Mix de los hermanos Marx

A Maria que creció con ellos.

Los comentarios que vienen a continuación son un pequeño barullo. Sirva este pequeño barullo como homenaje a los inclasificables Hermanos Marx. Comenzando por su número ¿Fueron cinco? ¿Fueron cuatro? ¿O quizás tres?

Fueron cinco en principio: Groucho, Chico, Harpo, Zeppo y Gummo. Los dos últimos formaban parte del anterior mundo de los Marx, el Music Hall, Varietès, Vodevil  o lo que se presentara: uno intelectual y el otro un cantor que, bajo los cánones de hoy, era bastante empalagoso. Comenzaron los cinco en el cine pero el terceto definitivo se desprendió de la escoria (dicho sea en el sentido académico de la palabra) que iba bien para el género anterior pero lastraba las posibilidades en el cine. Aún aparecen en las primeras películas y a mí, me parecen insoportables pero también hay que reconocer que en esos números musicales estaba el germen de lo que luego sería el cine musical.

De los tres restantes, Groucho (que al parecer es una variante de gruñón) llevaba la voz cantante y no paraba de hablar; Harpo (en ocasiones tocaba el arpa) no hablaba nada pero se expresaba con silbidos, toques de bocina o cualquier otro medio sonoro que el tercero; Chico se encargaba de traducir. Chico en ocasiones tocaba el piano ya que los tres tenían conocimientos musicales.

                               ¡Pasen,pasen,aún hay sitio!

                                       
                                 ¡Mas madera,mas madera,es la guerra!

El guión, qué risa, existía poco. Los tres hermanos actuaban como lo hacen en la actualidad los grandes equipos de fútbol: de memoria.. Llevaban juntos toda la vida viviendo y actuando.Cada uno sabía de las habilidades de los otros y centraba al hueco para que el otro rematara.

Las películas son muy irregulares; las primeras son prácticamente puestas en escena de los espectáculos de que provenían, se pueden olvidar pero siempre hay alguna escena memorable: Los cuatro cocos( 1929) y El Conflicto de los Marx (1930).Con un status bien ganado, los Estudios los apoyan y tienen buenos directores, llegan  Pistoleros de agua dulce (1931)  y Plumas de caballo (1932)de Norman McLeod, Una noche en la Ópera (1935) de Sam Wood es para  muchos el culmen de su obra, seguirían Una tarde en el circo (1939),Los Hermanos Marx en el Oeste (1940)y Tienda de locos (1941).

Y empiezan los problemas, separación, problemas artísticos, tragedias económicas por ludopatía y reuniones forzadas por las circunstancias que aún dan lugar a Copacabana (1947)  y Amor en conserva (1949). Pero ya no es lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido escenas como la del camarote (Pase, pase, aún hay sitio…), la de las taquillas de las carreras (la primera parte contratante…), la de la quema del tren, (más madera…),permanecen en la memoria común.

                               No se porqué Usted me recuerda a Usted.

                                          La Primera Parte Contratante...

Queda el cuarto hermano Marx: Margaret Dumont: si hombre, sí, esa señora estrafalaria normalmente millonaria de la que Groucho hace astillas constantemente sin que ella se inmute. Aparece en varias películas imperturbable a las atenciones que con ella tienen los hermanos Marx.

Ha pasado casi un siglo de sus primeras películas y siguen vigentes. Pero los Hermanos Marx ya no están y sus seguidores no han podido seguirlos, no han tenido continuidad. Únicamente Groucho aguantó unos años mas en solitario actuando en películas, en un programa de televisión y escribiendo unas memorias que no hay que creerse. Como no hay que creerse que en su lápida figura aquel epitafio de Perdonen que no me levante, pero si non è vero, è ben trovato.   Queda la huella imperecedera que algún crítico ha definido como comicidad marxiana y que en realidad se trata de un mundo okupado por una acracia feliz

P.D. ¡Vivan los Hermanos Marx!

LAWRENCE DE ARABIA (1962)

Vamos a dividirla en dos partes o aspectos: la película y el personaje. La película no tiene un solo pero, una superproducción de las de antes con actores, decorados y sin efectos digitales. Comenzamos por el director David Lean que se dio a conocer para la critica con una película minimalista Breve encuentro (1945) exquisita dentro de su modestia y que seguiría con películas modestas muy apreciables, hasta llegar a sus tres bombazos consecutivos: El puente sobre el río Kwai (1957),la que nos ocupa Lawrence de Arabia (1962) y Doctor Zhivago (1965).Su vida cinematográfica terminaría con otras dos películas muy apreciables: La hija de Ryan(1970)y Pasaje a la India (1984).Todo un currículo.

Seguimos con un reparto antológico: Peter O´Toole en su lanzamiento que completaría con Beckett(1964) y Lord Jim(1965),Omar Shariff otro casi debutante que venía de la cinematografía árabe, el siempre seguro Alec Guiness, Anthony Quinn tan convincente de árabe como de bandido mejicano, Jack Hawkins eterno militar británico y Claude Rains listo para partir de Damasco a Casablanca…La lista es mas larga y hay varios actores de reparto españoles puesto que la película se rodó en España.

El lado Amable

El lado Oscuro

La música que se sigue escuchando con agrado es de Maurice Jarré que procedía de la cinematografía francesa y que Lean repescaría para otra banda sonora inolvidable, la de Doctor Zhivago y de ahí, imparable hacia arriba.

Los decorados son España y la mayor parte Sevilla en los que se rodarían episodios de La guerra de las galaxias y alguna otra película más bien olvidable.

De la maestría de Lean no hay duda pero si de la autoría de algunas de las escenas de masas más célebres como la partida y el asalto a Akaba; normalmente ese tipo de escenas corren a cargo de la Segunda Unidad, en esta película a cargo de un buen director: André de Toth.

Niño con disfraz

                                      Jugando con fuego

Queda el personaje Lawrence ya muy controvertido en su época como se puede apreciar en la escena del funeral. Se discutió incluso su propia muerte , la película no toma partido, : accidente o suicidio.

Porque Lawrence fue un personaje muy complejo, aparte de su actuación en la guerra, más política que militar. Lawrence explica en su obra Los siete pilares de la sabiduría, en las que se basa el guión de la película, sus antecedentes como explorador y arqueólogo que justificarían su apego al mundo árabe.

Pero hay infinidad de facetas mas, que unas veces se sugieren y otras se explicitan: el masoquismo de la escena de la cerilla que Lean empalma magníficamente con la salida del sol en el desierto; el sadismo en el ataque a la retaguardia del ejercito turco, que hasta un “salvaje” Omar Shariff, tiene que detener; la bastante explicita situación sexual con el Bey turco; su relación ambigua, en la película, con los dos adolescentes árabes que hacen de criados; su narcisismo en la escena que corretea por el desierto haciendo ondear su vestimenta árabe; su exhibicionismo sobre el tren atacado que le cuesta una herida y no muere porque Anthony Quinn si estaba a lo que estaba; misogínia, no hay una sola actriz en el reparto…

¡Que gran película!

P.D. Ha sido sometida a un lifting, restauración, remasterización ectra y de ello, todo un honor, se han encargado dos grandes directores Martin Scorsese y Steven Spielberg, ambos fans declarados de la película. Gracias como espectadores.

WEST SIDE STORY (1961)

Hay un dicho popular, según el cual, la derrota es huérfana pero la victoria tiene muchos padres. En el caso de West Side Store se cumple pues tiene tres padres. Sin orden de relevancia, el primero es Robert Wise, un director que es medio director porque fue el encargado de las escenas interiores de estudio, las que no son de acción. El Oscar lo compartió con Jerome Robbins, el coreógrafo. Robert Wise no fue un director de relumbrón pero venía de dirigir El Ladrón de cuerpos (1945) basada en una obra de Robert Luis Stevenson con Boris Karloff y Bela Lugosi, Ultimátum a la Tierra (1951) una buena película pionera del género, Marcado por el odio (1956) una correcta película de boxeo, para quien le guste el género, con una gran interpretación de Paul Newman. Más tarde dirigiría películas tan importantes como Cualquier día en cualquier esquina (1962), Sonrisas y lágrimas (1965) (un musical diferente),  y Star Trek (1979). No era un relleno en el equipo, sabía muy bien lo que se llevaba entre manos.

La otra parte del dúo y del Oscar era Jerome Robbins. Robbins fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los tres años y musicalmente fue discípulo del célebre Balantchine, había sido bailarín profesional, tomó parte en la coreografía de Un día en Nueva York  y trabajó con el mundialmente conocido bailarín y coreógrafo Bob Fosse (Cabaret, 1972). Se hizo cargo de las escenas de exteriores y los ballets de West Side Story revolucionando el musical. Tuve la suerte de asistir a su estreno y nunca podré olvidar el impacto en el público ese día  con los primeros compases atronadores y el primer ballet al aire libre: algo nunca visto.

La tercera pata del trípode fue Leonard Bernstein, el compositor de la música imperecedera de la película. Tampoco Bernstein era un desconocido, había firmado la música de Un día en Nueva York (1949) y  La ventana indiscreta (1954), pero lo que verdaderamente le había hecho popular entre el público americano eran los conciertos didácticos que daba en televisión para jóvenes: Young People’s Concerts.

El mérito de Bernstein en West Side Story, aparte de la calidad y la orquestación es la variedad de los temas, desde ritmos latinos a baladas o al sincopado baile del gimnasio. No sé a quién de ellos atribuir la crítica social de la canción/baile América que llevó a un crítico a escribir que era el primer musical/social de la historia del cine. La mayor parte de la banda sonora sigue siendo muy popular. Hay un doble CD de ella dirigido por el propio Bernstein, pero la interpretación está a cargo de voces muy cultivadas como Kiri Te Kanawa  y José Carreras que suben la calidad pero le bajan la autenticidad.

Queda algo importante en la película: los decorados. Los interiores correctos como en toda superproducción pero los exteriores fueron rodados en un barrio que se iba a derruir para reedificar; claro está que hubo que retocarlo para dar la sensación de que aquellas pandillas vivían allí pero los picados y contrapicados de las cámaras dieron un fondo idóneo para redondear el espectáculo.

Queda la parte más floja de la película: el reparto. Evidentemente es difícil encontrar bailarines de diferentes ritmos que encima sean buenos actores. Para las canciones no hubo problema porque fueron doblados pero los bailes…Rita Moreno estaba en su salsa (perdón por el chiste fácil), Chakiris tenía nociones de baile y antecedentes, pero el resto no. De ellos sobrevivieron Natalie Wood (perdón otra vez por otro chiste fácil) una gran actriz, Rita Moreno buena actriz y bailarina,  recibió un Oscar por esta película, que ya  aparecía en Cantando bajo la lluvia  y que aún sigue en activo, Chakiris en películas serie B y Richard Beymer  en seriales de la TV.

EL MUSICAL(1)

                                

Hay dos géneros cinematográficos inequívocamente americanos (como el Marlboro, si sigue existiendo), el musical y el western. El musical es un género muy del gusto americano y con pocos adeptos en el extranjero. Tuvo una época dominada por el baile (Fred Astaire) y las coreografías caleidoscópicas (Busby Berkeley) y un alma mater que fue Brodway, la zona de teatros de Nueva York: si triunfaba en Broadway pasaba al cine. En los primeros tiempos en blanco y negro eran prácticamente todo bailes y coreografías por sonido más bien defectuoso. En el resto del mundo no gustó. El probablemente mejor compositor de su generación, Jerome Kern, es el autor de Roberta (1935) con su hit El humo ciega tus ojos que sigue apareciendo en La bamba (1987), Good Morning Vietnam (1987), Always (1989), American Graffitti(1973),Cuatro bodas y un funeral(1994).Ya en el resurgir del musical, es el compositor de Magnolia (1951) posiblemente el mejor musical de todos los tiempos, aunque no el más conocido. De él, su gran tema Old Man River, figura en el repertorio de Frank Sinatra. Aparte de Kern, seguramente el mejor y el más prolífico de todos, están Irving Berlin, Cole Porter, Hammerstein, Lerner…

 En las décadas de los años 40 y 50 se produjo la eclosión, una  generación irrepetible de argumentistas, letristas, músicos y coreógrafos.

Coincidió con el cine en color y un conjunto de grandes directores cinematográficos y de intérpretes que dominaban el baile y cantaban: lo que alguien llamaría una conjunción cósmica. Es la edad de oro del musical.

La conjunción se ha producido, los nombres se juntan (Stanley Donen y Gene Kelly) o se barajan, da lo mismo, pero entre George Sydney, Cyd Charisse, Stanley Donen, Vera Ellen, Howard Keel, Frank Sinatra, Ann Miller, George Cukor, Jane Powell, Dan Dailey y los bailarines, Michael Kidd, los hermanos Champion etc. nos darán obras tan inolvidables como Magnolia (1951), Levando anclas (1945),Un día en Nueva York (1949), Siete novias para siete hermanos (1954) Cantando bajo la lluvia (1952), Brigadoon (1954)…

Todas ellas nos ofrecerán una máxima del musical americano que no aparece en otras cinematografías: las canciones y los bailes están incrustadas en el relato, ellas son los que lo hacen progresar y no como ocurre en las otras son pegotes para el lucimiento del cantante o el niño de turno.

Continuará...







P.D. Solo para los muy aficionados.Hay una película, no es propiamente un musical,   sino una biografía de Kern (un biopic en términos cinematográficos)que recoge los mejores éxitos del autor con actuaciones de grandes interpretes. La película se llama Hasta que las nubes pasen(1946) y es de varios directores según la parte cinematográfica y la parte artística..Lena Horne canta con su alma negra Stormy Weather; Frank Sinatra con su alma blanca canta una canción negra Old Man River que luego incorporaría a su repertorio junto con Stormy Weather. Cyd Charisse interpreta con Gower Champion El humo ciega tus ojos. Katryn Grayson hace lo mismo con Magnolia. Judy Garland, June Allyson...

DESCANSO

                   

Hace algunos años entre cada dos sesiones aparecía en la pantalla un rotulo que decía:

                            DESCANSO       VISITE NUESTRO AMBIGÚ.

Ahora lo que hay es una proyección de preestrenos con un sonido horrísono que empujan al espectador al  CONSUMA RELAXING BOL DE PALOMITAS.  Ya hay quien dice que el negocio de la proyección se ha pasado de la taquilla, exigua, a estos consumibles, ingresos atípicos se llaman ahora.

Esto de hoy es un descanso entre películas para reafirmar la voluntad de este blog. No es un blog de críticas puesto que no soy crítico. No es un blog de cartelera actual porque incido en unas películas que actualmente no se pueden ver en la pantalla grande excepto remasterizaciones y demás zarandajas. Trato de que los verdaderos aficionados al cine tengan noticia de películas que hoy están en CD a precios más baratos que las entradas al cine, en Internet aún más baratas y que les pueden ayudar en la comprensión de la deriva, sin tono peyorativo, del cine actual.

Películas que han soportado el paso del tiempo que, al fin y al cabo, es un juez implacable que pone a cada uno en su sitio dejando a falsos mitos en la cuneta. Hace unos años las productoras de cine estaban participadas en gran parte por grupos periodísticos que entonces atravesaban un momento boyante. Como es lógico el grupo se volcaba en su película, el crítico de turno babeaba, los plumillas buscaban cualquier pretexto para entrevistar a los intérpretes (observese la sutil sustitución para no llamar actores a los que no lo son), presentaciones con alfombra roja, copetin multitudinario etc. Un éxito de taquilla.

Aquel sistema feneció víctima de la crisis de la prensa escrita que bastante hace con sobrevivir, la que puede, como para embarcarse en aventuras onerosas como hacen algunos gobiernos con obras faraónicas.

El centro de gravedad se desplazó, como el público de la prensa escrita, a la televisión. Lo estamos viendo a diario en los anuncios de las películas aparece un letrerito que dice participada por…y aquí el nombre de la cadena. A continuación el sistema descrito anteriormente adaptado a la televisión, propaganda descarada en todos los programas de la cadena, entrevistas al director (en ocasiones un principiante con honores estelares) los interpretes en concursos, debates, programas de opinión, el preestreno, el estreno, lo que se tercie. Un éxito fabricado artificialmente que el espectador medio da por bueno.

De vez en cuando hay películas buenas pero es peligroso darlas por muy buenas hasta que ha pasado un tiempo y hay una cierta perspectiva. Con los años recuerdo películas que eran el no va mas de la modernidad y han envejecido mucho. O el otro gran timo el de los premios; los festivales, como las cátedras de la Universidad, son endogámicos, yo te llamo al mío y tu me llamas al tuyo: un coto cerrado.

En fin, procuro que el aficionado fije su atención en películas que han superado el paso del tiempo. Lo difícil es acertar con los gustos del lector/espectador; procuro alternar los géneros y dejar de lado mis preferencias. Hay cadenas de televisión temáticas alejadas de los defectos anteriores que programan películas magníficas…con unos años.  También, dentro de lo posible, procuro resaltar la base literaria si la hay. El cine le debe mucho a la palabra.

FORAJIDOS ( The Killers 1946) ; CODIGO DEL HAMPA( The Killers 1964)

¿Qué une a estas dos películas? El germen literario de ambas es un relato corto, cortísimo, de Ernest Hemingway. Apenas unas líneas que casi no llegan a páginas y casi todo dialogo. El argumento es muy simple: unos asesinos profesionales llegan a una ciudad para matar a un individuo; este es avisado pero se niega a huir o a esconderse, se deja matar. Ahí termina el relato y se abren infinidad de posibilidades. Forajidos explora una de ellas y Código del Hampa otra: no se parecen en nada.

Forajidos en blanco y negro es cronológicamente la primera y una película importante en lo que más tarde sería llamado cine negro. La dirigió Robert Siodmak uno de los directores europeos emigrados a Estados Unidos, como Wilder, Lang, Curtiz, Mamoulian… que elevaron la calidad del cine de Hollywood. En el guión dos pesos pesados, luego directores de gran nivel, Richard Brooks y John Huston. Para no reventar el argumento solo palabras clave: atraco, Mujer Fatal, traición. El muerto es Burt Lancaster que aunque es asesinado en las primeras escenas, por la técnica del flash back cinematográfico, sigue en pantalla el resto de la película. Aquí demostró dotes de actor que rara vez se aprovecharon.

Pero en mayor logro de Siodmak es la escena de  presentación de la principiante protagonista: Ava Gardner, la Mujer Fatal. El director, un maestro en el uso del blanco y negro consiguió que esa escena aparezca en todas las historias del cine y aseguró en futuro de la principiante.

Hay que ver la película. Está en CD, Internet etc.

Código del hampa es la antitesis: rodada en color y destinada a la televisión, aunque su gran impacto hizo pasarla a la pantalla grande. Las palabras clave del argumento son las mismas: Atraco, mujer fatal, traición. Aquí el muerto también revive con la técnica del flash back  pero el investigador que reconstruye la historia es el propio asesino extrañado de la pasividad de su víctima. El director fue Donald Siegel, un director por encima de la media de los directores de Hollywood y, según se dice había participado en los inicios de Forajidos y se le quedó el gusanillo de mejorarlo.

No lo consiguió pero de un actor, Lee Marvin, curtido en infinidad de característicos malvados hizo una estrella encasillada, eso sí, en papeles violentos; del segundo asesino poco mas se supo. John Casavettes que interpreta el papel del muerto, tuvo que hacer muchos personajes de reparto para llegar a su sueño de dirigir cine independiente. La mujer fatal, en este caso con minúsculas es Angie Dickinson que daba muy bien en color pero no puede rivalizar con el magnetismo de mujer fatal  Ava Gardner.

La película se puede ver bien, está por encima de la media del género.

PD. El malo de la película esta interpretado, es su ultima película para la pantalla grande,  por Ronald Reagan un actor vocacional.
P.D.2.-Acabo de leer la monografia de Jose Luis Garci  NOIR. En ella se dice que Hemingway escribió Los Asesinos en Madrid, el el bar(no podia ser en otro sitio tratándose de él), de un hotel .Garci que de noir  sabe un oeuf ,considera el relato como el primero de lo que luego sería la novela negra ,en seis páginas y media ,o sea en el reverso de la entrada de toros que no utilizó.