E.T. El Extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial 1982)

Permíteme que te insista... con Steven Spielberg. El blog está dirigido a espectadores que han visto o pueden ver las películas que se comentan y, en este aspecto, Spielberg es un campeón, no en vano se ha ganado el sobrenombre de El rey Midas de Hollywood, película que hace se convierte en oro en la taquilla. Y no solo es la cuestión económica, ha ganado la mayor parte de los premios de cine. E.T. El Extraterrestre fue en su momento un fenómeno de masas. Pensada para un público infantil, este respondió de una forma masiva: no recuerdo niños de le época que no la vieran. Pero también atrajo a los adultos: un muñecajo a palo seco más bien repulsivo conquistó a los espectadores de toda edad.

Melissa Mathison era una habitual polivalente en los rodajes de Spielberg hasta que este le pidió que le escribiera un argumento con determinadas características. De ahí salió el guión de E.T. el extraterrestre en principio un cuento infantil y como tal fue lanzada. Pero... hay una segunda lectura: el argumento es la venida a la Tierra de un ser de otro mundo celestial que deja que los niños se acerquen a él, que obra prodigios, cura enfermos, resucita muertos, que constantemente evoca su origen, mi caaaasa, que es perseguido y que finalmente asciende al cielo. ¿A alguien le suena? Una pista: Está basado en uno de los libros mas leídos de todo los tiempos.
E.T., el personaje, es pura magia y el mago se llamaba Carlo Rambaldi. Era Rambaldi un mago italiano al que el cine de aquellos tiempos le debe mucho. Su magia está también en Encuentros en la tercera fase, Alien, King Kong 2, entre otras películas menos conocidas. La película que vemos hoy, no es exactamente la que vimos en su estreno. Al parecer, Spielberg modificó posteriormente en 2002 y por medios digitales algunas características de E.T.:Verdad. Lo cierto es que es muy dificil discriminar lo que es cierto de lo que propagan los diferente Gabinetes de Prensa de las productoras con el fin de atraer espectadores. En este sentido E.T. bate records. Que los ojos de E.T. están inspirados en los de Einstein: Leyenda. Que en determinadas secuencias hay actores de talla corta animando a E.T.: Verdad. Que todo está basado en la vida infantil de Spielberg: Leyenda. Que parte de la animación en la nueva versión es obra de la empresa de George Lucas; Verdad.
Los interpretes humanos (E.T. a veces lo parece) son, en los personajes infantiles, Henry Thomas con una carrera poco brillante sustentada en telefilmes y Drew Barrymore. Drew tiene un gran pedigrí que se remonta familiarmente a los principios del cine; generaciones de Barrymore han dejado una impronta muy importante en todo el cine y el teatro del siglo pasado. En cuanto a su propia carrera es muy prolífica y muy irregular y, en ocasiones, se ha visto afectada por su vida privada.
La música, como es habitual y es una suerte, es de John Williams el compositor de cabecera de Spielberg.

P.D.: Leo que la eliminación temprana de Alec Guinnes del papel de Obi-Wan-Kenobi en La Guerra de las Galaxias no estaba prevista en el devenir de la saga. Se produjo al parecer a petición de Guinnes porque estaba hasta los mismísimos asteroides de la vacuidad de su personaje. Las intenciones de la productora eran otras. Así se escribe la historia...del cine.

TIBURÓN ( Jaws 1975)

Otra vez una película rompedora por muchos motivos. En el género catastrófico, subgénero monstruos marinos, hay un antes y un después de Tiburón. También la industria cinematográfica experimentó una nueva fuente de ingresos, el marketing que conduce al merchandising, que el propio Spielberg llevaría a la cumbre con Parque Jurásico y los dinosaurios. Ha habido toda una generación infantil de dynosauriers. Claro que hasta ahora es imbatible el record obtenido por Star Wars (1) la serie del dilecto amigo de Spielberg, George Lucas. Fue el punto de partida. A partir de Tiburón comenzó a funcionar el tandem Spielberg/Lucas. Spielberg sobre todo director a nuestros efectos Indiana Jones, Parque Jurásico, Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler... la mayoría éxitos y algún fracaso. Lucas también director pero menos, sobre todo escritor, productor y, lo que le ha dado su inmensa fortuna: encargado de la tramoya (Industrial Ligth & Magic) para sus películas y las de sus amigos.  La industria cinematográfica languidecía victima de la Televisión. Con Tiburón comenzó a revitalizarse y también a recapitalizarse, en parte por el retorno del público a las salas y en parte por el auge del ya citado merchandising . Hubo una época previa en la que se decía que los locales de exhibición ganaban mas con la venta de palomitas que con las entradas. Previo a esta edad de oro de de los efectos especiales, Tiburón, se rodó con unos trucos muy rudimentarios, era una película artesanal como correspondía a un principiante y como se puede apreciar en las fotos del rodaje. Se emplearon varios tiburones y el único verdadero destrozó la cabina de inmersión de las ultimas escenas.

                                 Tigre de papel La idea de la película está tomada de un libro de escasas ventas, antes de la película, de Peter Benchley que había trabajado en National Geographic. Benchley escribió varios guiones para la película que no convencieron pero hizo méritos para aparecer en la filmación. Caso contrario el de Carl Gotlieb que hizo el guión definitivo y también logró aparecer en la pantalla. Spielberg también tuvo su minuto de gloria interpretando el clarinete en la la banda sonora. El reparto, una vez descartado el dream team original, Robert Redford y Paul Newman, cumple bien. La tirantez previa al rodaje entre Roy Scheider, Richard Dreyfus y Robert Shaw se trasladó al rodaje y lo favoreció. El resto fue reclutado en la misma playa entre los curiosos que asistían de mirones, su espontaneidad fue positiva. Secuelas ,Tiburón 2, Tiburón 3, Tiburón contra... aún se siguen rodando, con variantes pero con tirón en taquilla para determinado tipo de aficionados al género. La música, muy simple y muy efectiva, es de John Williams que escribió la partitura de la mayor parte de las películas de Spielberg. Como ocurrió en Encuentros en la Tercera Fase, una notas sin melodía dan la nota. Tiburón fue un talismán para Spielberg que contó con Dreyfuss para Encuentros en la tercera fase y Always. También tituló una de sus películas Amistad: hay que suponer que en recuerdo de Amity. La película fue de las mas taquilleras en su época y para Spielberg de allí a la gloria y a la fama. Curiosidad: El rodaje de las escenas de Amity se produjo en realidad en la localización de Martha's Vineyard de tanta importancia en el devenir de la política norteamericana. (1) Se va a proyectar este año una precuela de las precuelas de Star Wars, el trailer está en las redes, ya rodada: A Star Wars Story, el robo de los planos de la Estrella de la Muerte. Hay que suponer que le seguirá el robo del micrófono de Darth Wader y la necesidad de usar uno defectuoso.

REBELDE SIN CAUSA (Rebel Without Cause 1955)

Rebelde sin causa fue, en su momento, una película mítica. Ha pasado el tiempo, mucho tiempo, y queda una muy buena película que ha perdido parte de su componente mítico. Parte del componente mítico se debía a su reparto: James Dean, que en realidad llego a la cima con solo tres películas y no era un gran actor, plasmó un prototipo del que desde su cazadora roja, sus gafas reflectantes, sus tejanos, su peinado, su indolencia impostada etc. se copió y veneró todo. En el lenguaje de hoy, diríamos que se hicieron virales. También contribuyó su muerte en accidente automovilístico después de acabar el rodaje y antes del estreno de Rebelde. Se cumplía así una de las máximas de la época que hizo suya: Vive deprisa, muere pronto y compondrás un bonito cadáver. Lo bordó. La intérprete femenina Natalie Wood que alcanzaría la inmortalidad con West Side Story falleció en otro oscuro accidente en un yate lleno de amigos. Sal Mineo, el otro actor, famoso por sus papeles aniñados de acuerdo con su físico, falleció en una oscura pelea en un aparcamiento nocturno. Por cierto Rebelde abriría la puerta de la eclosión de pandillas juveniles, cuchillos etc. Aunque es anterior a West Side Story, en la aparición de la pandilla subiendo al Planetario parecen escucharse compases y verse coreografía de esta.

                                Un mito del siglo pasado
Es la parte mítica de la película. Lo demás es obra del director Nicholas Ray. El guión es obra suya al parecer basado a su vez en la obra de un psiquiatra. En realidad la película está llena de síndromes clínicos expuestos de tal forma por Ray que son fácilmente reconocibles.Ya en la primera escena, en una filigrana cinematográfica, Ray presenta a los tres protagonistas en una misma secuencia e incluso, alguna vez, en un solo plano. Las familias, o lo que queda de ellas, también tienen una aparición temprana. Hoy se llamarían desestructuradas. En realidad todo el cine de Ray está lleno de este tipo de personajes.
Ray jugaba fuerte, siempre lo hizo excepto al final de su vida profesional en que cedió al diablo, Samuel Bronson, y dirigió en España Rey de Reyes y Cincuenta y cinco días en Pekín. Pero previamente había dirigido buenas películas y algunas muy buenas.
Por mencionar algunas En un lugar solitario en la que Humphrey Bogart interpreta a un trasunto del mismo Ray con el contrapunto de Gloria Grahame; Johnny Guitar un western atípico pero que hoy es una película de culto; Chicago año 30, más personajes típicos de Ray de difícil encaje: Robert Taylor y Cyd Charisse.
Al autor de la música no lo conozco.

LOS PROFESIONALES (The Professionals 1966)

Hoy, un western, o mejor dicho un subgénero llamado western crepuscular. No es nada que conlleve demérito es solo la forma de denominar al western clásico cuando se cuentan sus años finales: han aparecido las ametralladoras, el telégrafo, los automóviles, los trenes llegan a su hora... Un momento triste para los que han vivido los tiempos difíciles, para ellos no llegan los tiempos modernos sino el final de su modo de vida de siempre. El paradigma de este subgénero es Duelo en la alta sierra o también podría serlo Grupo salvaje ambas de Sam Peckimpah.

Los profesionales es una película típica de este género. A cuatro especialistas en diversas habilidades se les ofrece un trabajo peligroso de acuerdo con ellas. No tienen nada que perder y es su último tren. Está basado en una novela de un tal O'Rourke que más parece el nombre de un personaje de Ford.
El resto es mérito del director Richard Brooks, posiblemente el director americano de Hollywood más culto. Suyas son: La última vez que vi París, de Scott Fitzgerald, Los hermanos Karamazov de Dostoyewski, La gata sobre el tejado de zinc y
Dulce pájaro de juventud ambas de Tennesse Williams, El fuego y la palabra de Sinclair Lewis, Lord Jim de Joseph Conrad y A sangre fría, de Truman Capote.
La película, aparte de otros méritos, está llena de citas memorables: graffitis de Viva Villa cuando Villa= Revolución. Frases P.¿Qué revolución? R. Solo hay una, siempre la misma. El problema es saber quiénes son los buenos y quiénes los malos. A la pregunta de qué tal es el personaje de Claudia Cardinale: Una mujer capaz de hacer de un niño un hombre y de un hombre un niño.

                          Los profesionales y un jarrón

El reparto es magnífico. El personaje de Lee Marvin respira autoridad, Burt Lancaster y Jack Palance se lo pasan como niños con sus papeles de aventureros, Robert Ryan y Woody Strode son el contrapunto: Taciturnos y silentes, Claudia Cardinale como jarrón chino.
El autor de la música es un grande: Maurice Jarre, Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago, Mad Max la cúpula del trueno, El hombre que pudo reinar...
Spoiler: Los profesionales acaban con el corasón partío. Al fin y al cabo, Raza=Revolución.

LA PANTERA ROSA (1963 The Pink Panther)

La Pantera rosa es una de mis películas favoritas. Cierto que ha envejecido un poco pero sigue siendo una buena película porque es el compendio del cine de humor que se hacía en aquellas fechas. 

Es la afortunada conjunción planetaria cósmica de dos personalidades irrepetibles: el director Blake Edwards y el actor Peter Sellers. Edwards ponía al día la clásica comedia de los primeros tiempos: carreras, golpes, malentendidos, puertas de pasillo que se abren y se cierran... Todo con fundamento. Miembro de una familia de cineastas, su padre dirigió películas de cine mudo, Edwards vivió muchos rodajes, participó en otros muchos como actor sin nombre y sin parlamentos, escribió muchos guiones y después de este rodaje cinematográfico comenzó a dirigir para la televisión. Tuvo pues, una escuela formidable. Su camino como director a pesar de proceder de los thrillers de la televisión está marcado por la comedia. Fue un maestro del tempo. En los gags, que en el lenguaje del cine hace mención de los chistes cortos, hay que sostener el que tiene gracia, pero sin pasarse. Edwards lo bordaba. Como ejemplo valga una de las escenas finales: la persecución automovilística alrededor de la fuente que el mismo había visto rodar siendo joven.

Sellers era un actor ingles procedente de esa gran fábrica que fue la Ealing: ya lo entrevemos en El quinteto de la muerte.  De ahí para arriba hasta que se encuentra con Edwards en una película, La pantera rosa, en cuyo reparto no figuraba al principio y en la que la cabecera de cartel eran David Niven, Claudia Cardinale y Capucine. Capucine no era actriz, era Top Model (*). Cardinale no era una gran actriz y Niven ponía su eterna imagen de gentleman y poco mas. Sellers llegó a interpretar en una misma película, Telefono Rojo, varios personajes como había hecho Alec Guinness en Ocho sentencias de muerte.

Surge la conjunción Edwards/Sellers y resulta el inspector Clouseau, que es una revelación, se come a la pantera rosa y al resto del reparto y aparece un mito rentable cinematográficamente: secuelas hasta decir basta. Edwards/Sellers no piensan que es casual y en medio ruedan otra desternillante película ajena al tema: El Guateque. Aquí la maestría de Edwards en el uso del tempo llega al máximo.

Ambos forzados por el tema económico rodaron varias secuelas pero, ya no era lo mismo.
La música es un punto y aparte. Henry Mancini compuso el famoso tema de La pantera rosa, pero también está en todas las películas de Edwards y por supuesto en las de la serie. Aunque también compuso para otros directores, el culmen de este simbiosis entre ambos está en el tema Moon River de la película Desayuno con diamantes.
(*) Posiblemente, Edwards la eligió para lucir los trajes de Yves Saint-Laurent que compraba con el magro sueldo de su marido, el inspector Clouseau. A Audrey Hepburn en Desayuno... la vistió Givenchy.
P.D. La marca de fabrica de Edwards en sus comedias está en el
rodaje de una fiesta o mas. Sucede también en La pantera rosa pero el record lo tiene con El Guateque en el que la fiesta ocupa toda la película. 
ADDENDA: Ha fallecido George Kennedy un grande en el cine y la televisión, casi doscientas películas.

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939 Gone with the Wind)

La película de las películas. Aunque han pasado setenta años de su estreno, en el imaginario colectivo sigue siendo todo un hito de popularidad. Conforme con que no es la mejor película de la historia del cine, que ni siquiera está entre las primeras, pero ahí está, pasado todo este tiempo y su frecuente reposición en televisión no hace mas que aumentar el numero de seguidores.  En conjunto queda como una gran leyenda formada por multitud de pequeñas leyendas. Es muy difícil con el paso de los años descubrir cuál de todas las leyendas es verdad: la mayoría de los protagonistas ya no existe. Para empezar la obra base: el libro (todo un tocho) del mismo título Lo que el viento se llevó de la autora sureña residente en Atlanta Margaret Mitchell publicado en 1937. Lo interesante del caso es  que la Mitchell, que era periodista, solo escribió ese libro que ganó el Premio Pulitzer de ese año. Es el mismo caso de otra autora sureña que acaba de fallecer, Harper Lee, que nada mas escribió un libro: Matar a un ruiseñor, que también recibió el Pulitzer de 1961 y se convirtió en una otra gran película. Para más coincidencia ambas de ambiente sureño. Comienza la leyenda, Margaret Mitchell falleció en las calles de Atlanta atropellada por un vehículo público, escena similar a la que le ocurre a la protagonista de la película. Compró los derechos el productor David O`Selznick que estuvo dos años rumiando y poniendo en marcha diversos factores de la película y, ya empieza la leyenda, rodando partes de ella. Porque otra de las leyendas de la película es la presencia, no en lo créditos, de varios directores. Entre los más famosos, Sam Wood, George Cukor y Victor Fleming que fue el que al final, firmó la película. La leyenda dice que el productor O`Selznick en el interregno entre la firma de los derechos y el comienzo del rodaje, también filmó, eligió decorados, influyó en el reparto etc. Gran parte de la película lleva el sello de O`Selznick. Otra de las leyendas es el reparto. Poco discusión en el papel de Clark Gable que prácticamente fue por aclamación, aunque no era el primero de los candidatos. Para el de Escarlata si que hubo problema: fueron probadas más de mil aspirantes entre ellas la mayor parte de las actrices de Hollywod ya consagradas.

                              MAGNOLIA DE ACERO Finalmente por deseo de O`Selznick recayó en la poco conocida en aquellos momentos Vivien Leigh, nacida en la India y que tuvo que usar una acento sureño. De aquí a la eternidad. Escarlata es una auténtica magnolia de acero a la que se opone en el reparto Olivia de Havilland, buena actriz, pero en la película ella y Leslie Howard parecen soft a su lado. Digo en la película porque el libro no he tenido pundonor para leerlo. Del resto del extensísimo  reparto, Thomas Mitchell un secundario que normalmente le roba las escenas a los protagonistas, Ward Bond representándose a sí mismo y el doble de Clark Gable, y el mejor especialista que ha habido, Yakima Canutt que sobrevivió a ciento ochenta peligrosas películas en su haber. Como película grandiosa, tiene varias escenas colosalistas, como el plano impactante de la estación de ferrocarril de Atlanta hecho con unos cuantos figurantes y mucho ingenio. O a celebérrima destrucción de la misma Atlanta que se rodó a costa de hacer arder los decorados de King Kong (1933). Nada que ver la versión poco menos que idílica de la esclavitud que nos ofrece la película con la mas realista, un pelín cargada, de

Django desencadenado o la de los caballeros del Ku Kux Klan.

La música es del compositor austriaco Max Steiner que está de una forma u otra en la banda sonora de cuatrocientas películas, entre ellas King Kong (1933), Casablanca y Centauros del desierto. Aparte de su amistad con O'Selznick era toda una garantía para una superproducción.

CUANDO RUGE LA MARABUNTA (The Naked Jungle 1954)

Cuando ruge la marabunta es el más comercial de los tres títulos. Sirvió para atraer público a la película, nadie sabía que era la marabunta ni si era capaz de rugir. Para un público desinformado sin twitter y Whatsapp o como se diga, un autentico imán. Claro que venía precedido por el título original The Naked Jungle (La jungla desnuda) que introdujo la leyenda que la plaga era de mujeres desnudas que se arrastraban y que la versión española con las hormigas no era la auténtica. Más público. El del relato original Lenningen contra las hormigas obra de un escritor centroeuropeo casi desconocido era bastante anodino. Bien por el cambiador.

Se trata en realidad de un problema de hormonas disfrazado de película de aventuras: un Charlton Heston, subiendo a la cumbre, vestido en forma de finas gotas de testosterona choca con una pelirroja, ¿que tendrán las pelirrojas? Eleanor Parker: Hechuras de seda con núcleo duro de acero.

Del reparto solo William Conrad, una cara familiar pues participó en más de cien películas, con o sin su bigote característico, mató a Burt Lancaster en su primera película; dirigió alrededor de treinta para televisión y hasta tuvo serie propia incorporando a un detective: Cannon, más de cien episodios.

El envoltorio es una país sudamericano de opereta habitado por indígenas de guardarropía barata.

De la música poco puedo decir. A pesar del aparatoso nombre del compositor, Amfitheatrof, poca inspiración puede haber en un ataque de hormigas enloquecidas. La otra parte tampoco facilita la inspiración: la química entre la Parker y Heston es nula quizás por exigencias del guión.

                              ¿POCO FEELING?

La elección del director en principio es acertada. Como director lo fue de cuarenta películas: De la Tierra a la Luna, La conquista del Espacio, La guerra de los mundos etc. La mayoría con un componente futurista lo cual requería un nivel de conocimientos artesanales que Byron Haskins poseía. Aparte de su labor como director trabajó en más de cincuenta películas, para otros directores, como encargado de efectos especiales que en aquellos tiempos dada la limitación de medios se llamaba simplemente trucaje. Con el componente fantástico de la marabunta  se pensó en Haskins como la persona adecuada para las dos facetas. Cierto es que hubo otra persona, que ni siquiera figura en los créditos, encargado de las hormigas pero todo hace pensar en la supervisión de Byron Haskins.

Una entretenida película de aventuras con el aliciente de un Heston es ascenso y una Parker que siempre daba bien.