MOGAMBO (1953)

 Mogambo es una comedia dirigida por John Ford. Digo bien, comedia. El director habitual en otros géneros se prestó a dirigir esta película totalmente fuera de su estilo y que resultó bien de cara a taquilla. Menciono estas cosas porque es lo que en el argot se llama una película alimenticia: los directores las hacen para obtener fondos para rodar las que verdaderamente les interesan. Además Ford se permitió unas semanas en África y por las leyendas (lo suyo son leyendas) que circulan del rodaje que son numerosas, con su punto picante y su socarronería, debieron parecerse mucho a unas vacaciones. Encima le salió una buena película.

Los problemas como siempre comenzaron con el casting. Clark Gable había rodado unos años antes la película Tierra de pasiones que tiene el mismo relato base e incluso el mismo guionista, interpretando el mismo papel. Hay ligeras variantes: esta se sitúa en el sudeste asiático, el orden jerárquico es diferente pero la esencia es la misma. De todos los chismes, rescatar que Ford había solicitado a Maureen O’Hara para el papel de Ava Gardner y se las tuvo tiesas con esta. Finalmente Grace Kelly, que antes de Mogambo solo había rodado series de Televisión y Zinneman la había minusvalorado en Solo ante el peligro.

Pero estos son anécdotas del rodaje aptas para menores. Lo que se presenta como aventuras africanas son en realidad un triángulo amoroso en el que el gran cazador blanco quiere obtener otro trofeo, esta vez rubio y dengue y se encuentra una pantera morena que se lo come. Se lo come porque el triángulo se decanta por el mayor peso especifico del personaje de Ava Gardner (osito de miel entre su circulo de amistades). Gable se interpreta a si mismo como es habitual, Kelly está insegura como debutante que era y con un ogro como Ford de director, pero Ava Gardner se los come a los dos y un poco a Ford.

Ford puso su sapiencia cinematográfica  en esta parte de la película: atardeceres románticos, cantos y coreografías tribales, presentación de personajes (su especialidad), en fin, unas vacaciones. Hay otra parte de la película, pequeña, de aventuras. Para ella contó con el mejor, su amigo Yakima Canutt. Este había sido en sus principios el doble de John Wayne, de ahí pasó a especialista (la escena de la persecución de La Diligencia ), a dirigir secuencias de segunda unidad (carrera de cuadrigas de Ben Hur) etc. Ford le dio en Mogambo las escenas de los gorilas y animales salvajes y los dos quedaron muy bien.

El gran cazador blanco.

                                                                    Dos por uno.

Apenas hay música en la película, una canción tarareada por Ava Gardner y varias actuaciones tribales autenticas. En ocasiones se ha comparado Mogambo con Hatari! otra película de aventuras africanas dirigida por otro buen director que sintió la tentación de rodar en África, Howard Hawks. Son distintas, esta última es una película de aventuras y la comedia (no puede ser otra cosa) se reduce al cortejo de un provecto John Wayne a Elsa Martinelli. Ambas coinciden en los números del elefantito y la canción de las intérpretes. Gana Ava.

Cazador blanco y mujer casada

Cazador blanco y osito de miel.

En fin, una buena película, en la que la critica en un principio reacia, se acerca al público.

P.D. Al parecer en algún lenguaje centroafricano, Mogambo quiere decir pasión o palabras de amor.

P.D. 2.-Hay una anécdota muy conocida que me resistía a incluir pero que no todo el mundo sabe. Cuando la película se estrenó en España hace 60 años existía un organismo oficial que se llamaba Censura y que se dedicaba a proteger a la población de influjos perniciosos: una especie de la quema de libros de Hitler pero algo mas fino y sibilino. A quien le tocó en turno Mogambo, no se le ocurrió nada mejor que mediante cambio de diálogos y alteraciones en el montaje hacer aparecer a Grace Kelly y su marido como hermanos: transformó un adulterio en un incesto. Como siempre en lo que respecta a Ford hay mucha leyenda pero hay quien dice que aún se oyen en su tumba las carcajadas de cuando se enteró.
P.D.3; ha fallecido Elvira Quintillá la maestra de Bienvenido...
P.D.4;Entre las lecturas veraniegas,leo en una biografia de John Ford Imprime la leyenda que cuando le preguntaron sobre Mogambo , contestó : Es una película sobre tetas y tigres.

REBECA (1940)

 A Patricio,que conoce Manderley como su propia casa.                    

“Anoche soñé que volvía a Manderley”. La misma frase, muy conocida, encabeza una película y una novela. La película pertenece a Alfred Hitchcock, la novela a Daphne du Maurier. Du Maurier era una célebre novelista inglesa entre cuyos antepasados estaba su abuelo, George du Maurier célebre por un solo personaje, el inquietante Svengali, llevado al cine en varias ocasiones con el titulo de Trilby. Su nieta Daphne, célebre por Rebeca es también la autora del relato base de otras dos películas de Hitchcock: La posada de Jamaica y Los pájaros. Digo lo del relato base porque Los pájaros literario son apenas unas páginas de las que D. Alfred tomó la idea. Por si alguien tiene curiosidad, en el relato tampoco se explica la aparición de las aves. Hitchcock acuñó un término,  McGuffins, que definía aquellas cosas que no tenían explicación en sus relatos pero que los hacían progresar; algunas veces abusaba de ellos. Du Maurier fue una escritora victoriana por la época con toques y personajes inquietantes del estilo del abuelo.

                                            Dramatis personae

                                  Omnipresente señora Danvers

Alfred Hitchcock era un director inglés que en un momento dado se pasó a los Estados Unidos de América; Rebeca es la primera película del ciclo americano del director. Aunque la acción simula escenarios y personajes ingleses, la localización de la película se hizo en Estados Unidos: paisajes, decorados, producción etc. son americanos. Quizás por darle más verosimilitud, los actores son todos ellos ingleses o lo son sus ancestros, con lo que el lenguaje (hay diferencias entre el idioma ingles de las Islas y el que se habla en América) era mas creíble.

La película carece de una de las señas de identidad que lo habían hecho célebre y que lo seguirían haciendo en lo sucesivo: el suspense. Hay, eso sí, un ambiente gótico que se lo dan el decorado de Manderley y los personajes entre victorianos y góticos, hay misterio, intriga, sorpresas, opresión, tortuosidad etc.

La novela es muy prolija en cuanto a descripciones que el genio visual del director nos  imbuye en trazos, claroscuros, contraluces etc y en cuanto a diálogos que en ocasiones se trasladan íntegros a la pantalla.

                                                 Omnipresente Hitchcock

                                      
                                         Manderley

El reparto es desde siempre uno de los fuertes de Hitchcock. Se ha discutido mucho el personaje de Maxim de Winter, pero Laurence Olivier está considerado como el mejor actor shakesperiano de todos los tiempos. Joan Fontaine, hermana de Olivia de Havilland hace el papel de su vida, y, quizás, porque su nombre no se pronuncia en el relato, será siempre Rebeca. Qué decir de la Señora Danvers, un nombre que perseguirá a Judith Anderson a lo largo de su carrera. El resto: George Sanders es un villano habitual con clase, Aubrey Smith y Leo G.Carrol unos característicos de los que no fallan y que además de buenos intérpretes, dan el tipo british. Si no lo supiéramos quién no diría que es una típica película inglesa.

Es una muy buena película, sigue siéndolo a pesar de sus casi setenta y cinco años.

• P.D. :Anoche soñé que ardía...el blog. De una tacada Peter O'Toole, Joan Fontaine y Lolita Sevilla .Seguramente sus fantasmas irán a habitar a las ruinas de Manderley, sobre todo el de la Fontaine.

UN RECUERDO AGRADECIDO...

Por orden de defunción:

PETER O´TOOLE:

Lawrence de Arabia

Beckett

Lord Jim

El león en invierno

Adiós Mister Chips

El hombre de la Mancha

Svengali (Tv)

Troya…

JOAN FONTAINE

Rebeca

Sospecha

Carta de una desconocida

Ivanhoe

Una cierta sonrisa

Suave es la noche…

LOLITA SEVILLA

Bienvenido Mister Marshall…

Gracias a todos ellos.

VÉRTIGO. DE ENTRE LOS MUERTOS ( Vertigo 1958)

Había que hacerle un hueco entre las películas aquí comentadas a una tan célebre como Vértigo. Muchos aficionados la han visto, otros no y algunos, incluso, la han entendido.

El motivo de traerla es una votación. Periódicamente, cada cierto numero de años, los críticos con mayor peso específico votan un listado de las mejores películas de la historia del cine. Durante muchos años invariablemente el primer lugar lo ocupaba Ciudadano Kane de Orson Wells. Es una obra muy importante que cambió el modo de rodar películas; a pesar de contar solo con veinticuatro años y ser su primer film, las innovaciones sobre fotografía, profundidad de campo, el modo de narrar al personaje desde diferentes testigos, alguna virguería en cuanto a la colocación tradicional de los títulos etc., la convirtieron en una película rompedora a la que se añadió el morbo de que el personaje representado era una figura pública muy conocida: el magnate Hearts. Ciudadano aguantó muchas votaciones en el podio y fue sustituida, cosa insólita, por un Western de John Ford, Centauros del desierto, una obra maestra que ha durado poco. La ha sustituido en el favor de los críticos Vértigo, de Alfred Hitchcock.

                                                   
                                                                   Vértigo virtual

                                                Vértigo físico

No es que Vértigo no tenga méritos; procede de una novela de los escritores franceses Boileau-Narcejac que escribían a dúo y, aparte de De entre los muertos, son autores también de las obras base de Las diabólicas y de Ojos sin rostro. Hubo cierta controversia sobre la autoría en los primeros momentos.

Es una película con todas las marcas de fábrica de Hitchcock: aparece él, aparecen sus famosas transparencias, la música es de su habitual Bernard Herrmman que ya había colaborado en Ciudadano Kane, el suspense es llevado al limite, y también está la cuestión de las rubias. Hay toda una leyenda sobre la atracción que un determinado tipo de rubias (altas, delgadas, con clase) ejercían sobre el director. Basta ver sus repartos Janet Leigth, Doris Day, Tippi Hedren, Grace Kelly, Eva Marie Saint etc.

Para Vértigo una rubia con todos los requisitos: Kim Novak aunque no era la primera elección pero por su físico el papel le venía como un guante. Y aquí viene la mano de Don Alfred: en uno de sus papeles, Kim es morena. James Stewart, que en la película es el alter ego del director, la transforma meticulosamente de una forma tiránica, incluso con un TOC (Trastorno Obsesivo Compulsivo) en su ideal.

 
                                                                 Cuco don Alfred

                                          
                                                Jim y Kim: FIN

Aún así, Kim Novak está infinitamente mejor tratada en la película que rodó ese mismo año con la misma pareja, James Stewart, Me enamoré de una bruja. Quizá se debiera a la relación especial que Kim mantenía con Richard Quine, el otro director.

Esta relación peculiar con el reparto femenino está tratada de forma pasajera en la película Hitchcock (2012), que trata a fondo la relación del director con su esposa y guionista en la vida real, Alma Reville. La acción de la película, para darle un poco de morbo, transcurre durante el rodaje de Psicosis. Porque Hitchcock, aparte de Vértigo y Psicosis, es también el autor de  La ventana indiscreta, Rebeca, El hombre que sabía demasiado, Con la muerte en los talones. Una de sus primeras películas se titula El enemigo de las rubias. Que coñón era  Sir Alfred.

Resumiendo si la votación hubiera sido popular y no de la crítica, me parece que esta se hubiera dado con un canto en los dientes.

P.D. Hitchcock (2012) solo para los muy fans del director.

EL HOMBRE TRANQUILO ( The Quiet Man 1952)

Es una película de John Ford, el hombre que se definió a si mismo como que hacía westerns. Y en efecto , dirigió los mejores westerns de la historia del cine, pero también dirigió otras perlas como El delator, Mogambo, Que verde era mi valle, y El hombre tranquilo.

Indudablemente fue un empeño personal del propio Ford unir en una misma película su tierra natal, los Estados Unidos de América, y la tierra de sus ancestros, Irlanda, y se dió un homenaje que todos le agradecemos.

Cierto es que nos presenta una Irlanda bucólica y edulcorada; sus habitantes son personajes entrañables en la que hasta los representantes locales del IRA son miríficos jovencitos ataviados de niños de Primera Comunión, el problema religioso es un sainete, no hay problema social etc... Ford eligió un pueblo típico para sus intenciones que no es un decorado, el llamado Inisfree existe y es visitado anualmente por aficionados al cine. De repente un extraño. John Wayne un nativo emigrado vuelve forrado y la paz desaparece a varios niveles. Casualmente el nombre de Wayne en la película es Sean, el mismo nombre de pila de Ford antes de cambiar a su nombre artístico por el que sería mundialmente conocido.

                                                           
                                                                 La fierecilla... 

                                              ...enamorada.                       

Si hablábamos de Romeo y Julieta respecto a West Side Story, podemos hablar de La fierecilla domada en el origen remoto de esta película. La fierecilla es la mejor Maureen O’Hara: pelirroja, peleona cuando el relato lo requiere, dulce y romántica cuando hace falta y con una química visible con John Wayne. Él representa la parte estadounidense de la película. Ford los volvió a usar de pareja en varias películas . A modo de anécdota ,contar que el director Andrew McLaglen, hijo de Victor McLaglen y presumiblemente asistente a muchos rodajes de Ford con su padre, los volvió a juntar, un poco mas añejos, en El gran McLintock .

Y ahora a propósito de los McLaglen, la historia menos conocida de los rodajes de John Ford .El director tenía un núcleo de actores que de una u otra forma figuraban en la mayor parte de sus rodajes hasta el punto que fueron llamados La Compañía Estable de Ford. Cómo no, empezar por John Wayne. Ford lo hizo una estrella con La diligencia y lo siguió utilizando en westerns, comedias, películas de guerra etc. Al final hizo de él un buen actor: a su sombra Maureen O’Hara dulce pero no sumisa. En la película aparecen varios de los componentes de la Compañía Estable, el primero Ward Bond ,el padre Lonergan en la película, y tan habitual que en Escrito sobre el viento interpreta al propio John Ford. Otro habitual es Victor McLaglen, en la película hermano de Maureen O’Hara, pero para siempre el intérprete de El delator con el que ganó un Oscar y el sempiterno Sargento de Caballería a las ordenes del capitán Wayne. Otra anécdota; se dice que ellos, los machos alfa del rodaje, se reunían los fines de semana en el rancho de alguno de ellos para jugar a los naipes, beber whisky y fumar puros: normal, ¿no? Pero lo hacían vestidos de cow boys y hasta con espuelas.

                                                   
                                                               El casamentero
                                                              

                                    Parte de la Compañía Estable

Forman parte de la Compañia Estable : Barry Fitzgerald ,en la película el feliz casamentero oficial del pueblo" Michelyn Flynn", Mildred Natwick la viuda, el hermano de Ford, Francis Ford, el señor de la barba.

No formaban parte de la Compañía pero también aparecen en la película como figurantes los hijos de John Wayne :Melinda, Toni, Michael y Patrick Wayne. De ellos, Patrick (vaya un nombre mas irlandés) seguiría la carrera de actor y actuaría junto a su padre y Ward Bond en Centauros del desierto.

Una gozada de película.

PD. También se puede incluir en la Compañía Estable a una tribu india, creo que navajos, que Ford requería siempre para sus Westerns , y que lo hicieron hijo adoptivo de la tribu .

Mix de los hermanos Marx

A Maria que creció con ellos.

Los comentarios que vienen a continuación son un pequeño barullo. Sirva este pequeño barullo como homenaje a los inclasificables Hermanos Marx. Comenzando por su número ¿Fueron cinco? ¿Fueron cuatro? ¿O quizás tres?

Fueron cinco en principio: Groucho, Chico, Harpo, Zeppo y Gummo. Los dos últimos formaban parte del anterior mundo de los Marx, el Music Hall, Varietès, Vodevil  o lo que se presentara: uno intelectual y el otro un cantor que, bajo los cánones de hoy, era bastante empalagoso. Comenzaron los cinco en el cine pero el terceto definitivo se desprendió de la escoria (dicho sea en el sentido académico de la palabra) que iba bien para el género anterior pero lastraba las posibilidades en el cine. Aún aparecen en las primeras películas y a mí, me parecen insoportables pero también hay que reconocer que en esos números musicales estaba el germen de lo que luego sería el cine musical.

De los tres restantes, Groucho (que al parecer es una variante de gruñón) llevaba la voz cantante y no paraba de hablar; Harpo (en ocasiones tocaba el arpa) no hablaba nada pero se expresaba con silbidos, toques de bocina o cualquier otro medio sonoro que el tercero; Chico se encargaba de traducir. Chico en ocasiones tocaba el piano ya que los tres tenían conocimientos musicales.

                               ¡Pasen,pasen,aún hay sitio!

                                       
                                 ¡Mas madera,mas madera,es la guerra!

El guión, qué risa, existía poco. Los tres hermanos actuaban como lo hacen en la actualidad los grandes equipos de fútbol: de memoria.. Llevaban juntos toda la vida viviendo y actuando.Cada uno sabía de las habilidades de los otros y centraba al hueco para que el otro rematara.

Las películas son muy irregulares; las primeras son prácticamente puestas en escena de los espectáculos de que provenían, se pueden olvidar pero siempre hay alguna escena memorable: Los cuatro cocos( 1929) y El Conflicto de los Marx (1930).Con un status bien ganado, los Estudios los apoyan y tienen buenos directores, llegan  Pistoleros de agua dulce (1931)  y Plumas de caballo (1932)de Norman McLeod, Una noche en la Ópera (1935) de Sam Wood es para  muchos el culmen de su obra, seguirían Una tarde en el circo (1939),Los Hermanos Marx en el Oeste (1940)y Tienda de locos (1941).

Y empiezan los problemas, separación, problemas artísticos, tragedias económicas por ludopatía y reuniones forzadas por las circunstancias que aún dan lugar a Copacabana (1947)  y Amor en conserva (1949). Pero ya no es lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido escenas como la del camarote (Pase, pase, aún hay sitio…), la de las taquillas de las carreras (la primera parte contratante…), la de la quema del tren, (más madera…),permanecen en la memoria común.

                               No se porqué Usted me recuerda a Usted.

                                          La Primera Parte Contratante...

Queda el cuarto hermano Marx: Margaret Dumont: si hombre, sí, esa señora estrafalaria normalmente millonaria de la que Groucho hace astillas constantemente sin que ella se inmute. Aparece en varias películas imperturbable a las atenciones que con ella tienen los hermanos Marx.

Ha pasado casi un siglo de sus primeras películas y siguen vigentes. Pero los Hermanos Marx ya no están y sus seguidores no han podido seguirlos, no han tenido continuidad. Únicamente Groucho aguantó unos años mas en solitario actuando en películas, en un programa de televisión y escribiendo unas memorias que no hay que creerse. Como no hay que creerse que en su lápida figura aquel epitafio de Perdonen que no me levante, pero si non è vero, è ben trovato.   Queda la huella imperecedera que algún crítico ha definido como comicidad marxiana y que en realidad se trata de un mundo okupado por una acracia feliz

P.D. ¡Vivan los Hermanos Marx!

LAWRENCE DE ARABIA (1962)

Vamos a dividirla en dos partes o aspectos: la película y el personaje. La película no tiene un solo pero, una superproducción de las de antes con actores, decorados y sin efectos digitales. Comenzamos por el director David Lean que se dio a conocer para la critica con una película minimalista Breve encuentro (1945) exquisita dentro de su modestia y que seguiría con películas modestas muy apreciables, hasta llegar a sus tres bombazos consecutivos: El puente sobre el río Kwai (1957),la que nos ocupa Lawrence de Arabia (1962) y Doctor Zhivago (1965).Su vida cinematográfica terminaría con otras dos películas muy apreciables: La hija de Ryan(1970)y Pasaje a la India (1984).Todo un currículo.

Seguimos con un reparto antológico: Peter O´Toole en su lanzamiento que completaría con Beckett(1964) y Lord Jim(1965),Omar Shariff otro casi debutante que venía de la cinematografía árabe, el siempre seguro Alec Guiness, Anthony Quinn tan convincente de árabe como de bandido mejicano, Jack Hawkins eterno militar británico y Claude Rains listo para partir de Damasco a Casablanca…La lista es mas larga y hay varios actores de reparto españoles puesto que la película se rodó en España.

El lado Amable

El lado Oscuro

La música que se sigue escuchando con agrado es de Maurice Jarré que procedía de la cinematografía francesa y que Lean repescaría para otra banda sonora inolvidable, la de Doctor Zhivago y de ahí, imparable hacia arriba.

Los decorados son España y la mayor parte Sevilla en los que se rodarían episodios de La guerra de las galaxias y alguna otra película más bien olvidable.

De la maestría de Lean no hay duda pero si de la autoría de algunas de las escenas de masas más célebres como la partida y el asalto a Akaba; normalmente ese tipo de escenas corren a cargo de la Segunda Unidad, en esta película a cargo de un buen director: André de Toth.

Niño con disfraz

                                      Jugando con fuego

Queda el personaje Lawrence ya muy controvertido en su época como se puede apreciar en la escena del funeral. Se discutió incluso su propia muerte , la película no toma partido, : accidente o suicidio.

Porque Lawrence fue un personaje muy complejo, aparte de su actuación en la guerra, más política que militar. Lawrence explica en su obra Los siete pilares de la sabiduría, en las que se basa el guión de la película, sus antecedentes como explorador y arqueólogo que justificarían su apego al mundo árabe.

Pero hay infinidad de facetas mas, que unas veces se sugieren y otras se explicitan: el masoquismo de la escena de la cerilla que Lean empalma magníficamente con la salida del sol en el desierto; el sadismo en el ataque a la retaguardia del ejercito turco, que hasta un “salvaje” Omar Shariff, tiene que detener; la bastante explicita situación sexual con el Bey turco; su relación ambigua, en la película, con los dos adolescentes árabes que hacen de criados; su narcisismo en la escena que corretea por el desierto haciendo ondear su vestimenta árabe; su exhibicionismo sobre el tren atacado que le cuesta una herida y no muere porque Anthony Quinn si estaba a lo que estaba; misogínia, no hay una sola actriz en el reparto…

¡Que gran película!

P.D. Ha sido sometida a un lifting, restauración, remasterización ectra y de ello, todo un honor, se han encargado dos grandes directores Martin Scorsese y Steven Spielberg, ambos fans declarados de la película. Gracias como espectadores.

WEST SIDE STORY (1961)

Hay un dicho popular, según el cual, la derrota es huérfana pero la victoria tiene muchos padres. En el caso de West Side Store se cumple pues tiene tres padres. Sin orden de relevancia, el primero es Robert Wise, un director que es medio director porque fue el encargado de las escenas interiores de estudio, las que no son de acción. El Oscar lo compartió con Jerome Robbins, el coreógrafo. Robert Wise no fue un director de relumbrón pero venía de dirigir El Ladrón de cuerpos (1945) basada en una obra de Robert Luis Stevenson con Boris Karloff y Bela Lugosi, Ultimátum a la Tierra (1951) una buena película pionera del género, Marcado por el odio (1956) una correcta película de boxeo, para quien le guste el género, con una gran interpretación de Paul Newman. Más tarde dirigiría películas tan importantes como Cualquier día en cualquier esquina (1962), Sonrisas y lágrimas (1965) (un musical diferente),  y Star Trek (1979). No era un relleno en el equipo, sabía muy bien lo que se llevaba entre manos.

La otra parte del dúo y del Oscar era Jerome Robbins. Robbins fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los tres años y musicalmente fue discípulo del célebre Balantchine, había sido bailarín profesional, tomó parte en la coreografía de Un día en Nueva York  y trabajó con el mundialmente conocido bailarín y coreógrafo Bob Fosse (Cabaret, 1972). Se hizo cargo de las escenas de exteriores y los ballets de West Side Story revolucionando el musical. Tuve la suerte de asistir a su estreno y nunca podré olvidar el impacto en el público ese día  con los primeros compases atronadores y el primer ballet al aire libre: algo nunca visto.

La tercera pata del trípode fue Leonard Bernstein, el compositor de la música imperecedera de la película. Tampoco Bernstein era un desconocido, había firmado la música de Un día en Nueva York (1949) y  La ventana indiscreta (1954), pero lo que verdaderamente le había hecho popular entre el público americano eran los conciertos didácticos que daba en televisión para jóvenes: Young People’s Concerts.

El mérito de Bernstein en West Side Story, aparte de la calidad y la orquestación es la variedad de los temas, desde ritmos latinos a baladas o al sincopado baile del gimnasio. No sé a quién de ellos atribuir la crítica social de la canción/baile América que llevó a un crítico a escribir que era el primer musical/social de la historia del cine. La mayor parte de la banda sonora sigue siendo muy popular. Hay un doble CD de ella dirigido por el propio Bernstein, pero la interpretación está a cargo de voces muy cultivadas como Kiri Te Kanawa  y José Carreras que suben la calidad pero le bajan la autenticidad.

Queda algo importante en la película: los decorados. Los interiores correctos como en toda superproducción pero los exteriores fueron rodados en un barrio que se iba a derruir para reedificar; claro está que hubo que retocarlo para dar la sensación de que aquellas pandillas vivían allí pero los picados y contrapicados de las cámaras dieron un fondo idóneo para redondear el espectáculo.

Queda la parte más floja de la película: el reparto. Evidentemente es difícil encontrar bailarines de diferentes ritmos que encima sean buenos actores. Para las canciones no hubo problema porque fueron doblados pero los bailes…Rita Moreno estaba en su salsa (perdón por el chiste fácil), Chakiris tenía nociones de baile y antecedentes, pero el resto no. De ellos sobrevivieron Natalie Wood (perdón otra vez por otro chiste fácil) una gran actriz, Rita Moreno buena actriz y bailarina,  recibió un Oscar por esta película, que ya  aparecía en Cantando bajo la lluvia  y que aún sigue en activo, Chakiris en películas serie B y Richard Beymer  en seriales de la TV.

EL MUSICAL(1)

                                

Hay dos géneros cinematográficos inequívocamente americanos (como el Marlboro, si sigue existiendo), el musical y el western. El musical es un género muy del gusto americano y con pocos adeptos en el extranjero. Tuvo una época dominada por el baile (Fred Astaire) y las coreografías caleidoscópicas (Busby Berkeley) y un alma mater que fue Brodway, la zona de teatros de Nueva York: si triunfaba en Broadway pasaba al cine. En los primeros tiempos en blanco y negro eran prácticamente todo bailes y coreografías por sonido más bien defectuoso. En el resto del mundo no gustó. El probablemente mejor compositor de su generación, Jerome Kern, es el autor de Roberta (1935) con su hit El humo ciega tus ojos que sigue apareciendo en La bamba (1987), Good Morning Vietnam (1987), Always (1989), American Graffitti(1973),Cuatro bodas y un funeral(1994).Ya en el resurgir del musical, es el compositor de Magnolia (1951) posiblemente el mejor musical de todos los tiempos, aunque no el más conocido. De él, su gran tema Old Man River, figura en el repertorio de Frank Sinatra. Aparte de Kern, seguramente el mejor y el más prolífico de todos, están Irving Berlin, Cole Porter, Hammerstein, Lerner…

 En las décadas de los años 40 y 50 se produjo la eclosión, una  generación irrepetible de argumentistas, letristas, músicos y coreógrafos.

Coincidió con el cine en color y un conjunto de grandes directores cinematográficos y de intérpretes que dominaban el baile y cantaban: lo que alguien llamaría una conjunción cósmica. Es la edad de oro del musical.

La conjunción se ha producido, los nombres se juntan (Stanley Donen y Gene Kelly) o se barajan, da lo mismo, pero entre George Sydney, Cyd Charisse, Stanley Donen, Vera Ellen, Howard Keel, Frank Sinatra, Ann Miller, George Cukor, Jane Powell, Dan Dailey y los bailarines, Michael Kidd, los hermanos Champion etc. nos darán obras tan inolvidables como Magnolia (1951), Levando anclas (1945),Un día en Nueva York (1949), Siete novias para siete hermanos (1954) Cantando bajo la lluvia (1952), Brigadoon (1954)…

Todas ellas nos ofrecerán una máxima del musical americano que no aparece en otras cinematografías: las canciones y los bailes están incrustadas en el relato, ellas son los que lo hacen progresar y no como ocurre en las otras son pegotes para el lucimiento del cantante o el niño de turno.

Continuará...







P.D. Solo para los muy aficionados.Hay una película, no es propiamente un musical,   sino una biografía de Kern (un biopic en términos cinematográficos)que recoge los mejores éxitos del autor con actuaciones de grandes interpretes. La película se llama Hasta que las nubes pasen(1946) y es de varios directores según la parte cinematográfica y la parte artística..Lena Horne canta con su alma negra Stormy Weather; Frank Sinatra con su alma blanca canta una canción negra Old Man River que luego incorporaría a su repertorio junto con Stormy Weather. Cyd Charisse interpreta con Gower Champion El humo ciega tus ojos. Katryn Grayson hace lo mismo con Magnolia. Judy Garland, June Allyson...

DESCANSO

                   

Hace algunos años entre cada dos sesiones aparecía en la pantalla un rotulo que decía:

                            DESCANSO       VISITE NUESTRO AMBIGÚ.

Ahora lo que hay es una proyección de preestrenos con un sonido horrísono que empujan al espectador al  CONSUMA RELAXING BOL DE PALOMITAS.  Ya hay quien dice que el negocio de la proyección se ha pasado de la taquilla, exigua, a estos consumibles, ingresos atípicos se llaman ahora.

Esto de hoy es un descanso entre películas para reafirmar la voluntad de este blog. No es un blog de críticas puesto que no soy crítico. No es un blog de cartelera actual porque incido en unas películas que actualmente no se pueden ver en la pantalla grande excepto remasterizaciones y demás zarandajas. Trato de que los verdaderos aficionados al cine tengan noticia de películas que hoy están en CD a precios más baratos que las entradas al cine, en Internet aún más baratas y que les pueden ayudar en la comprensión de la deriva, sin tono peyorativo, del cine actual.

Películas que han soportado el paso del tiempo que, al fin y al cabo, es un juez implacable que pone a cada uno en su sitio dejando a falsos mitos en la cuneta. Hace unos años las productoras de cine estaban participadas en gran parte por grupos periodísticos que entonces atravesaban un momento boyante. Como es lógico el grupo se volcaba en su película, el crítico de turno babeaba, los plumillas buscaban cualquier pretexto para entrevistar a los intérpretes (observese la sutil sustitución para no llamar actores a los que no lo son), presentaciones con alfombra roja, copetin multitudinario etc. Un éxito de taquilla.

Aquel sistema feneció víctima de la crisis de la prensa escrita que bastante hace con sobrevivir, la que puede, como para embarcarse en aventuras onerosas como hacen algunos gobiernos con obras faraónicas.

El centro de gravedad se desplazó, como el público de la prensa escrita, a la televisión. Lo estamos viendo a diario en los anuncios de las películas aparece un letrerito que dice participada por…y aquí el nombre de la cadena. A continuación el sistema descrito anteriormente adaptado a la televisión, propaganda descarada en todos los programas de la cadena, entrevistas al director (en ocasiones un principiante con honores estelares) los interpretes en concursos, debates, programas de opinión, el preestreno, el estreno, lo que se tercie. Un éxito fabricado artificialmente que el espectador medio da por bueno.

De vez en cuando hay películas buenas pero es peligroso darlas por muy buenas hasta que ha pasado un tiempo y hay una cierta perspectiva. Con los años recuerdo películas que eran el no va mas de la modernidad y han envejecido mucho. O el otro gran timo el de los premios; los festivales, como las cátedras de la Universidad, son endogámicos, yo te llamo al mío y tu me llamas al tuyo: un coto cerrado.

En fin, procuro que el aficionado fije su atención en películas que han superado el paso del tiempo. Lo difícil es acertar con los gustos del lector/espectador; procuro alternar los géneros y dejar de lado mis preferencias. Hay cadenas de televisión temáticas alejadas de los defectos anteriores que programan películas magníficas…con unos años.  También, dentro de lo posible, procuro resaltar la base literaria si la hay. El cine le debe mucho a la palabra.

FORAJIDOS ( The Killers 1946) ; CODIGO DEL HAMPA( The Killers 1964)

¿Qué une a estas dos películas? El germen literario de ambas es un relato corto, cortísimo, de Ernest Hemingway. Apenas unas líneas que casi no llegan a páginas y casi todo dialogo. El argumento es muy simple: unos asesinos profesionales llegan a una ciudad para matar a un individuo; este es avisado pero se niega a huir o a esconderse, se deja matar. Ahí termina el relato y se abren infinidad de posibilidades. Forajidos explora una de ellas y Código del Hampa otra: no se parecen en nada.

Forajidos en blanco y negro es cronológicamente la primera y una película importante en lo que más tarde sería llamado cine negro. La dirigió Robert Siodmak uno de los directores europeos emigrados a Estados Unidos, como Wilder, Lang, Curtiz, Mamoulian… que elevaron la calidad del cine de Hollywood. En el guión dos pesos pesados, luego directores de gran nivel, Richard Brooks y John Huston. Para no reventar el argumento solo palabras clave: atraco, Mujer Fatal, traición. El muerto es Burt Lancaster que aunque es asesinado en las primeras escenas, por la técnica del flash back cinematográfico, sigue en pantalla el resto de la película. Aquí demostró dotes de actor que rara vez se aprovecharon.

Pero en mayor logro de Siodmak es la escena de  presentación de la principiante protagonista: Ava Gardner, la Mujer Fatal. El director, un maestro en el uso del blanco y negro consiguió que esa escena aparezca en todas las historias del cine y aseguró en futuro de la principiante.

Hay que ver la película. Está en CD, Internet etc.

Código del hampa es la antitesis: rodada en color y destinada a la televisión, aunque su gran impacto hizo pasarla a la pantalla grande. Las palabras clave del argumento son las mismas: Atraco, mujer fatal, traición. Aquí el muerto también revive con la técnica del flash back  pero el investigador que reconstruye la historia es el propio asesino extrañado de la pasividad de su víctima. El director fue Donald Siegel, un director por encima de la media de los directores de Hollywood y, según se dice había participado en los inicios de Forajidos y se le quedó el gusanillo de mejorarlo.

No lo consiguió pero de un actor, Lee Marvin, curtido en infinidad de característicos malvados hizo una estrella encasillada, eso sí, en papeles violentos; del segundo asesino poco mas se supo. John Casavettes que interpreta el papel del muerto, tuvo que hacer muchos personajes de reparto para llegar a su sueño de dirigir cine independiente. La mujer fatal, en este caso con minúsculas es Angie Dickinson que daba muy bien en color pero no puede rivalizar con el magnetismo de mujer fatal  Ava Gardner.

La película se puede ver bien, está por encima de la media del género.

PD. El malo de la película esta interpretado, es su ultima película para la pantalla grande,  por Ronald Reagan un actor vocacional.
P.D.2.-Acabo de leer la monografia de Jose Luis Garci  NOIR. En ella se dice que Hemingway escribió Los Asesinos en Madrid, el el bar(no podia ser en otro sitio tratándose de él), de un hotel .Garci que de noir  sabe un oeuf ,considera el relato como el primero de lo que luego sería la novela negra ,en seis páginas y media ,o sea en el reverso de la entrada de toros que no utilizó.

JAMES BOND CONTRA GOLDFINGER

La razón para escribir sobre esta película, de las muchas películas de Bond, es que reúne prácticamente la mayor parte de los elementos que constituyen el núcleo duro de su éxito.

Ian Fleming fue un escritor británico con algunas similitudes con el también británico John LeCarré. Ambos, antes que escritores de novelas de espionaje, trabajaron en el ramo. En concreto Fleming trabajó para la Inteligencia Naval y los negocios privados de  Asuntos Exteriores, o sea espionaje. Conocía perfectamente los entresijos del tema: Existen el jefe misterioso M, en las primeras películas un hombre, en las últimas una mujer, Q el manipulador de gadgets que casualmente son los que va a utilizar Bond en cada episodio…Inventado pero constante, aunque interpretado por varias actrices a lo largo de las películas Monneypenny, la eterna enamorada de Bond. Menos constante es su colaborador, cuando la acción se traslada a América, Felix Leiter también interpretado por diversos actores. John Barry es el autor de la banda sonora tan característica de las primeras películas.
https://www.youtube.com/watch?v=Qt2WlDM3tEA

Y queda el protagonista: Bond. La primera, y creo que acertada elección, recayó en el actor escocés Sean Connery que venía del culturismo y de los concursos de Míster lo que fuera. Le dio credibilidad al personaje que luego se ha ido diluyendo con el paso de los años con actores de edad venerable, actores inexpresivos y malos actores. La prueba de que no han vuelto a acertar es la cantidad de actores con que lo han intentado.  Connery, según él, lo dejó para no encasillarse pero lo cierto es que una vez agotadas las novelas de Fleming, y el abandono de los valores fundacionales, la serie evolucionó hacia el puro espectáculo, el no va más de los efectos especiales y los aparatos más impactantes para seguir atrayendo al público.

Es decir James Bond dejó de ser el agente 007 para convertirse en una franquicia con todos los inconvenientes que sabemos que esto tiene. Pobre Bond. Quedan algunas de sus frases y poses: Me llamo Bond, James Bond ; Martíni con vodka agitado, no mezclado,…Pero no hay modo de imitar su mueca de suficiencia sarcástica, su elegancia innata de su época de modelo, su preparación atlética etc.

Y quedan dos factores que no pueden faltar: el malo dotado de riquezas sin fin para utilizarlas en sus objetivos. En esta ocasión un magnífico Gert Froebe (los malos de Bond suelen ser buenos actores en la primera época, ahora basta tener cara de loco o de malvado).

Y las chicas. De entrada chicas guapas y vistosas pero el lanzamiento de Ursula Andress saliendo del mar, no en esta película sino en 007 contra el Dr. No, hizo que se acuñara el término chicas Bond. De algunas no se ha vuelto a oír hablar.

PD. La única vez que Ian Fleming lo hizo fuera del tiesto, fue para escribir Chitty Chitty Bang Bang.

EL GRADUADO (The Graduate 1967)

                Hoy he vuelto a ver El graduado después de muchos años y he de reconocer que ha envejecido mal. Lo que en los años 60 era el no va más del modernismo cinematográfico, la audacia en los temas, su tratamiento, parecen hoy de otro siglo. Entonces, en la época del movimiento pacifista, hippys, haz el amor y no la guerra etc. el poner en solfa la clase alta de los Estados Unidos era un deporte.  Hoy ya no llama la atención de nadie, a nadie escandaliza el personaje de Anne Bancroft , dipsómana, fumadora empedernida, adicta al sexo como se dice ahora, frustrada… El personaje de Hoffman es el hijo lógico de aquella generación,

cuando menos confuso, indeciso, sin autoestima, teniéndolo todo no sabe que hacer con ello para no convertirse en una copia de sus mayores. Su escapatoria, la Sra.Robinson, es falsa, una huida hacia delante.

         Los atrevimientos formales de la película hoy ya no escandalizan a nadie tanto en el tema como en la forma. Las referencias continuas a Berkeley entonces La Meca de los movimientos pacifistas ya no dicen nada a las actuales generaciones; para colmo las escenas rodadas atribuidas a Berkeley lo fueron en otro sitio.

            La película fue ya antes de rodarla una caos en cuanto al casting : el papel de Hoffman,  que prácticamente debutaba, era para Robert Redford entre otros varios que no quisieron el papel de pasmarote (papel que se le daba bien a Hoffman que lo repetiría en alguna otra película). El de Anne Bancroft se lo propusieron entre otras a Ava Gardner que le venía como anillo al dedo. Incluso de famosa escena de la pierna que aparece en los carteles promocionales, tampoco es de Anne Bancroft, la doblaron.

           

A favor, las caracterizaciones del reparto: hacer notar que aunque no lo parezca, ahí el mérito, la diferencia de edad entre Hoffman (30) y Bancroft (36) en el momento del rodaje era de seis años. La novia, que prometía, Kathryn Ross se quedó en el camino.

              Pero a los que no somos estadounidenses, allí ya eran conocidos, nos descubrieron al dúo Paul Simon y Art Garfunkel, mas tarde separados, cuya música (Mrs Robinson, Puente sobre aguas turbulentas …) aún sigue vigente.

LA DILIGENCIA ( The Stagecoach 1939)

                                     

              En una asamblea de gente del cine su director se puso en pie y dijo: Me llamo John Ford y hago westerns. No se llamaba John Ford sino John  Martin Feeney  pero, en conjunto, suya es la mejor colección de westerns de la Historia del Cine. De entre sus películas, La diligencia no es la mejor pero si probablemente la más emblemática porque para el género supuso la misma ruptura que Ciudadano Kane de Orson Welles para el resto de la cinematografía.

          La película sigue un relato para los periódicos de Ernest Haycox titulado Stage to Lordsburg, el cual a su vez estaba inspirado en una obra del escritor  francés Guy de Maupasant  titulada Bola de sebo cambiando la época y el lugar. Se basa en esencia de reunir a varios personajes diferentes en un espacio cerrado, una situación limite y agitarlos como en una coctelera.

          La importancia de la película está en la audacia de Ford para superar los estrechos límites en que se había encasillado el western como serie B, y darle la película los espacios abiertos y el espectáculo que el género requería.

           Pero también en crear unos personajes que a partir de La diligencia serían arquetípicos y aparecerían en la mayoría de las películas del Oeste : El vaquero rudo pero honesto con una deuda pendiente , la chica de Saloon pero con un corazón de oro, el enlutado jugador profesional ventajista, el médico borrachín,

el banquero corrupto, la oportuna aparición de la caballería…Todo , a partir de esta película forma parte del western.

            Hay otro detalle: todo el mundo recuerda la famosa escena en que un indio cae entre las patas de los caballos y entre las ruedas de la diligencia. El indio se llamaba Yakima Canutt y durante muchos años había sido y siguió siendo el doble, stunt en el lenguaje del cine, de John Wayne. Ya lo había sido en los tiempos de la serie B interpretando incluso pequeños papeles, lo siguió siendo así como de otros actores .Su valía le llevo a dirigir la Segunda Unidad, la que normalmente rueda las escenas de acción, en Ivanhoe, Espartaco, y nada menos que la célebre carrera de cuadrigas de Ben-Hur.

P.D. Lordsburg y Apache Wells quedaron incorporados a la toponimia del western.

       


 

LA COSTILLA DE ADAN ( Adam's Rib 1949)

      La costilla de Adan es una acumulación de aciertos , comenzando por el juego de palabras del titulo ,que entre todos acaban  por conformar una comedia redonda . Empezando por la pareja protagonista, una de las bazas fuertes de la película : Spencer Tracy y Katherine Hepburn . La pareja tuvo unos comienzos difíciles debido a un comentario de ella sobre la estatura de él. Pero luego devinieron en una pareja que duró hasta la muerte de él , solo dificultada por el catolicismo rampante de Tracy que obstaculizó la solución legal :el divorcio . Pero ya durante el rodaje comenzó entre ellos , eso que se ha dado en llamar química o mas modernamente complicidad , y eso se nota en la película . Es el mismo caso de Bogart y Bacall en Tener y no tener, se nota , trasciende la pantalla .

     Otro acierto son los actores de reparto : Tom Ewell en el personaje del adultero , que luego daría la talla en La tentación vive arriba con Marilyn Monroe , y Judie Holliday  la esposa traicionada , que de la nada cinematográfica pasaría a recibir un Oscar por Nacida ayer.

      Y el director fue George Cukor que entre otros meritos era el favorito de las actrices bien por su trato , o por como las fotografiaba o vaya usted a saber .Las actrices lo adoraban y en esta película ,hasta la forzuda Hope Emerson queda favorecida .

       Nos queda otro as en esta película : los guionistas Garson Kanin y Ruth Gordon , matrimonio en la vida real . Kanin era un polifacético : actor , director músico y guionista ;su esposa Ruth Gordon dedicada de siempre a los guiones .

Su compenetración en dialogos , replicas y contrarréplicas es equivalente a la de los protagonistas en la pantalla .

      Por cierto ¿alguien sabe como se dice Pocholin y Pocholina en inglés?