LAURA (1944)

Mi primer contacto con el tema de Laura fue hace cincuenta años con mi llegada a la Universidad de Salamanca. Asistí, dando codazos, a un concierto de jazz en el Aula donde Fray Luis de León había pronunciado, siglos antes, su célebre: Decíamos ayer... Una experiencia mística. Ocurre aquí el caso contrario de la anterior entrada, La colina del adiós. Aquí lo que perdura es la película, en blanco y negro, poco presupuesto, protagonistas no taquilleros.. Aunque es difícil encasillarla, oscila entre el cine negro, el thriller, el drama romántico... La mayoría, y yo con ellos, nos inclinamos por el noir. La autora de la novela es la estadounidense Vera Caspary. Su obra más famosa es Laura, pero escribió muchas novelas, cuentos cortos, guiones de cine etc. Su filiación política hizo que utilizara un seudónimo. El director fue Otto Preminger otro de los emigrados centroeuropeos (austrohúngaro en concreto) que hizo fortuna en los Estados Unidos. Laura fue prácticamente su tarjeta de presentación, pero luego vendrían Río sin retorno, Carmen Jones, El hombre del brazo de oro, Anatomía de un asesinato, Éxodo... un buen director, que en Laura empleó un estilo de iluminación directamente traído de Europa. Uno de los platos fuertes de la película es el reparto. Gene Tierney tenía un nosequé indefinible(oxímoron a tope) que, como decía alguien, enamoraba a los hombres pero las mujeres la adoraban.

 








Dana Andrews estaba condicionado por su físico (la mayoría de los actores lo están con la excepción quizás del versátil John Malkovich). Tenía en aspecto de honrado, hombre de orden, honesto etc. Característicamente su peinado aparecía como recién hecho aún en las escenas de acción. (1)

El tercero en discordia es Clifton Webb que, cualquiera lo diría comenzó como bailarín, pero en Laura, su papel es el de Lidecker, se come al resto del reparto. La cuarta pata la compone, y bien, Vincent Price lejos aún de su 

                                   VINCENT PRICE
CLIFTON WEBB
superespecialización en películas de terror: faltaban casi veinte años para El péndulo de la muerte. Y no quiero olvidarme de Judith Anderson que se había revelado en su debut como la Sra. Danvers en Rebeca porque algún avispado lector me lo recordaría. El autor del tema central es David Raksin que está en los créditos de más de cien películas y series de televisión. El letrista, en este caso importante, es Johnny Mercer que firma las letras de más de setecientas (700) películas.
 Laura es para sentirla con la luz apagada y la lluvia repiqueteando en la ventana y un café en la mano. A mi modesto entender.
(1) Azorín, escritor y ocasionalmente crítico cinematográfico dijo de Gary Cooper: Tiene cara de labrador honrado. https://www.youtube.com/watch?v=vIdleI2SwPc

LA ESCOPETA NACIONAL (1978)

                           LA ESCOPETA NACIONAL

Atiendo una sugerencia, y lo hago con satisfacción por llevar un tiempo desatendiendo a este sector, el cine español. Y encima es una película que me gusta y representativa de un cierto cine. Su director, Luis García Berlanga, con una obra no demasiado extensa, alcanzó éxito de público y critica que culminó con El verdugo (1963). Después de años de sortear la censura a base de virtuosismo, simbolismos y mil trucos, con el cambio de esta encontró un estilo propio cerca del llamado cine fallero (Berlanga era y se sentía valenciano). Dio rienda, casi suelta, al erotismo (nunca pornografía) que hicieron de él un erotómano conocido a nivel mundial. De hecho dirigió el jurado de un premio literario titulado La sonrisa vertical. Se puede apreciar en La escopeta nacional que esta facultad no la adquirió a humo de pajas. La otra característica que exhibiría en sus películas es la habilidad para las

películas corales sin protagonista definido. Esto pudo hacerlo porque, como John Ford, reunió un elenco  propio de actores que

le acompañaban hasta su fallecimiento (el de los actores). Esto es importante porque según se decía les daba una gran libertad de improvisación, lo que unido al micrófono libre ofrecía una naturalidad inusual.

Con esta introducción Berlanga nos ofrece un relato verídico con una envoltura de farsa (dislate decía el director) . In illo tempore las cacerías de altos vuelos servían de todo, hasta para cazar. Era vox populi que eran punto de encuentro entre personajes y aspirantes a serlo.(1) O sea entre el conseguidor y los solicitantes: todos corruptos, como dice el célebre dicho, tan corrupto es el que da como el que toma. Por personalizar en alguien, escojo al organizador del evento: el marqués de Leguineche o dicho de otra forma Luis Escobar también marqués en la vida real. Berlanga lo cogió ya mayor y en torno a el vertebró la película que luego completaría, dado el éxito, con Patrimonio Nacional (1981) y Nacional III (1982). Junto a el,  Jose Luis López Vázquez como su rijoso y sexo adicto hijo. Luis Ciges, camarada de armas de Berlanga, es el lacayo rural y trujimán del hijo. José Sazatornil en una de sus mejores interpretaciones es el típico industrial catalán emprendedor con su secretaria/arreglo. Amparo Soler Leal como la esposa batalladora del hijo. Y un personaje entrañable, el de Agustín González que lo bordaba: un cura trabucaire que, en aquellos tiempos, solía estar adscrito a las grandes familias nobiliarias de rancio abolengo. Y Antonio Ferrandis, y Rafael Alonso, y Chus Lampreave, y Mónica Randal, y ...

Casi todos siguieron a Berlanga en las sucesivas entregas y hubo otras incorporaciones mas o menos afortunadas.

El guión, como de costumbre, está firmado por Berlanga y su colaborados habitual Rafael Azcona.

"La no inclusión de la música permite comprender y entender con más claridad a estos personajes"; Luis Deltell en una monografía de la Universidad Complutense. ¿Que no habíais echado en falta la música?

(1) Estas trapacerías, y posiblemente la corrupción al más alto nivel, se han trasladado en la actualidad a los palcos de los grandes equipos de fútbol. De las monterías apenas se habla, salvo que aparezca algún juez coincidiendo con algún político y sean pillados.

ANÉCDOTA: Tenía la costumbre Berlanga de introducir, con razón o sin ella, en sus películas la frase el Imperio Austrohúngaro
como una especie de patente, y en esta también lo hace; algo similar a lo que hacía Hitchcock apareciendo en un momento u otro en alguna secuencia de sus películas.

LA COLINA DEL ADIÓS (1955 Love is a Many-Splendored Thing)

La colina del adiós fue en su momento una película de éxito: un melodrama pasional con mucho amor y, en aquellos momentos, interracial. Hollywood apostó por ella: una gran producción a todo color, escenarios, paisajes, una cabecera de reparto impecable,un director Henry King con más de cien películas rodadas, un fotógrafo reconocido, Lyeon Shamroy, y un guión que se prestaba a lucimiento.

                              Paisaje desde la colina

El libro en que se basa la película lo firma Han Suyin, que como recordará quien haya visto la película es el nombre de la protagonista, en realidad un seudónimo literario. Hay pues que concederle un cierto grado de relato autobiográfíco. Se basa en el periodo de la guerra de Corea y el romance entre un periodista occidental y una doctora asiática. Apasionado (el romance). No cuento más.

Es una película hecha para el gran público: mucho amor, lacrimógena, visualmente muy atractiva, y que tuvo mucho éxito.

Los intérpretes principales, el resto del reparto flojea un poco,son William Holden y Jennifer Jones. Holden es un valor seguro en la cumbre de su filmografía que abarca El crepúsculo de los dioses,

Traidor en el infierno, Sabrina (un punto negro, un error de reparto), Picnic, su confirmación como star internacional, con Kim Novack, El puente sobre el río Kwai, y que culmina (aunque no acaba) con Grupo salvaje.

Jennifer Jones se reveló en La canción de Bernadette (preguntadle a los papás), triunfó en Duelo al sol (otro amor racial prohibido) y

otras películas de calidad pero menor relumbrón. Aquí como en Duelo interpreta al personaje exótico. 

Lo que mejor aguanta el paso del tiempo es el tema central de la banda sonora y que lleva el mismo titulo que el original de la película El amor es algo maravilloso. El autor es Alfred Newman, que está en los créditos de mas de doscientas películas, algunas tan conocidas como La tentación vive arriba, El Rey y yo, South Pacific, La túnica sagrada o El prisionero de Zenda. El tema ha llegado hasta nosotros porque lo incorporaron a su repertorio los mejores crooners de la época y fue un fijo para las grandes formaciones orquestales que, como los dinosaurios, se extinguieron. La versión mas popular sigue siendo la de Ray Connif. El amor es algo maravilloso es para escucharla a pleno sol y a toda pastilla. Sigue escuchándose mientras que la película en si, con el incordio de no coincidir el titulo español con el de la canción es solo para los muy  afortunados que la gozaron en su momento. Se sigue dejando ver y es un ejemplo de lo que hacían los grandes estudios cuando no invertían en efectos especiales.

https://www.youtube.com/watch?v=UiPaSc0QDr4

SKYFALL (2012)

Una debilidad:  he visto Skyfall, aprovechando su pase por televisión. Atendiendo a los pequeños detalles que hacen apreciable la película, los hay en abundancia, homenajeando otras películas: El tercer hombre, El Padrino, la series Indiana Jones, Swarzenegger, Stallones, Sin perdón, ...pero lo que mas relevancia tiene, para los que admiramos los primeros episodios de Bond que protagonizaba Sean Connery son los homenajes a estos tiempos. Por descontado cualquier alusión a Ian Fleming se ha borrado y ya no es John Barry el compositor aunque sus acordes originales sí suenan en las escenas finales de la película. También se homenajea, con todo merecimiento, a los automóviles Aston Martin que Bond ha destrozado a lo largo de sus películas. El protagonista actual ve impasible todo hasta que le tocan al Aston Martin. Todos los fans de los primeros tiempos sabíamos el truco de las ametralladoras del coche, el malo, no.

El reparto ha cambiado; la habitual Judi Dench, gran actriz cede en directo su papel habitual de M, de forma traumática a Ralph Fiennes otro gran actor; se pierde también a uno de los habituales Q personajes de película no de novela, que fabrica los gadgets que utiliza 007,  Lewellyn, Reese etc. por un joven Hippy o Hipster  o como se diga ahora, en todo caso posmoderno. En todo caso los gadgets escasean, sustituidos por la cibernética y algunos efectos especiales (otro de los puntos fuertes de la serie) dejan que desear. La también habitual y otoñal Monneypenny es ahora una actriz joven de color. Los tres parece que vienen  para quedarse, al menos figuran en el reparto de Spectre. Como secundario, es Kincaid el guardián de la casa solariega, actúa un gran Albert Finney en otra época un valor del free cinema inglés.

El director es Sam Mendes que también dirigió  Camino a la perdición y ha dirigido la siguiente de 007 Spectre 

En fin la película es entretenida, pero para mí, lo mejor es la parte reseñada, que posiblemente el publico joven que no ha podido ver

la primera parte de la serie, no pueda captar. Gracias Sam por tocarla otra vez.

P.D.: He echado en falta a la la emblemática chica-bond. Una lástima.

VIAJE ALUCINANTE ( Fantastic Voyage 1966)

Esta es una entrada entrañable para los aficionados a la Ciencia Ficción. Digo entrañable porque la película es nada menos que de

1966 cuando el género estaba por florecer con la llegada de efectos especiales, digitales etc.

Como es poco conocida, aunque naturalmente está en Internet, hago un pequeño resumen. Ante un accidente cerebro-vascular de un desertor, persona valiosa, y dados los limitados  medios de la época, hablamos de hace cincuenta años, se decide intervenirlo con un equipo científico miniaturizado así como los medios que los trasportan. La película consiste en el viaje del equipo con su nave ¨Proteus" a través del organismo, vasos, órganos, organismos, etc. hasta alcanzar el problema. El ingenio es abundante y la recreación, antes de los medios digitales, muy imaginativa hasta alcanzar un Óscar.

                                  Efectos Especiales

 El mérito se debe al director, Richard Fleischer , por encima del término medio del gremio. Fleischer había dirigido previamente "20.000 leguas de viaje submarino", una de las grandes obras de Julio Verne con la nave Nautilus. Aquí viene otra de las facetas de la película: como autores figuran en los créditos un desconocido Klement y un poco habitual Bixby relacionado con el cine fantástico. En la época hubo confusionismo por atribuirsela al muy conocido Isaac Asimov ganador de todos los premios que hay de Ciencia Ficción. El error viene por haberle encargado los propietarios de los derechos a Asimov que la novelara, cosa que hizo. El problema fue que la novela se publicó antes de que se estrenara la película, de ahí la confusión. Por cierto, Asimov no quedó contento y la volvió a escribir (Viaje alucinante II).

La protagonista era Raquel Welch, una actriz  que llegó al estrellato por su físico: Su apodo El cuerpo (The Body).Viaje alucinante le venía al pelo, un imaginativo atuendo ajustadísimo y una actuación limitadísima. 

                                
                                    Welch alucinante  

El protagonista es Stephen Boyd que pasará a la Historia del cine por interpretar al Mesala de Ben Hur. Actor especializado en papeles de duro y con poca cintura y aptitudes para otros géneros.

Chiste malo: Body/Boyd.

El resto del reparto es mejor sin esforzarse.

La música es de Leonard Rosenman un habitual de las series de Television, aunque también es el compositor de Rebelde sin causa y Al este del edén.

LEYENDA: Según se ha sabido la muerte de Asimov, uno de los escritores mas prolíficos (antes polígrafos) leídos y respetados de la Ciencia Ficción, fue debida al SIDA. Dado el carácter peyorativo de la enfermedad no se hizo publico en su momento. Lo cierto es que lo contrajo por una transfusión que le hicieron durante una intervención quirúrgica cuando aún no había medios para detectar la infección. Una lástima, sus lectores hemos perdido un maestro en varios géneros, muchas horas de inolvidables lecturas.

MAUREEN O'HARA

Innisfree está de luto. Maureen O'Hara ha muerto, según la leyenda, escuchando la banda sonora de "El hombre tranquilo". Ford, John Ford, la inmortalizó haciendo de ella el paradigma de la mujer celta: ojos verdes, pelirroja y brava, muy brava. Ni una palabra más, ni falta que hace.
La posada Jamaica.
¡Qué verde era mi valle!

Esta tierra es mía.

De ilusión también se vive.

Río Grande.

El hombre tranquilo.

Cuna de héroes.

Escrito bajo el sol.

Tu a Boston y yo a California.

Hasta sesenta y cinco...
He visto, que no lo había hecho antes, Tripoli. Parafraseando un antiguo dicho sobre la Selección Española ( Casillas y diez mas ) comentar : Maureen O'Hara y unos cuantos mas. El productor juega con la cabeza de cartel (John Payne y Maureen O'Hara) por si alguien se confunde, pero quia.

DJANGO DESENCADENADO (Django Unchained 2012)

¡Tarantino desatado! Django es un habitual de la memoria colectiva de los que vivimos en la época de los 60. En esa época se rodaron varias películas hispano-italianas (Spaghetti-Westerns) con ese personaje, e indudablemente a Tarantino le impactaron. Tanto es así que Franco Nero protagonizó la que dio nombre a la serie y Quentin lo homenajea con un cameo en esta película. También aparece en los créditos de la película un agradecimiento a Sergio Corbucci, el director. La música de fondo de la película es mayoritariamente de Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo; Por un puñado de dólares, Hasta que llegó su hora y...doscientas películas más). Su fraseo de guitarra y sus trompetas al límite se han hecho habituales en el género. Cristoph Waltz, que fue una revelación como alemán malo en Malditos bastardos del mismo Tarantino, reaparece aquí como alemán bueno y ya esta en la cabecera de los créditos de Spectre la próxima película de James Bond. Todo un carrerón.

                               EL DIABLO Y WALTZ Pero lo que caracteriza al cine de Tarantino,  ante su público es la herencia de su numen Sam Peckinpah: El rodaje de escenas con cámara lenta/sanguinolenta. Cualquier día veremos en el Guiness el tiroteo del salón de la plantación esclavista. Claro que en esta escena Django juega con ventaja: sus disparos atraviesan a sus enemigos, mata a dos de ellos de un solo disparo, la sangre hace de protagonista, mientras los proyectiles de sus enemigos se empotran en los cuerpos tras los que se protege.  A mi modo de ver, Tarantino, que también escribe sus argumentos y guiones, dirige en tres planos: uno para su público y sus fans que son muchísimos, otro para la crítica y enteradillos y el tercero para sí mismo, ahora que puede permitírselo (como la payasada del Ku- Klux-Klan y el resto de metraje antiesclavista, nada sutil por cierto). El mérito está en ensamblarlos a los tres. Tarantino como director, también tiene afición a hacer apariciones como actor, como algún  otro director que todos sabemos, y es un autodidacta. Es sabido que su primera juventud transcurrió en un videoclub donde pudo ver las veces que quiso el material que le gustaba. Otro de esta escuela, no tan polarizado es Spielberg. A los dos se les nota en sus películas: continuos cambios de estilo y referencias y guiños a otras películas. Coppola también estuvo mucho tiempo en cama siendo muy joven por una polio y le dio por ver películas. Django de Tarantino es una película del Sur con formato de western. El plácido y feliz Sur queda desmontado en esta cinta más que en cualquier otra pese a que lo que sobresalga no sea este ensayo, que al director le sale del alma, sino la vena espectacular del western. La honradez de Tarantino se manifiesta en los créditos de la película que parecen, de larga, la guía de teléfonos agradecimientos a: Sergio Corbucci (el del primitivo Django), Sergio Leone (el maestro) Eugenio Martin (un director español de spaghetti-westerns entre otras cosas), Anthony Mann (probablemente después de John Ford el mejor director de westerns), Robert Rodrigues (su cuate) etc. Aparte de los numerosos actores retro que tienen un personaje en la película: Samuel L. Jackson, Don Jhonson, Don Stroud, Russ Tamblyn, Robert Carradine, Bruce Dern, etc.  P.D. Tras su rostro aniñado y su gestualidad infantiloide, Quentin Tarantino tiene un coeficiente intelectual de 160, que ya quisiera yo para mí. Por cierto, está en marcha su última película, hasta el momento de escribir estas palabras, Los odiosos ocho, ambientada en la época y el  ambiente de Django. Repiten sus actores favoritos. ADENDA:  Según la prensa, la industria, perdón, el negocio cinematográfico, va a volver a rodar: Los siete magníficos. El hombre que mató a Liberty Valance Grupo salvaje. Ojalá vuelva el hombre que mató a Liberty Valance, reúna a los siete magníficos y liquide al grupo salvaje de peseteros.