La dirigió un director, para muchos de culto, llamado Terrence Malick( veinte años desde su anterior película) y está repleta de actores famosos en breves papeles.
Volviendo a De aquí a la eternidad, no conozco y tampoco lo siento al encargado de la música, pero sí al director: Fred Zinnemann fue uno de los muchos europeos emigrados que hicieron grande Hollywood. Concretamente austro-húngaro, y venía de dirigir nada menos que Sólo ante el peligro y luego dirigiría Oklahoma. Es decir un western y un musical, nada más lejos de sus raíces culturales; mejor De aquí que Sólo, una película con un buen montaje pero sobrevalorada.
Previamente había sido llevada al cine otra novela de James Jones:
Como un torrente dirigida por el gran Vincente Minnelli, interpretada por Frank Sinatra y, como no podía ser menos menos viniendo de Jones, tratando de la problemática vuelta a casa de los soldados.

(1) La expresión tiene su origen en una de las olvidadas guerras coloniales inglesas en la que un mando militar refiriéndose a la linea de batalla de sus soldados que entonces vestían de rojo para disimular sus heridas y constatando su endeblez, la calificó como la delgada linea roja.
(2) Esta frase es del Primer Ministro inglés Winston Churchill ofreciéndole a sus compatriotas las perspectivas de la 2ª Guerra Mundial.

                                  Sinatra resucitado

Leyenda. Cuenta la leyenda que la célebre secuencia de El Padrino
en la que el cantante-actor italo-americano le solicita el papel en una  película para relanzar su carrera a lo que se opone un magnate del cine, está inspirada en el Sinatra en De aquí a la eternidad. El Padrino hizo una oferta en forma de cabeza de caballo ganador que el magnate no pudo rechazar. Sinatra consiguió su papel, un Oscar y relanzó su carrera. Gracias, Padrino.

SONRISAS Y LAGRIMAS (The Sound of Music 1965)

Se celebran ahora los cincuenta años del estreno de Sonrisas y lagrimas, un buen momento para recordarla con una cierta perspectiva. En su momento fue una gran éxito de taquilla y cosechó bastantes premios, vista con los años... En su haber, el director Robert Wise que venía, entre otras apreciables películas, de dirigir West Side Story, un cheque en blanco para dirigir cualquier película y mas, como en este caso, si se trataba de un musical con pretensiones.También había dirigido películas tan interesantes como Ultimátum a la Tierra, Marcado por el odio...y entre otras,mas tarde, Star Trek .Una apuesta segura. La otra apuesta ganadora es la música de dos grandes del musical. Rodgers y Hammerstein. Están en la banda sonora de quinientas películas y en la Historia de Oro de Broadway y Hollywood. Desde Magnolia , Roberta , Oklahoma, El Rey y yo, South Pacific, etc. Sus canciones en esta película aún se tararean. La historia, para mí algo ñoña pero no para el gran público que la refrendó y la sigue refrendando, tiene varios padres. El primer padre es la madre, el personaje interpretado por Julie Andrews, que escribió una especie de Memorias. Mas tarde fué llevado a la pantalla en dos modestas producciones del incipiente cine alemán de la posguerra, La familia Trapp (1956) y La familia Trapp en Ámerica (1958), con pocos medios y poco conocidos actores. Mas tarde un musical en Broadway y la mano como guionista de Ernest Lehman que ya había escrito Con la muerte en los talones y para Robert Wise ,West Side Story.

                                   Made in von Trapp Es muy conocida: un marino de la gloriosa armada Austrohúngara, encuentra tiempo para casarse, tener siete hijos y enviudar. En ese momento llega a la familia una novicia como institutriz ya que el atareado militar no puede con tan prolífica prole. Se casan, ocurre la peripecia de la película, tiene otros tres hijos y forman un espectáculo que recorre los escenarios de América donde emigraron, seguidos de cerca por los admiradores...de Hitler. Simplificado.

El icono de la película

El éxito de la película aparte de los ya alabados director y banda sonora con una magnífica fotografía, está en el reparto. Julie Andrews era única para este tipo de personajes, Mary Poppins, Millie, Darling Lili, Victor/Victoria ... Aquí canta y baila sin desentonar (su voz no está doblada en la banda sonora original).No se puede decir lo mismo de von Trapp (Cristopher Plummer ) la comedia no es lo suyo y su voz sí esta doblada. El tercer vértice del triangulo es Eleanor Parker, que parece fuera de lugar, los retoños Trapp no son tan inofensivos como la marabunta. Los niños son encantadores y la mayoría cantan en persona sin ser doblados. Una curiosidad, varios de ellos continuaron después de la etapa musical, trabajando como misioneros en Asia. Han pasado los años y, si no se encuadra como musical,se pueden tararear aún sus canciones.

LA CARRERA DEL SIGLO (The Great Race 1965)

Por pura casualidad, y por que eran dos grandes actores,volvemos a tener a los mismos protagonistas de la entrada anterior: Jack Lemmon y Tony Curtis. En esta Lemmon da rienda suelta a su vena histriónica y Curtis se parodia a si mismo, haciendo el mismo personaje apuesto y donjuanesco que le había hecho popular. Para que se vea que no hay que tomarselo en serio, Edwards se permite la humorada de poner un destello luminoso en su dentadura. Pero en esta película hay que hacer hincapié en el director, Blake Edwards, del que ya hemos comentado Desayuno con diamantes. Igual que se dice, en el buen sentido, que hay personas que son animales políticos, también existen los animales cinematográficos y el paradigma sería Blake Edwards .

                                                             El Profesor Fate

 Edwards es un compendio de lo que es el cine. Sus ancestros fueron ya profesionales de diversas facetas de este en los tiempos heroicos en los que todos hacían de todo, actuar como actores, improvisar gags, trabajar de extras o de dobles en escenas peligrosas, guionistas, iluminadores etc. Edwards lo vivió y comenzó desde abajo como actor que no aparecía en los créditos y mas tarde como guionista. Su alter ego durante un tiempo fué el también guionista y luego director Richard Quine. La otra pata fue  el músico Henry Mancini. Juntos empezaron y luego, cada uno por su lado, llegó al máximo en sus respectivas especialidades. El culmen de ambos, Edwards y Mancini, juntos es Moon River  de Desayuno con diamantes, aunque no es desdeñable, económicamente, la sintonia de la serie de la Pantera Rosa.

                              El Gran Leslie 

 Porque Edwards es también responsable, para lo bueno y lo malo de esta serie. Debido al éxito de la primera película de la serie, los estudios le daban carta blanca para nuevos episodios y Edwards cuando andaba escaso de fondos los rodaba: no hay que culparlo. 

                                    Inigualable 

La Carrera del Siglo  es un homenaje de Edwards al cine y en parte al cine mudo y al subgénero llamado Slapstick, el de golpes y tortazos/tartazos que provocan la risa. Avisa con los gags del comienzo, una sucesión de episodios hilarantes que preparan al espectador para lo que viene después: un recorrido por diversos géneros cinematográficos : la salida homenajeada en diversas películas y series de dibujos animados, la persecución de los indios de pacotilla con una memorable pelea de saloon con el gag de la interrupción de la pelea para que pase la dama. Mas tarde lo recuperaría John Huston en El hombre que pudo reinar con el alto en la batalla para que pasen los monjes. Pero el mayor homenaje lo hace a una película titulada El prisionero de Zenda : Edwards riza el rizo y hace interpretar a Lemon dos personajes y repite milimétricamente la escena del duelo que antes protagonizaron dos espadachines Stewart Granger y James Mason. Aquí son Tony Curtis y un habitual de las películas de Edwards, Ross Martin. Edwards intercala la escena que no podía faltar en el slapstick, la batalla de tartas , pero eso sí, la mejor y mas grande de todas las filmadas.
Hay mas, mucho mas, pero este comentario se haría muy largo y ese tiempo se invertiría mejor volviendo a verla.
P.D. La película como dice en los créditos está dedicada a Laurel y Hardy(el gordo y el flaco).Es de bien nacidos...

CON FALDAS Y A LO LOCO (Some Like it Hot 1959)

 Anoche tuve un sueño...escribir una entrada sobre una de mis películas favoritas y, supongo, de muchos aficionados :Con faldas y a lo loco. Cierto que en aquellos años se traducían todos los títulos, pero lo que hicieron con este...El titulo original es Some Like It Hot. Mi nivel de inglés es (- First) , pero he investigado. Hay dos traducciones mas probables; la primera A algunos les gusta el Hot(una variante del jazz), la segunda A algunos les gusta picante. Conociendo el malévolo sentido del humor de Billy Wilder, me inclino por la segunda. Wilder sitúa la acción en tiempos de la primera.

                              Josephine y Daphne
En esta ocasión ejerce de director y co-guionista. Antes de emigrar a Estados Unidos Wilder vivió en la cosmopolita Europa la época de entre las dos guerras mundiales. Ejerció variados oficios, no todos ellos confesables, alrededor del espectáculo lo que le dio una experiencia que luego aprovecharía en su época de director de cine. En este caso adaptaron una obra de un autor austro-húngaro, Robert Thoeren ,cambiando época, localización etc. que ya había sido llevada al cine. 

                                 Wilder y Marilyn
La película tiene muchos méritos: numero 1 como comedia para el
American Film Institute y numero 14 en el computo general de películas. También ha merecido el ser incluida entre las obras selectas protegidas especialmente por el Departamento correspondiente de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.
Está también en posesión de uno de los mas ricos anecdotarios de rodaje de toda la historia del cine y eso se debe a la incontinencia verbal de Wilder. Si alguien tiene interés en el libro, se titula, naturalmente, Nadie es perfecto y está editado por Grijalbo-Mondadori.

                             Nadie es perfecto   
Los actores, Tony Curtis y Marilyn Monroe, a pesar de los comentarios ya citados del rodaje están bien, Marilyn hasta canta en persona, pero quiero hace una distinción positiva en cuanto a Jack Lemmon. Lemon es uno de los actores favoritos de Wilder y este sabía como utilizarlo. En esta ocasión, ademas de interpretar un personaje se nota la felicidad del actor al hacerlo. Lemmon, un autentico camaleón de la actuación pocas veces ha irradiado tal felicidad y en un papel complicado. Tan complicado que la película, en principio, tenía un futuro negro porque la realidad social de Estados Unidos en esos años toleraba mal el travestismo, buque insignia de la obra. Después se impuso el sentido lúdico del conjunto sobre los detalles controvertidos. El otro co-guionista con Wilder, Diamond, resolvió el último escollo con la frase que coronaría unos de los mas celebres finales de la historia del cine de difícil solución : Nadie es perfecto. 
Wilder aporta en el personaje de Osgood a Joe E. Brown un actor que estaba en el cine desde 1927 y que entre otros papeles había interpretado al Capitán del show boat en Magnolia. Hizo célebre su apodo de bocazas. George Raft hizo el papel que siempre le tocaba el de Botines Colombo un gansgster y como siempre, lo borda.
En fin, una de esas películas para las que no ha pasado el tiempo, se sigue disfrutando y cada vez que se ve y se le encuentran nuevas facetas. Una buena película. ¿De que trata ?: de la Ley Seca, de gangsters , de músicos de fortuna, de una orquesta de señoritas ,de equívocos, persecuciones, enamoramientos, fetichismos, de yates, de millonarios fogosos, de la tentación vive al lado...

PSICOSIS ( Psycho 1960)

Es difícil escribir sobre una película, Psicosis de Alfred  Hitchcock, sobre la que se ha escrito mucho, pero en cambio es fácil por que todo el mundo la ha visto. Es una película única e irrepetible. Bueno, irrepetible no, porque en 1998 la repitió el director Gus Van Sant : Psicosis (1998). Si, la repitió plano a plano sin el menor empacho con actores diferentes y en color, pero el resto del trabajo ni remake ni gaitas, copia y pega. Psicosis (1968) generó secuelas, todas aprovechando el tirón, protagonizadas por una de las bazas de la película, Anthony Perkins, Psicosis ll (1983) y Psicosis lll (1986) dirigida por el propio Perkins. También hubo, como no, precuelas, Psicosis lV El comienzo (1990) hecha para la Televisión.

                                       Hijo de mamá Indirectamente también se puede considerar una secuela la mas reciente Hitchcock (2012). Esta se puede considerar encuadrada en el subgénero llamado cine dentro del cine, que ha dado películas muy apreciables como Dos semanas en otra ciudad, la mismísima Cantando bajo la lluvia, El crepúsculo de los dioses, Cautivos del mal, etc. La relación con Psicosis  (1968) viene de que el periodo de la vida de Alfred Hitchcock que trata es el que dura el rodaje de la citada película. La protagonizan dos divos Anthony Hopkins como Hitchcock y Helen Mirren en el papel de su esposa Alma Reville. La trama es la influencia que esta última tuvo en el éxito de la película. El director solo ha dirigido este largometraje y no me acuerdo de su nombre.

                                   Victima y verdugo En cuanto a la propia película, aparte de los mas conocidos recovecos, parte fundamental de ella es la música que con especial brillantez subraya la nunca bastante comentada escena de la ducha pero también los detalles tétricos de la acción y la ambientación. Se debe al compositor Bernard Herrmann que musicó muchas de las películas de Hitchcock: El hombre que sabía demasiado, Vértigo, Marnie, parte de Los pájaros, aparte de otras películas por las que recibió algunos galardones.

                                 Casa de los Horrores También fue muy galardonado Robert Bloch el autor del relato original, un prolífico autor norteamericano de relatos cortos de misterio y ciencia ficción y que tiene en ambos campos la mayor parte de los premios existentes. Sus relatos se llevaron a la Televisión en la propia serie de Alfred Hitchcock presenta :, en La conquista del espacio, Cuentos desde la oscuridad, Yo soy espía, Historias de fantasmas etc. Respecto al director Alfred Hitchcock poco se puede aportar a estas alturas ademas de opiniones personales. Es uno de los pocos autores de los que se pueden ver la mayoría de sus películas sin sonrojarse y muchas de las cuales son obras maestras. Tiene también el honor de muchos premios mas o menos discutibles (los premios, no las películas). Algunas de ellas: Con la muerte en los talones, Vértigo, Encadenados, han sido elegidas por la Biblioteca del Congreso de los EEUU, para ser conservadas para toda la Eternidad. El reparto es excelente, Anthony Perkins compone un personaje que marcaría en adelante el resto de su extensa carrera. Janet Leight tiene el dudoso honor de ser una de las escasas protagonistas que mueren al principio de la película ¡huy,perdón!. El resto de los actores de reparto, muy buenos: Martin Balsam, John McIntire, Vera Miles y la inevitable Patricia Hitchcock, hija de Don Alfred.